El Club de los Cinefalos
Título: 9 Meses... ¡De Condena!
Título Original: 9 mois ferme
Género: Comedia
Nacionalidad: Francia
Año: 2013
Director: Albert Dupontel
Guión: Albert Dupontel, Héctor Cabello Reyes, Olivier
Demangel
Reparto: Albert Dupontel, Sandrine Kiberlain, Nicolas
Marié, Philippe Uchan, Philippe Duquesne, Bouli Lanners, Christian Hecq, Gilles
Gaston-Dreyfus, Michel Fau, Laure Calamy, Yolande Moreau, Michèle
Bernard-Requin, Alex Fondja, John Arnold, Babetida Sadjo
Sinopsis:
Ariane Felder es una dura juez con unos valores
intachables y un apego aún mayor por la soltería. Cuál es su sorpresa cuando se
descubre embarazada sin saber quién es el padre. Una investigación y varios
tests de paternidad después, Ariane descubre que el “culpable” no es ni más ni
menos que Bob Dolan, un criminal de medio pelo perseguido por una terrible
agresión. Sin saber cómo afrontar todo aquello, y con el torpe pero sincero
delincuente ahora instalado en su casa, Ariane intentará llegar al fondo de la
verdad y, sobre todo, decidir qué hacer con su nueva situación.
Título: Anochece en la India
Título Original: Anochece en la India
Género: Aventuras, Drama, Romance
Nacionalidad: España, Rumanía, Turquía, Suecia, India
Año: 2014
Director: Chema Rodríguez
Guión: Pablo Burgués, David Planell, Chema Rodríguez
Reparto: Juan Diego, Ken Appledorn, Javier Pereira,
Clara Voda, Linda Molin, Vanessa Castro
Sinopsis:
Anochece en la India cuenta la aventura de Ricardo y Dana.
Ricardo decide viajar a la India
por tierra, como hacía en los viejos tiempos, cuando llevaba hippies a Oriente
con su furgón cruzando Europa, Turquía, Irán y Pakistán. Pero la situación
ahora es muy distinta porque ha pasado los últimos diez años de su vida en una
silla de ruedas. Al viaje le acompaña Dana, su asistenta rumana. Son dos seres
solitarios con los que la vida tiene una deuda. El viaje se convertirá en la
coartada para saldarla.
Título: El poder de Tai Chi
Título Original: Man of Tai Chi
Género: Acción
Nacionalidad: USA, China
Año: 2013
Director: Keanu Reeves
Guión: Michael G. Cooney
Reparto: Tiger Hu Chen, Keanu Reeves, Karen
Mok, Iko Uwais, Steven Dasz, Jeremy Marinas, Michael Chan, Brahim Achabbakhe,
Helene Leclerc, Ocean Hou
Sinopsis:
El ambicioso y joven "Tigre", Chen Lin-Hu
(Tiger Chen) trabaja de repartidor en la ajetreada ciudad de Pekín, pero cuando
acaba la jornada laboral se convierte en una estrella de las artes marciales
que ha ascendido por los diferentes niveles en representación del tradicional
Tai Chi Ling Kong. El Tai Chi suele asociarse con movimientos tranquilos y
comedidos. Tigre ha perfeccionado el antiguo arte y ha empezado a hacerse un
nombre en el prestigioso campeonato de artes marciales Wulin Wang.
En Hong Kong, la detective Suen Jing-Si (Karen Mok),
que forma parte del OCTB (Unidad contra el crimen organizado), ha llegado a un
callejón sin salida persiguiendo a Donaka Mark (Keanu Reeves). Donaka es un
poderoso hombre de negocios residente en Hong Kong que organiza peleas
clandestinas sin reglas y retransmitidas de forma privada a apostantes ricos.
Donaka necesita a una nueva estrella e intenta atraer a Tigre a sus redes con
dinero.
Al principio, Tigre no se deja tentar, ya que está
totalmente entregado a la pureza e integridad de su objetivo, pero cuando el
templo donde practica se ve amenazado de destrucción por una inmobiliaria,
decide probar suerte con la esperanza de poder salvar el legado de Tai Chi Ling
Kong. Tigre no tarda en convertirse en la sensación de las peleas clandestinas,
derrotando a sus oponentes con golpes letales. Pero poco a poco empieza a
emerger su lado oscuro. La agresividad de Tigre durante el torneo Wulin Wang
llama la atención de muchos y avergüenza a su viejo maestro (Yu Hai).
Aparentemente incapaz de controlarse, Tigre acaba
colaborando con la detective Jing-Si para pillar a Donaka organizando combates
clandestinos. Pero arriesga su vida en cada pelea. ¿Podrá Tigre cumplir con su
objetivo y dominar su lado más oscuro?
Título: Inevitable
Título Original: Inevitable
Género: Drama, Romance
Nacionalidad: España, Argentina
Año: 2013
Director: Jorge Algora
Guión: Jorge Algora, Héctor Carré
Reparto: Federico Luppi, Darío Grandinetti, Mabel
Riviera, Carolina Peleritti, Antonella Costa
Sinopsis:
Fabián, (Darío Grandinetti), trabaja como ejecutivo en
un banco. Después de la muerte de un compañero de trabajo, entra en crisis.
Mariela (Carolina Peleritti), su mujer, es psicóloga y tiene como paciente a
Olga (Mabel Rivera), una mujer amargada que trata de volcar su frustración
sobre la terapeuta. Fabián conoce a un famoso escritor ciego (Federico Luppi),
que lo intenta ayudar. Guiado por sus consejos, Fabián mantiene una relación
con Alicia (Antonella Costa), una joven escultora, a la cual ve como su amor
inevitable.
