Bueno amigos, nos hemos visto obligados a cambiar de servidor, el pasado jueves 27 Radionomy nos dejo sin poder emitir durante todo el dia, solo nos permitia emitir la musica de su biblioteca, asi que hemos decido mandarlos con viento fresco al carajo, como podeis observar tambien hemos tenido que cambiar el Reproductor, pero vamos solo teneis que darle al play y nos podreis escuchar tambien podeis hacerlo desde TUNEIN en el siguiente enlace:
http://tunein.com/station/?StationId=221541
y en el nuevo servidor de GISS.TV aqui el enlace:
http://giss.tv:8000/radioresaca.mp3
http://giss.tv:8001/radioresaca.mp3
Muchas gracias por vuestra atención, seguimos currando semana a semana para ofreceros buena musica y unas risas.
FD. Radio Resaca.
Radio Resaca
viernes, 28 de marzo de 2014
lunes, 17 de marzo de 2014
El Club De Los Cinefalos El Angel Exterminador, El Apartamento, The Artist y Joaquin Phoenix
Estrenos
Título: 8 Apellidos Vascos
Título Original: Ocho Apellidos Vascos
Género: Comedia
Nacionalidad: España
Año: 2014
Director: Emilio Martínez-Lázaro
Guión: Borja Cobeaga, Diego San José
Reparto: Clara Lago, Karra Elejalde, Carmen Machi,
Dani Rovira
Sinopsis:
Rafa, andaluz de pura cepa, nunca ha tenido que salir
de su querida Sevilla para conseguir lo que más le importa en la vida: el fino,
la gomina y las mujeres. Hasta que un día todo cambia cuando aparece la primera
mujer que se resiste a sus encantos: Amaia, una vasca.
Rafa, decidido a conquistarla, viaja hasta un pueblo
de la Euskadi
profunda. Allí, para conseguir a Amaia hará lo que haga falta, hasta hacerse
pasar por vasco.
Título: Dallas Buyers Club
Título Original: Dallas Buyers Club
Género: Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2013
Director: Jean-Marc Vallée
Guión: Craig Borten, Melisa Wallack
Reparto: Matthew McConaughey, Jennifer Garner,
Jared Leto
Sinopsis:
La historia del electricista, Ron Woodroof y su pelea
con el sistema médico y las compañías farmacéuticas tras haber sido
diagnosticado seropositivo en 1986, y su búsqueda de tratamientos alternativos
que ayuden a establecer un método por el cual otra gente seropositiva pueda
unirse para tener acceso a su medicación.
Título: La bella y la Bestia
Título Original: La belle et la bête
Género: Fantasía, Romance, Thriller
Nacionalidad: Francia
Año: 2014
Director: Christophe Gans
Guión: Christophe Gans
Reparto: Vincent Cassel, Léa Seydoux, André
Dussollier, Eduardo Noriega, Myriam Charleins, Sara Giraudeau, Audrey Lamy,
Jonathan Demurger, Nicolas Gob, Louka Meliava, Yvonne Catterfeld, Dejan Bucin,
Richard Sammel, Mickey Hardt, Travis Kerschen
Sinopsis:
1720. Tras el naufragio de sus navíos, un mercader arruinado
debe exiliarse al campo con sus seis hijos. Entre ellos se encuentra Bella (Léa
Seydoux), la más joven de sus hijas, alegre, guapa y llena de encanto. Tras un
viaje agotador, el Mercader descubre el dominio mágico de la Bestia (Vincent Cassel),
que le condena a muerte por haberle robado una rosa.
Sintiéndose responsable de la terrible suerte que
amenaza a su familia, Bella decide sacrificarse en lugar de su padre. En el
castillo de la Bestia
no sólo le espera la muerte, sino una extraña vida donde se mezclan los
momentos de magia, alegría y tristeza. Cada tarde, a la hora de cenar, Bella y
Bestia se reúnen y aprenden a tratarse como dos extraños completamente
opuestos. Mientras intenta refrenar sus impulsos amorosos, Bella se introduce
en los misterios de la Bestia
y de su morada. Cuando cae la noche, los sueños se presentan a Bella como
fragmentos del pasado de la
Bestia. Una historia trágica que le enseña que este ser
solitario y feroz fue un día un Príncipe majestuoso. Armada de valor, luchando
contra todos los peligros y abriendo su corazón, Bella conseguirá liberar a la Bestia de su maldición y
descubrir así el amor verdadero.
Título: Las maestras de la república
Título Original: Las maestras de la república
Género: Documental
Nacionalidad: España
Año: 2013
Director: Pilar Pérez Solano
Guión: Pilar Pérez Solano
Reparto: Marta Barriuso, Laura De Pedro
Sinopsis:
Las Maestras Republicanas fueron unas mujeres
valientes y comprometidas que participaron en la conquista de los derechos de
las mujeres y en la modernización de la educación, basada en los principios de
la escuela pública y democrática.
Este documental a través de la recreación de una
maestra de la época, e imágenes de archivo inéditas, nos descubre el
maravilloso legado que nos han dejado las maestras republicanas y que ha
llegado hasta nuestros días.