Título: La imagen perdida
Título Original: L'image manquante
Género: Documental
Nacionalidad: Camboya, Francia
Año: 2013
Director: Rithy Panh
Guión: Rithy Panh
Reparto: Randal Douc
Sinopsis:
Durante muchos años he buscado una imagen perdida: una
fotografía tomada entre 1975 y 1979 por los Jemeres Rojos cuando gobernaban en
Camboya. Por supuesto que una imagen por sí sola no puede ser la prueba de un
genocidio, pero nos hace pensar, nos fuerza a meditar, a registrar la Historia. La he
buscado en vano en archivos, en viejos papeles, en las aldeas de Camboya. Hoy
lo sé: esta imagen debe estar perdida. Así que la he creado. Lo que les ofrezco
no es la búsqueda de una imagen única si no la imagen de una búsqueda; la
búsqueda que permite el cine. Algunas imágenes están perdidas para siempre y
son reemplazadas por otras. En este proceso hay vida, lucha, dificultad y
belleza, la tristeza de los rostros perdidos, la comprensión de lo que pasó:
algunas veces nobleza e incluso coraje pero nunca olvido.
Título: Mejor otro día
Título Original: A Long Way Down
Género: Comedia, Drama
Nacionalidad: Reino Unido
Año: 2013
Director: Pascal Chaumeil
Guión: Jack Thorne
Reparto: Pierce Brosnan, Rosamund Pike, Aaron
Paul, Imogen Poots, Sam Neill, Toni Collette, Tuppence Middleton, Joe Cole,
Ilan Goodman, Thomas Williamson, Katerina Elliott, Shola Adewusi
Sinopsis:
Basada en la novela de Nick Hornby En picado.
Comedia que nos sitúa en vísperas de año Nuevo, en la
azotea de un rascacielos de Londres donde coinciden Martin, Maureen, Jess y JJ
para poner fin a su vida. En lugar de saltar, los extraños hacen un pacto para
seguir con vida hasta el día de San Valentín. Y así, en el día que todo debía
terminar, su amistad se inicia y los lleva a superar todos los obstáculos
juntos. Las aventuras de este variopinto grupo son emocionantes, impredecibles
y una auténtica afirmación de la vida.
Título: Miel
Título Original: Miele
Género: Drama
Nacionalidad: Italia
Año: 2013
Director: Valeria Golino
Guión: Valeria Golino, Francesca Marciano, Valia
Santella
Reparto: Jasmine Trinca, Carlo Cecchi, Libero De
Rienzo, Vinicio Marchioni, Iaia Forte, Roberto De Francesco, Barbara Ronchi,
Massimiliano Iacolucci, Claudio Guain, Elena Callegari, Teresa Acerbis, Jacopo
Crovella, Valeria Bilello, Gianluca Di Gennaro, Caterina Fornaciai
Sinopsis:
Irene tiene 32 años, es una mujer como tantas otras,
vive sola y tiene sus historias ocasionales. Hace tres años que ha decidido
dedicar su vida a personas en busca de ayuda, asistiendo y aliviando su
sufrimiento, incluso cuando llevan a decisiones extremas, por eso su nombre en
clave es Miel. Pero un día conoce al Sr. Grimaldi, un hombre de 70 años, en
perfecto estado de salud, que tiene un “mal invisible”. La reunión entre ambos
pondrá a prueba las convicciones de Miel, y provocará un fuerte debate entre
los dos. Su relación se llenará cada más de implicaciones y ambigüedades
emocionales. La vida de Miel cambiará para siempre.
Título: Seguridad no garantizada
Título Original: Safety Not Guaranteed
Género: Comedia, Drama, Romance
Nacionalidad: USA
Año: 2012
Director: Colin Trevorrow
Guión: Derek Connolly
Reparto: Aubrey Plaza, Lauren Carlos, Basil Harris,
Mary Lynn Rajskub, Jake Johnson, Karan Soni, David Schultz, Jeff Garlin, Mark
Duplass, William Hall Jr., Alice Hung, Hassan Cristos Messiah, Keli
Schurman-Darby, Jenica Bergere, Lynn Shelton
Sinopsis:
Un trío de empleados de una revista de investigación
descubre un anuncio clasificado donde se busca un socio para viajar en el
tiempo. Uno de los empleados desarrolla sentimientos por el paranoico pero
atractivo solitario y trata de descubrir lo que realmente está haciendo...
Ladri
di biciclette (en Hispanoamérica, Ladrones de bicicletas; en España, Ladrón de
bicicletas) es una película italiana dirigida por Vittorio de Sica en 1948. Se
considera como una de las películas emblemáticas del neorrealismo italiano. En
1970 fue elegida por votación como una de las 10 mejores películas de la historia
del cine. Ocupa el primer puesto en la lista de "Las 50 películas que
deberías ver a los 14 años".
El
film está basado en la novela homónima de 1945, escrita por Luigi Bartolini,
adaptada a la gran pantalla por Cesare Zavattini. El relato narra un accidente
de la vida cotidiana de un trabajador.
Un
rasgo característico de este film, y del neorrealismo, es la desaparición de la
noción de actor y de la puesta en escena. Los actores que intervienen no son
profesionales. Aunque la búsqueda de las personas que interpretarían los
personajes fue dura. Un detalle gracioso de la búsqueda del niño, fue que De
Sica, tras haber visto cantidad de niños, se decantó por éste debido a su forma
de andar. Es más, la prueba de selección de los niños se reducía a verlos
caminar.
Otro
rasgo significativo es que todas las angulaciones de cámara están en función de
lo que se quiere transmitir. Como por ejemplo, la secuencia en la que con un
picado se ve toda la calle mostrándonos la muchedumbre entre la que se pierde
el ladrón y la impotencia del trabajador.
Argumento
Roma,
segunda posguerra: Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani), un desocupado encuentra
trabajo pegando carteles, lo cual es un gran logro en la situación de posguerra
que vive el país, donde el trabajo escasea y obtenerlo es un éxito excepcional.
Pero para trabajar debe poseer una bicicleta. Desafortunadamente, el primer día
de trabajo le roban la bicicleta mientras pega un cartel cinematográfico.
Antonio persigue al ladrón sin resultado alguno. Decide denunciar el robo ante
la policía, pero se da cuenta que las fuerzas del orden no pueden ayudarlo a
encontrar su bicicleta. Desesperado, busca el apoyo de un compañero de partido,
que a su vez moviliza a sus amigos basureros. Al alba, Antonio, junto a sus
compañeros y a su hijo Bruno comienza su búsqueda, primero en la Piazza Vittorio y
más tarde en Porta Portese, donde tradicionalmente van a parar los objetos
robados. Pero no hay nada que hacer: la bicicleta seguramente ya esté
desmontada y será imposible de encontrar. En Porta Portese Antonio ve al ladrón
de su bicicleta, mientras negocia con un viejo vagabundo. Lo persigue sin
alcanzarlo, regresa a Porta Portese a encontrar al vagabundo, y lo sigue, hasta
un comedor social . Allí le pregunta por su bicicleta y por la identidad del
ladrón, pero no obtiene ningún resultado. Exasperado, Antonio acude a una
vidente, pero la respuesta de ésta es casi una tomadura de pelo: “o la
encuentras ahora o no la encontrarás jamás”. Inmediatamente, al salir de la
casa de la vidente, se encuentra con el ladrón de la bicicleta que al final es
defendido por todos sus colegas. Antonio habla con un carabinero para
explicarle la situación. Entonces éste le contesta que sin testigos del robo no
se puede hacer nada. Finalmente, mientras Antonio y Bruno esperan el autobús
para regresar a casa, el padre se percata de la existencia de una bicicleta que
nadie parece custodiar. Intenta robarla pero la muchedumbre se lanza a
atraparlo. Solo los llantos de Bruno consiguen frenarlos e impedir que su padre
vaya a la cárcel. Antonio se encuentra ahora tan pobre como antes pero con la
vergüenza de haberse colocado al nivel de quien le había robado. El film se
cierra con la vuelta a casa de Antonio y Bruno mientras cae la noche
Curiosidades:
En la
versión española de la película estrenada durante el franquismo, se recortaron
varias escenas, como la de la iglesia y, en la escena final, mientras el padre
se sumerge en la multitud y su hijo le coge de la mano, se añadió una voz en
off que edulcoraba el final y le añadía una moralina cristiana. Decía así:
El
mañana parecía lleno de angustia ante este hombre, pero ya no estaba solo. La
cálida manecita del pequeño Bruno entre las suyas, hablábale de fe y esperanza
en un mundo mejor. En un mundo donde los hombres llamados a comprenderse y a
amarse lograrían el generoso ideal de una cristiana solidaridad. sobre la
ciudad de Roma.
Salò o le 120 giornate di Sodoma (Saló o las 120
jornadas de Sodoma) es una película de 1975 del poeta, ensayista, escritor y
director de cine italiano Pier Paolo Pasolini, basada en el libro Los 120 días
de Sodoma del marqués de Sade.
Origen
Pasolini pasó parte de su juventud en la República de Saló.
Durante este tiempo fue testigo de crueldades por parte del ejército italiano.
Muchos de sus recuerdos condujeron a la conceptualización de Saló. Pasolini
proclamó que la película era altamente simbólica y metafórica; un ejemplo de
ello es la escena en la que comen heces, lo cual sería una protesta contra los
alimentos producidos en masa, a los cuales denomina «basura inútil».
Argumento
Saló (como la película es comúnmente abreviada) se
desarrolla en la República
de Saló, en el norte de Italia, durante los años 1944 y 1945, en plena
ocupación nazi. La película se encuentra dividida en cuatro segmentos que hacen
símil con el Infierno de la novela La Divina Comediade
Dante Alighieri: Anteinfierno, Círculo de las manías, Círculo de la mierda y
Círculo de la sangre.
Cuatro hombres poderosos, llamados el Presidente, el
Duque, el Obispo y el Magistrado, acuerdan casar a sus hijas en un ritual
libertino. Con la ayuda de varios colaboradores, secuestran a dieciocho jóvenes
(nueve hombres y nueve mujeres) y los conducen a un palacio cerca de
Marzabotto. Los acompañan cuatro ex-prostitutas, también colaboradoras, cuya
función será la de contar historias que exciten a los hombres poderosos,
quienes entonces explotarán sexual y sádicamente a sus víctimas.
La película presenta 3 de los 120 días transcurridos
en el palacio, tiempo durante el cual los cuatro hombres poderosos van
concibiendo torturas y humillaciones cada vez más aberrantes, para su propio
placer. El filme se divide en cuatro partes; la primera es el denominado
Anteinfierno, la sección más corta de la película, donde se muestra la captura
de los jóvenes y un discurso dado por parte del Duque a las víctimas. Luego el
filme pasa al Círculo de las Manías, liderado por la Señora Vaccari , una
de las prostitutas. En éste se cuentan historias tomadas de la primera parte de
la novela de De Sade, ninguna de las cuales incluye la penetración. Se destaca
una escena en la que las víctimas aparecen desnudas, sólo con correas de perro,
y son obligadas a comer carne del suelo. Posteriormente, se le da a una de las
hijas un panecillo lleno de clavos.
En la tercera parte comienza el Círculo de la Mierda , donde varios
personajes discuten sobre haber asesinado a sus madres y también sobre el hecho
de que no se le debe nada a la madre simplemente por haber fornicado con un
hombre, un tema típico de Sade. A una de las víctimas se le escucha llorar,
entristecida porque su madre fue asesinada cuando la capturaron. Entonces ella
es forzada a comer las heces del Duque. Esto incita a la Sra. Maggi , prostituta
de turno, a contar las historias de retrete, que encantan a los señores. A los
jóvenes se les prohíbe "descargar" durante un día completo, para que
al final sus heces sean servidas en un gran banquete. La coprofagia usada en el
film es aparentemente una metáfora para los alimentos producidos en masa. Como
curiosidad, las heces fueron creadas con salsa de chocolate y mermelada de
naranjas.
Además se realiza un concurso de los mejores traseros
donde el ganador supuestamente moriría en el acto. Al "ganador",
Franco, se le asusta con una pistola descargada. Este final del Círculo de la Mierda anuncia los horrores
del siguiente segmento.
En la última parte, el Círculo de la Sangre , las historias de
las prostitutas son mínimas y relatadas por la Señora Castelli.
Se celebra una boda gay entre algunos soldados y tres de los cuatro señores,
oficiada por el Obispo. Un soldado seduce a este último y tienen sexo. Luego,
el Obispo se marcha a inspeccionar a las víctimas en sus cuartos, donde cada
una traiciona a otra: se descubre un romance lésbico, una fotografía escondida,
y finalmente, un amorío entre un colaborador y la sirvienta negra, por lo que
ambos son asesinados. Más tarde, las víctimas que decidieron no colaborar con
sus agresores, y las hijas de los mismos, son torturadas de varias espantosas
maneras, antes de ser asesinadas: violadas, desolladas, marcadas, con penes y
pezones quemados y con lenguas y ojos extirpados. Los que sí colaboraron, a
condición de que continuen haciéndolo, serán conducidos con los señores a Saló.