Articulado en base a testimonios de investigadores y
familiares, vamos a conocer el momento histórico que vivieron estas docentes y
su participación en la transformación social de nuestro país a través de la
educación.
Título: Pelo Malo
Título Original: Pelo Malo
Género: Drama
Nacionalidad: Venezuela
Año: 2013
Director: Mariana Rondón
Guión: Mariana Rondón
Reparto: Samuel Lange Zambrano, Samantha Castillo,
Nelly Ramos, Beto Benites, Maria Emilia Sulbarán
Sinopsis:
Junior tiene nueve años y el cabello muy crespo,
indomable, el “pelo malo.” El se lo quiere alisar para la foto de la escuela, y
así verse como un cantante de moda, con el pelo liso. Su deseo lo enfrenta con
su madre Marta, joven viuda y desempleada.
Marta, Junior y el bebé viven en grandes edificios
multifamiliares. Marta, aturdida por el esfuerzo de sobrevivir en la caótica
ciudad de Caracas, es cada vez más intolerante a la obsesión de Junior con su
cabello. Mientras Junior busca verse bello para que su mamá lo quiera, ella lo
rechaza cada vez más.
La abuela paterna, testigo de este rechazo, le propone
a Marta quedárselo para que viva con ella y así la cuide. La madre se niega e
intenta corregir a su hijo, dándole el “ejemplo.”, un duro momento que suponía
ser una lección. Finalmente, él se verá obligado a tomar una dolorosa decisión.
Título: Una vida en tres días
Título Original: Labor Day
Género: Drama
Nacionalidad: USA
Año: 2013
Director: Jason Reitman
Guión: Jason Reitman
Reparto: Kate Winslet, Josh Brolin, Clark
Gregg, James Van Der Beek, Tobey Maguire, Maika Monroe, Dylan Minnette, Gattlin
Griffith, Brooke Smith, Sarah Fischer, Brighid Fleming, Alexie Gilmore, Tom
Lipinski, Elena Kampouris, Stephanie Atkinson
Sinopsis:
Una vida en tres días gira en torno a Henry Wheeler,
un niño de 13 años que se esfuerza por ser el hombre de la casa y cuidar de su
solitaria madre en pleno torbellino de la adolescencia. Un día, ambos conocen a
un hombre necesitado de ayuda que les convence de que le lleven a casa, donde
descubren que es un convicto fugado. Ese interminable fin de semana les marcará
para el resto de sus vidas.
The Apartment (en España, El apartamento; en Argentina
y en México, Piso de soltero) es una película estadounidense de 1960 producida
y dirigida por Billy Wilder, con Jack Lemmon y Shirley MacLaine en los papeles
principales. Ganó cinco Oscar: al mejor director, al mejor montaje, a la mejor
película, a la mejor dirección de arte y al mejor guion original. El filme está
preservado en el archivo de la
Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
La historia que se cuenta se inspiró en parte en el
guion que había escrito Noël Coward para la película de 1945 Breve encuentro,
que era una ampliación de su obra de teatro en un solo acto Still Life, de
1936.
Argumento
Baxter (Jack Lemmon) es un empleado contable de una
gran empresa de seguros en Nueva York que ha descubierto la forma de ascender:
ceder su apartamento durante unas horas a varios directivos para que ellos
lleven a sus amantes. Todo se complica cuando se enamora de una de ellas
(Shirley MacLaine).
Estilo
Billy Wilder hacía un cine de técnica sencilla y
argumento complicado. Al decir complicado uno se refiere a un argumento con
grandes detalles, ambiciones o anhelos. La película se narra prácticamente
entera con un narrador omnisciente, que no toma partido en ningún momento, a
excepción de la primera escena, en la que la voz de Jack Lemmon nos presenta su
personaje, su vida, y su pequeño problema.
Otros premios
Premio BAFTA: a la mejor película, al mejor actor
(Jack Lemmon) y a la mejor actriz (Shirley McLaine).
Globo de Oro: a la mejor película, al mejor actor -
Comedia o musical (Jack Lemmon) y a la mejor actriz - Comedia o musical
(Shirley McLaine).
Festival Internacional de Cine de Venecia: Premio
Volpi a la mejor actriz (Shirley McLaine).
Círculo de críticos de cine de Nueva York.
Gremio de directores americanos (Directors
Guild of America Award).
Premios WGA (Writers Guild of America Award)
Círculo de Escritores Cinematográficos: a la mejor
película extranjera.
The Artist —conocida como El artista en
Hispanoamérica— es una película francesa de drama y comedia romántica en el
estilo de una película muda en blanco y negro. Escrita y dirigida por Michel
Hazanavicius, está protagonizada por Jean Dujardin y Bérénice Bejo. La historia
toma lugar en Hollywood, entre 1927 y 1932, y está enfocada en la relación de
una vieja estrella del cine mudo y una exitosa actriz joven, cuando el cine
mudo pasó de moda y fue reemplazado por el cine sonoro.