La última escena de la película retrata la indiferencia, la desensibilización a
la violencia y el conformismo de las masas: dos colaboradores, que acababan de
presenciar y participar en la masacre, aburridos, se ponen a bailar un vals
juntos.
Controversia
La controversia acerca de la película existe hasta el
día de hoy, con muchas personas elogiando la película por su intrepidez y
talante en contemplar lo impensado, mientras otros la condenan rotundamente por
ser una pretenciosa película de explotación.
La película ha sido prohibida en varios países debido
a su gráfico retrato de la violación, la tortura y el asesinato, además de que
participaron menores de edad. Fue prohibida en Australia en 1976, permitida en
1993 y re censurada en 1998.
Versiones
Existen varias versiones de la película. Originalmente
duraba 145 minutos, pero el mismo Pasolini eliminó 25 minutos para ayudar a
mantener el ritmo. La versión más extensa disponible es el ampliamente vendido
DVD producido por la BFI ,
el que incluye una breve escena usualmente no incluida en otras copias —
durante la primera ceremonia de bodas, uno de los maestros cita un poema de
Gottfried Benn.
Los derechos para distribuir la película en Estados
Unidos (y en la mayor parte del mundo) están en poder de MGM.
Curiosidades
El papel de Claudio, uno de los colaboradores, iba a ser
interpretado en un principio por Ninetto Davoli y el de la señora Vaccari por
Laura Betti. Finalmente, por los problemas judiciales que podía haber, Pasolini
prescindió de ellos. Laura Betti finalmente acabó doblando a Hélène Surgére,
quien interpretó a la señora Vaccari. Franco Citti finalmente tampoco apareció.
Muchos de los nombres de los personajes de la película
tienen el nombre del actor que lo interpreta. Las víctimas varones tienen todos
el mismo nombre que el actor salvo 2: Rino (Bruno Musso) y Carlo (Gaspare Di
Jenno). Las víctimas mujeres conservan la mayoría su mismo nombre salvo: Fátima
(Faridah Malik), Doris (Dorit Henke) y Eva (Olga Andreis). Los militares y
colaboradores también tienen el mismo nombre que el actor que los interpreta.
Las hijas de los 4 señores, los militares y los colaboradores todos tienen el
mismo nombre, salvo (Fabrizio Menichini) o Bruno (Maurizio Valaguzza), aunque
el nombre de éste no llega a saberse.
Los actores que interpretan a las víctimas tenían
entre 14 y 18 años.
Muchos de los actores no volvieron a aparecer en
ninguna otra película.
Los colaboradores usan uniformes militares de la Marina Nazionale
Republicana, aunque a diferencia de los soldados no cuentan con formación militar.
La música original corresponde a Ennio Morricone
interpretada al piano por Arnaldo Graziosi. La música no original, en tanto, es
Carmina Burana de Carl Orff (título de la pieza: veris leta facies) para la
escena de las torturas y varias piezas de Fryderyk Chopin (Preludios Op. 28 nº
20 y nº4 y Valses Op. 34 nº 2 en La menor) y entre otras la canción coral
(escena del primer banquete) ¨Sul ponte di Perati Bandiera nera¨, versión de la
canción ¨Sul ponte di Bassano¨ (una canción popular entre los soldados
italianos de la primera guerra mundial) y versionada durante la república
social italiana como ¨Sul fronte di Nettuno¨. El puente de Perati está
localizado en la población de Perat, en Albania.
En el Círculo de la Sangre las hijas de los agresores y la mayoría de
las víctimas son nombradas para llevar una cinta celeste, salvo Umberto quien
se convierte en colaborador. Rino, Benedetta tampoco es nombrada, pero si
llevará cinta celeste, un error tal vez en el momento de hacer la escena. Eva
tampoco es nombrada.
La película se rodó en Saló (interiores), Mantua
(interiores y exteriores en las escenas de ¨reclutamiento¨de jóvenes), Bolonia
y alrededores. El pueblo a orillas del Reno sustituye a la ficticia
localización en Marzabotto, lugar donde se supone transcurre la historia y
donde sucedió una de las peores masacres infligidas por los alemanes en
territorio italiano, la cual marcó a Pasolini.
Otra curiosidad es que ambos grupos de jóvenes no eran
homogéneos. Los chicos eran jóvenes no profesionales, mientras las chicas
fueron escogidas de entre foto modelos para asegurarse de que tuviesen cuerpos
hermosos y que no tuviesen demasiado pudor en enseñarlos.
Los señores, en sus discusiones privadas, citan varias
veces a Nietzsche, Baudelaire y Pierre Klossowski, entre otros.
Umberto Paolo Quintavalle (el Magistrado) era
escritor, conoció a Pasolini trabajando en el periódico Corriere della Sera.
Fue elegido para el papel porque tenía todas "las características de un
intelectual decadente".
Aldo Valletti (el Presidente) fue un amigo de Pasolini
de la época de ¨Accattone¨ y Giorgio Cataldi (el obispo) otro amigo de
Pasolini, vendedor de ropa en Roma. Paolo Bonacelli (El Duque) había
participado en varias pequeñas producciones italianas de los 50 y 60.
Mientras buscaba en el valle del Loira localizaciones
para El Decamerón, Pasolini se interesó en llevar a la pantalla un libro sobre
la vida de Gilles de Räis, el famoso barba azul y conocido sádico pederasta y
asesino (además de ser uno de los paladines de Juana de Arco). El libro le fue
recomendado por un profesor de la universidad de Tour y estaba escrito por
Ernesto Ferrero. Al final lo dejó pasar y se volcó en su trilogía.
Durante la edición varios rollos de película fueron
robados y usados para chantajear a Pasolini, casualmente el día de su muerte.
Aún se desconoce el destino de las escenas contenidas en los rollos.
El cochecito es una película española dirigida por
Marco Ferreri y estrenada el 3 de noviembre de 1960, basada en el relato
Paralítico, de la obra Pobre, paralítico y muerto, de Rafael Azcona.
La película obtuvo el Premio de la crítica en el
Festival de Cine de Venecia.
Argumento
Don Anselmo Proharán (José Isbert) es un anciano
totalmente decidido a adquirir un cochecito de inválido con motor, igual que el
que tiene su amigo Lucas y otros compañeros de su edad. Pese a la oposición de
toda su familia, Don Anselmo no desiste de su capricho, incluso si para
conseguirlo se ve obligado a vender las joyas de la familia. Cuando su hijo
Carlos (Pedro Porcel) se entera, le obliga a devolverlo. En venganza, Don
Anselmo toma la decisión de envenenar a su familia. Cuando intenta huir en su
cochecito, sin embargo, es finalmente detenido por la Guardia Civil. La
versión inicial de la película, daba claramente a entender que Don Anselmo
cumplía sus fúnebres propósitos, pero al final se optó por una versión más
edulcorada en la que implícitamente se veía que el decidido anciano no
ejecutaba su plan y la familia seguía viva.
Ficha Tecnica:
Dirección Marco
Ferreri
Ayudante de dirección Angelino
Fons
Producción Pere
Portabella
Guion Marco Ferreri y Rafael Azcona
Música Miguel
Asins Arbó
Maquillaje José
Echevarría
Fotografía Juan
Julio Baena
Montaje Pedro
del Rey
Escenografía Enrique Alarcón
Protagonistas
José Isbert
Pedro Porcel
José Luis López Vázquez
María Luisa Ponte
Antonio Gavilán
Chus Lampreave
Antonio Riquelme
Carmen Santonja
María Isbert.
El Personaje de la Semana
El neorrealismo italiano fue un movimiento cultural,
nacido y desarrollado en Italia durante la Segunda Guerra
Mundial y la posguerra, que tuvo importantes influencias en el cine
contemporáneo (sobre todo en los años comprendidos entre 1943 y alrededor de
1955). En el ámbito cinematográfico los mayores exponentes del movimiento,
surgido de manera espontánea, fueron, en los años 1940, los directores Roberto
Rossellini, Luchino Visconti, Vittorio De Sica, Michelangelo Antonioni,
Giuseppe De Santis, Pietro Germi, Alberto Lattuada, Renato Castellani, Luigi
Zampa y el guionista Cesare Zavattini, a los que se unirán en la década
siguiente, Francesco Maselli y Carlo Lizzani. En una posición propia se ubica a
Federico Fellini (para cuya obra cinematográfica se acuñó el término de
realismo mágico).
El cine neorrealista se caracteriza por desarrollar
tramas ambientadas principalmente entre los pobres y la clase trabajadora, con
largas secuencias al aire libre, y con frecuencia utiliza actores no
profesionales para personajes secundarios e incluso a veces para los
principales. Las películas tratan principalmente de la situación económica y
moral de la posguerra italiana, reflejando los cambios en los sentimientos y
las condiciones de vida: esperanza, redención, el deseo de dejar el pasado
atrás y empezar una nueva vida, frustración, pobreza, desesperación. En eras de
una mayor fidelidad a la vida cotidiana, en los primeros años de desarrollo y
difusión del neorrealismo, las películas se rodaban a menudo al aire libre,
utilizando como escenario de fondo la propia devastación de la guerra; por otro
lado, desde abril de 1937, el principal complejo de estudios cinematográficos
italiano Cinecittà fue ocupado por huidos de la guerra hasta la inmediata
posguerra, por lo que no estuvo disponible para los directores hasta entonces.
Caracterizado por ser un cine de pocos recursos e
independiente, el neorrealismo marcó un hito en la historia del cine. Rompiendo
con las superproducciones americanas o italianas de antes de la guerra, fue de
alguna modo un paso más del hombre hacia la libertad de crear, con el objetivo
de influir en la generaciones posteriores y que influyó en todas las “nuevas
olas” europeas como la
Nouvelle Vague francesa.
Orígenes y desarrollo
¿Neo?...No entiendo por qué es “neo”, porque la
búsqueda de la verdad debe existir siempre. Roberto Rossellini
El neorrealismo nació sin nombre. El prefijo “neo” fue
solo una etiqueta. Como de la misma manera se etiqueta a una película por su
género, el neorrealismo nació a partir de un círculo de críticos
cinematográficos que se agrupaban en torno a la revista Cinema, entre los que
se encontraban Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Gianni Puccini y
Giuseppe de Santis. Lejos de abordar temas políticos (el director de la revista
era Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini), los críticos atacaban las
películas que dominaban la industria de los tiempos. Por oposición a la escasa
calidad de las películas de la época, algunos críticos consideraban que el cine
debía mirar hacia los escritores realistas de principios del siglo.
Los neorrealistas fueron fuertemente influidos por el
realismo poético francés. De hecho, tanto Antonioni como Visconti trabajaron en
estrecha colaboración con Jean Renoir. Por otro lado, muchos directores
neorrealistas habían madurado trabajando en películas caligaristas, si bien
dicho movimiento era notablemente distinto al neorrealismo. Se pueden encontrar
elementos emparentados con el neorrealismo, igualmente, en las obras de
Alessandro Blasetti y en los documentales de Francesco de Robertis. Los
precursores más significativos del neorrealismo fueron Toni, de Renoir, de 1935
y la película Napoli 1860, La fine dei Borboni, de Blasetti, realizada en 1934.
El neorrealismo adquirió resonancia mundial por
primera vez en 1945 con Roma, città aperta, de Roberto Rossellini, primera
película importante realizada en Italia tras el fin de la Segunda Guerra
mundial. A pesar de la presencia de muchas características ajenas al
neorrealismo, reflejaba claramente la lucha por la existencia que los italianos
libraban día a día bajo la ocupación alemana de Roma, haciendo lo posible por
resistir a la ocupación. Los niños juegan en la película un papel clave, y su
presencia al final del film es indicativa de su papel general en el
neorrealismo: como observadores de la dificultad del mundo de hoy que tienen la
llave del futuro.
Características
El neorrealismo no era un programa, era un
sentimiento, una necesidad […]. Fue una respuesta a un régimen que nos había
obligado a vivir de una manera hipócrita y falsa. Nosotros, por el contrario,
solo hemos dicho la verdad. Vittorio de Sica
El cine neorrealista se caracteriza por tramas
ambientadas entre los sectores más desfavorecidos, abundante en el uso de los
rodajes exteriores, con importante presencia de actores no profesionales entre
sus secundarios y, con frecuencia, incluso entre los protagonistas. Las
películas reflejan principalmente la situación económica y moral de Italia en
la posguerra, y reflexionan sobre los cambios en los sentimientos y en las
condiciones de vida como frustración, pobreza, desesperación.
Su aspecto e intención principal consistía en plasmar
la realidad tal cual era. Se trataba de un cine con orientación social capaz de
representar la terrible depresión tras la guerra, un cine casi de desesperanza
con un claro contenido moral.Lejos de querer representar un espectáculo, donde
las historias estén muy concisas y elaboradas, el cine neorrealista utilizó un
estilo más relajado adoptando un ritmo de acción más lento, donde la espera es
la protagonista y crea en los espectadores cierta curiosidad por aquello que va
suceder. Según Rossellini: Es la espera la que nos hace vivir, es la espera la
que nos acerca a la realidad, […]. La espera es la fuerza de cualquier suceso
de nuestra vida, y también lo es del cine.
Siguiendo la línea del cine mudo, donde no había
diálogos y los sentimientos de los personajes eran claves para entender la
historia, el neorrealismo le dio más importancia a los sentimientos de los
propios personajes que a la composición de la trama. Pero para poder comprender
este nuevo estilo cinematográfico, hay que entender la improvisación como
manera de describir la realidad. Por eso en las películas neorrealistas todo es
flexible y cambiante. Un claro ejemplo es Paisà de Roberto Rossellini. Movilizó
a todo el equipo al lugar del rodaje y una vez allí realizó a los actores no
profesionales unas encuestas para que opinaran de cómo debía ser el curso del
argumento. Criticado por ello, Rossellini respondió: […], y el insulto más
grande era afirmar que soy un improvisador. Me siento considerablemente
orgulloso de ser un improvisador; esto quiere decir que no estoy completamente
dormido.
Se puede decir que el neorrealismo italiano se inicia
en 1945 con Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) de Roberto Rossellini y
continúa con cineastas tan destacados como Vittorio De Sica con Ladri di
biciclette (Ladrón de bicicletas) en 1948 y Luchino Visconti con La tierra
tiembla (La terra trema) en 1947.
Los guionistas Suso Cecchi d'Amico y Cesare Zavattini
fueron, entre otros escritores, autores importantes en este movimiento,
escribiendo las historias para los directores del neorrealismo italiano.Varios
teóricos del cine, como Robert McKee, consideran responsables de la calidad
artística del neorrealismo italiano a guionistas como ellos tanto como a los
directores de las películas.
Roberto Rossellini (Roma, Italia, 8 de mayo de 1906 - Roma,
Italia, 3 de junio de 1977) fue un cineasta italiano.
Rossellini es uno de los directores más importantes
del neorrealismo italiano, al que contribuyó con películas como Roma, ciudad
abierta.
Biografía
Nacido en una familia burguesa de Roma, su padre
construyó el primer cine romano (un teatro donde podían mostrarse películas),
garantizando a Roberto el pase libre de admisión ilimitado; Roberto comenzó a
frecuentar el cine a una edad temprana. Cuando su padre murió, Roberto trabajó
como técnico de sonido en películas, y por algún tiempo pudo trabajar en varios
campos relacionados con la creación de películas, ganando competencia en cada
uno.
En 1938 rodó su primer cortometraje, Prélude à
l'aprés-midi d'un faune, después del cual asistió a Goffredo Alessandrini en el
rodaje de Luciano Serra piloto, una de las películas italianas de la primera
mitad de siglo con más éxito. En 1940 asistió a Francesco De Santis en Uomini
sul Fondo. Su primer largometraje, La Nave Bianca (1941) es la primera de la llamada
Trilogía Fascista, junto con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce
(1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con Federico Fellini
y Aldo Fabrizi.
Cuando el régimen fascista terminó en 1945, sólo dos
meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma,
ciudad abierta (Roma città aperta, con Fellini asistiendo en el guion y Fabrizi
en el papel del sacerdote), que él mismo produjo, obteniendo la mayor parte del
dinero de créditos y préstamos. Este drama fue un éxito inmediato. Rossellini
comenzó así su Trilogía Neorrealista, cuya segunda película fue Paisà
(Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la
tercera Germania anno zero (1947), patrocinada por un productor francés y
dirigida en el sector francés de Berlín.
Declaró en una entrevista: para crear realmente el
personaje que uno tiene en mente, es necesario para el director entablar una
batalla con el actor que normalmente termina sometiéndose a los deseos del
actor. Como no deseo estar malgastando mis energías en una batalla como ésta,
sólo uso actores profesionales en contadas ocasiones. Se ha dicho que una de
las razones de su éxito fue el hecho de que Rossellini reescribió los guiones
según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Acentos
regionales, dialectos y vestimentas se ven en sus películas del modo en que
verdaderamente eran.
Después de su Trilogía Neorrealista, Rossellini
produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore
(con Anna Magnani) y La macchina ammazzacattivi, mostrando realidad y verdad.
En 1948 Rossellini recibe una carta de Ingrid Bergman
proponiéndole trabajar con él y así comienza una de las más conocidas historias
de amor en el mundo del cine, con Ingrid Bergman y Rossellini en la cumbre de
su popularidad e influencia. Comenzaron a trabajar juntos un año más tarde en
Stromboli terra di Dio (en la isla de Stromboli) 1950, cuyo volcán entró en
erupción durante el rodaje), y en Europa '51 1951. En 1954, Viaggio in Italia
completa la llamada Trilogía de Ingrid.
Esta relación causó un gran escándalo en algunos
países (Bergman y Rossellini estaban casados antes de conocerse); el escándalo
se intensificó cuando comenzaron a tener hijos (uno de los cuales es Isabella
Rossellini).
Filmografía
Cine
La nave bianca (1941)
Un pilota ritorna (1942)
L'uomo dalla croce (1943)
Roma città aperta (1945)
Desiderio (1946)
Paisà (1946)
Germania anno zero (1948)
L'amore, episodio Una voce umana y Il miracolo (1948)
Stromboli terra di Dio (1950)
Francesco, giullare di Dio (1950)
Invidia (episodio de I sette peccati capitali, 1952)
La macchina ammazzacattivi (1952)
Europa '51 (1952)
Ingrid Bergman (episodio de Siamo donne, 1953)
Viaggio in Italia (1953)
Napoli '43 (episodio de Amori di mezzo secolo, 1954)
Dov'è la libertà? (1954)
La paura (1954)
Giovanna d'Arco al rogo (1954)
India (1959)
Il generale Della Rovere (1959)
Era notte a Roma (1960)
Viva l'Italia! (1961)
Vanina Vanini (1961)
Anima nera, (1962)
Illibatezza (episodio de Ro.Go.Pa.G., 1963)
La prise de pouvoir par Louis XIV (TV, 1966)
Anno uno (1974)
Il messia (1975)
Televisión
L'India vista da Rossellini (Serie TV, 1959)
Torino nei cent'anni (TV, 1961)
L'età del ferro (TV, 1964)
Idea di un'isola (TV, 1967)
Atti degli apostoli (miniserie TV, 1969)
Socrate (TV, 1970)
Rice University (1971)
Intervista a Salvador Allende: La forza e la ragione
(1971)
Blaise Pascal (TV, 1971)
Agostino d'Ippona (1972)
L'età di Cosimo de' Medici (TV, 1973)
Cartesius (TV, 1974)
Concerto per Michelangelo (TV, 1977)
Beaubourg, centre d'art et de culture Georges
Pompidou (1977)
Yo, Claudio es una miniserie de 1976 producida y
emitida por la BBC. Se
trata de una adaptación de las novelas Yo, Claudio y Claudio, el dios, y su
esposa Mesalina, de Robert Graves. Esta miniserie fue creada por Jack Pullman,
quien escribió el guión de los trece episodios. Se muestra en ella la vida de
la Dinastía Julio-Claudia desde el primer principado de Octavio Augusto hasta los
últimos días de Claudio desde el punto de vista de éste último, que ha escrito
su autobiografía. Los personajes principales fueron interpretados por actores
del teatro shakespeariano, desconocidos hasta entonces en el ámbito televisivo.
Destacan las actuaciones de Siân Phillips (Livia), Derek Jacobi (Claudio), John
Hurt (Calígula) y Brian Blessed (Augusto).
En 1999 fue elegida como "mejor serie de
televisión del siglo XX" por los lectores del periódico español La Vanguardia.
Argumento
Tiberio Claudio César Augusto Germánico, más conocido
como Claudio, es el cuarto emperador del Imperio romano. Está casado en
segundas nupcias con su sobrina Agripina, la menor y sospecha que su mujer
quiere envenenarle para que su hijo Nerón le reemplace como emperador. Por
ello, decide contar la historia de su vida, desde el reinado de sus abuelos
Augusto y Livia hasta su nombramiento como emperador, pasando por los gobiernos
de su tío Tiberio y su sobrino Calígula.
Claudio es nieto de Livia, la tercera esposa de
Augusto, el que fuera primer emperador de Roma. Livia, de su anterior
matrimonio, había tenido dos hijos: el emperador Tiberio y el general Druso,
padre del protagonista. Claudio, además, tiene un hermano al que le une un gran
afecto: Germánico, padre del emperador Calígula.
Tartamudo, cojo y medio sordo, Claudio es considerado,
por el pueblo en general y su familia en particular, como un inepto. La
historia comienza narrando la rivalidad entre el veinteañero Marcelo, el hijo
de Octavia al que muchos consideran el nuevo emperador, y Marco Vipsanio
Agripa, gran amigo y compañero de batallas del emperador Augusto. Marcelo cree
que Agripa es su rival en la sucesión del emperador y los partidarios de unos y
otros pelean en las calles. La historia llega hasta tal punto, que Marco
Vipsanio Agripa decide mudarse a la isla de Lesbos, excusándose con una mentira
ante su amigo el emperador. Lo que no imagina es que poco después Marcelo
fallecerá y que el propio Augusto, aconsejado por su esposa, le solicitará que
vuelva a Roma. Y lo hará por la puerta grande: casándose con Julia, la hija de
Augusto.
Pero, Livia es una mujer perversa que aspira a
continuar gobernando todo el Imperio en caso de que su marido fallezca antes
que ella y para ello necesita a su hijo Tiberio. Y, para ello, debe asegurarse
de que éste suceda a Augusto. Es entonces cuando comienza a deshacerse de todos
aquellos que puedan interponerse entre Tiberio y Augusto, incluyendo a su
propio hijo Druso, el padre de Claudio, que alberga ideas republicanas. Sin
embargo, Livia no considera que su nieto Claudio, tartamudo, cojo, algo sordo y
de personalidad enfermiza, pueda representar un riesgo para sus planes. Gracias
a eso, el joven Claudio sobrevive en el ambiente tenso y confuso de la corte
imperial, repleto de conjuras y asesinatos. Al comprobar esto, Claudio, que no
es realmente tonto, decide maximizar sus defectos para evitar ser víctima de
los complots de su abuela y sus sucesores.
En su infancia, el protagonista se educa junto con sus
hermanos y primos. Todo cambia cuando reciben en Roma la llegada de un joven
judío descendiente de una estirpe de monarcas: Herodes Agripa.
Tras la muerte de Augusto y durante el reinado de su
tío Tiberio, el prefecto de la guardia, Lucio Elio Sejano, comienza a imponer
un régimen de terror, y acusa de traición a cualquiera que se interponga en sus
planes de convertirse en emperador. No obstante, acabará siendo destituido y
ejecutado por orden de Tiberio. quien muere poco después y es sucedido por Cayo
Calìgula, sobrino de Claudio.
El joven emperador se cree un dios y, después de
recuperarse de una enfermedad, se hace llamar Zeus mientras que a su hermana,
Drusila, con la cual mantiene relaciones incestuosas, la identifica con la
diosa Hera. En este período los excesos del soberano y su desequilibrio mental
llevan a los aristócratas romanos al temor y la adulación. Finalmente, las
excentricidades de Calígula conducirán a un grupo de conspiradores, encabezados
por Casio Querea, a matarlo. Asesinado el emperador, Claudio se esconde detrás
de una cortina donde es encontrado por oficiales de la Guardia Pretoriana quienes
lo aclaman, pese a su negativa, como nuevo emperador. Una vez investido,
Claudio intenta rectificar y reparar la ruina legada por sus predecesores; pero
a pesar de ser partidario de la república, jamás llegará a restaurarla.
Claudio es manipulado por su joven esposa Mesalina,
quien abusa de su confianza y emplea su poder y su posición para mantener
relaciones clandestinas y, a la vez, obtener beneficios personales. Entre
tanto, Claudio descubre que su antiguo amigo Herodes Agripa ha conspirado para
apoderarse de las regiones orientales del Imperio, considerándose a sí mismo el
Mesías. Sin embargo, muere antes de llevar a cabo sus planes y, en su carta de
despedida, aconseja al emperador que desconfíe de cuantos le rodean. Más tarde,
Claudio emprende la conquista de Britania, la que resulta exitosa, sin saber
que en su ausencia, Mesalina ha llevado su promiscuidad hasta el extremo de
competir públicamente con una reconocida prostituta. Ninguno de los servidores
del emperador se atreve, sin embargo, a decirle la verdad hasta el momento en
que Mesalina se casa, a espaldas de Claudio, con un aristócrata llamado Apio
Silano, con el propósito de usurpar el poder en nombre de su hijo Británico.
Este acto lleva a los libertos de Claudio, Palas y Narciso, a revelarle la
verdad por medio de su mejor amiga, una antigua ramera llamada Calpurnia.
Claudio queda devastado y los libertos aprovechan su estupefacción para ordenar
la ejecución de Mesalina y los demás conspiradores.
Claudio aparece, entonces, como un anciano vencido que
se resigna a su suerte, comprendiendo que su buena administración sólo ha
logrado que los romanos se acostumbren al régimen imperial. Decide, pues,
llevar el régimen a su conclusión dejando el poder a un déspota, para lograr de
este modo que los romanos comprendan la necesidad de restaurar la República. Claudio conoce
unas profecías sibilinas que habían sido censuradas; en ellas se auguraba el
reinado de Tiberio, el de Calígula y su trágica muerte, la ascensión de Claudio
como emperador y su muerte a manos de Agripina la Menor , y el excéntrico
reinado de Nerón. Con este fin acepta casarse con su sobrina Agripina la Menor , hermana de Calígula,
una mujer, tan perversa como Livia, que hará lo imposible para asegurarse de
que su hijo Nerón sea el sucesor.
El final de su plan es que sea su propio hijo
Británico (a quien ha tratado con indiferencia) quien restablezca la República pero, cuando
decide hablar con él, descubre que tampoco su hijo desea el antiguo sistema
político y le pide que lo nombre su sucesor, argumentando que podrá cuidarse
solo de las intrigas de Nerón. Acepta y, convencido de lo inevitable del
destino, deja que su esposa lo envenene durante la cena. Agripina y su hijo
descubren la autobiografía de Claudio y la queman con desprecio.
Mientras yace en su lecho de muerte, solo, recibe la
visita de la Sibila
quien le revela la futura muerte de Británico, Agripina y Nerón, al tiempo que
lo felicita por haber escondido una copia de su escrito.
Capítulos de la miniserie
Un toque de asesinato.
Asuntos de familia.
Esperando entre bastidores.
¿Qué hacemos con Claudio?
El veneno es la reina.
Un poco de justicia.
La reina de los cielos.
El reinado del terror.
¡Zeus, por Júpiter!
Salve: ¿Quién?
La suerte del tonto.
Un dios en Britania.
El viejo rey leño.
Personajes e intérpretes
Claudio - Derek Jacobi
Claudio de niño - Ashley Knight
Octavio Augusto - Brian Blessed
Agripa - John Paul
Livia - Siân Phillips
Tiberio - George Baker
Julia - Frances White
Druso, padre de Claudio - Ian Ogilvy
Antonia - Margaret Tyzack
Germánico - David Robb
Agripina la
Mayor - Fiona Walker
Sejano - Patrick Stewart
Livila - Patricia Quinn
Calígula - John Hurt
Calígula de niño - Robert Morgan
Mesalina - Sheila White
Nerón - Christopher Biggins
Póstumo - John Castle
Herodes Agripa - James Faulkner
Cástor - Kevin McNally
Macro - John Rhys-Davies
Marcelo - Christopher Guard
Pisón - Stratford Johns
Palas - Bernard Hepton
Narciso - John Cater
Agripina la
Menor - Barbara Young
Drusila - Beth Morris
Lucio - Simon MacCorkindale
Lucio de niño - Russell Lewis
Vipsania - Sheila Ruskin
Octavia - Angela Morant
Británico - Graham Seed
Calpurnia - Jo Rowbottom
Casio Querea - Sam Dastor
Trasilo - Kevin Stoney
Cesonia - Freda Dowie
Voz de La
Sibila - Freda Dowie
Plancina - Irene Hamilton
Plaucio - Darien Angadi
Caractato - Peter Bowles
Marco Vinicio - Norman Eshley
Martina - Patsy Byrne
Gemelo - Douglas Melbourne
Elena (el personaje histórico es Julia Drusa) - Karin
Foley
Cayo - Earl Rhodes
Druso, hijo de Germánico - Richard Hunter
Octavia, hija de Claudio - Cheryl Johnson
Lolia - Isabel Dean
Elia, hermana de Sejano y segunda esposa de Claudio -
Liane Aukin
Domicia Lépida, madre de Mesalina - Moira Redmond
Grato - Bernard Hill
Domicio - Esmond Knight
Asinio Polio - Donald Eccles
Guérsom - George Pravda
Quintilio Varo - Aubury Richards
Apio Silano - Lyndon Brook
Tito Livio, el historiador - Denis Carey
Praxis - Alan Thompson
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