El artista recibió un cerrado elogio universal de los
críticos y ganó muchos premios. Dujardin ganó como mejor actor en el Festival de
Cannes 2011, donde la película fue estrenada. La película fue nominada para
seis Globos de Oro, siendo más nominada que cualquier película de 2011, y
finalmente, ganó en la categoría como mejor comedia o musical, Globo de Oro a
la mejor banda sonora, y mejor actor de comedia o musical para Dujardin. En
enero de 2012, la película fue nominada para doce BAFTAs, también fue ahí la
más nominada del 2011, y consiguió ganar siete, con más premios en la noche que
ninguna otra película, incluyendo como mejor película, mejor director y mejor
guion original para Hazanavicius, y mejor actor para Dujardin. Fue nominada
para diez premios Óscar y ganó cinco, incluyendo mejor película, mejor director
para Hazanavicius, y mejor actor para Dujardin. Es la primera película muda en
ganar como mejor película desde Alas (1927) —el primer receptor de la primera
edición de los premios Óscar, en 1927—, la primera película presentada en
formato de aspecto de 4:3 en ganar desde Marty (1955) —la primera película en
blanco negro desde La lista de Schindler (1993)—, y la primera película sin
clasificación R en ganar desde Million Dollar Baby (2004).
En Francia, fue nominada para diez Premios César,
ganando seis, incluyendo mejor película, mejor director para Hazanavicius, y
mejor actriz para Bejo. Participó también en el Festival Internacional de Cine
de Toronto y en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde ganó
el premio del público. El artista se convirtió en la película francesa más
premiada en la historia.
Sinopsis
En 1927, la estrella de cine mudo George Valentin
(Jean Dujardin) esta posando para fotos afuera del estreno de su película
exitosa más reciente, Un Affaire Ruso, cuando una joven mujer, Peppy Miller
(Bérénice Bejo), topa accidentalmente en él para poder coger su bolso. Valentin
reacciona con humor el accidente y pone a Peppy a las cámaras. Al día
siguiente, Peppy se encuentra en la primera página del Variety con el título
"¿Quien es esa chica?" Luego, Peppy audiciona como una bailarina y es
observada por Valentin, quien insiste en que ella tiene un papel en la próxima
producción de los Estudios Kinograph, a pesar de las objeciones del jefe del
estudio, Al Zimmer (John Goodman). En la realización de una escena juntos,
Valentin y Peppy muestran gran espectáculo químico, a pesar de ser simplemente
una extra. Con un poco de orientación de Valentin (él dibuja un lunar sobre
ella, que finalmente será su marca, después de encontrarla en su camerino),
Peppy se eleva lentamente a través de la industria, gana papeles protagonistas
más cercanos.
Dos años después, Zimmer anuncia el final de la
producción de películas mudas en los Estudios Kinograph, pero Valentin es
despectivo, insistiendo en que el sonido es una moda pasajera. En un sueño,
Valentin comienza a escuchar los sonidos de su medio ambiente, pero no puede
hablar, a continuación, se despierta bañado en sudor. Él decide producir y
dirigir su propia película muda, financiándose él mismo. La película se estrena
el mismo día que la película de nuevo sonido de Peppy, así como el Crac del 29.
Ahora la única posibilidad de Valentin de evitar la quiebra es que su película
sea un gran éxito. Lamentablemente el público acude a la película de Peppy en
su lugar y Valentin queda arruinado. Su esposa, Doris (Penelope Ann Miller), lo
echa, y él se muda a un apartamento con su cámara y su chófer, Clifton (James
Cromwell), y su perro. Peppy pasa a convertirse en una gran estrella de
Hollywood.
Luego, la quiebra de Valentin le obligan a subastar
todos sus efectos personales, y despide a Clifton, diciéndole que busque otro
trabajo por falta de dinero. Deprimido y borracho, Valentin enojado establece
un encuentro de su colección privada de películas anteriores. A medida que la
película de nitrato rápidamente arde fuera de control, se siente abrumado por
el humo, y pasa al interior de la casa en llamas, sin soltar un rollo de
película simple. Sin embargo, el perro de Valentin atrae la ayuda de un policía
cercano, y después de haber sido rescatado, Valentin es hospitalizado por
lesiones sufridas en el incendio. Peppy visita el hospital y descubre que la
película que rescató fue la primera que ella hizo. Ella le pide se traslade a
su casa para recuperarse. Valentin despierta en una cama en su casa, al ver que
Clifton está trabajando para Peppy. Valentin parece seguir siendo despectivo de
Peppy al haberlo tomado, lo que llevó a Clifton a recordar severamente a
Valentin de que su suerte había cambiado.
Peppy insiste a Zimmer que será Valentin quien
coprotagonizará su próxima película, amenazando con dejar de Kinograph si
Zimmer no está de acuerdo con sus términos. Después de que Valentin aprende a
su pesar de que había sido Peppy quien había comprado todos sus efectos
subastados, vuelve desesperado a su apartamento quemado. Peppy llega, con pánico,
y encuentra que Valentin está a punto de intentar suicidarse con una pistola.
Los dos se reconcilian, y recordando la capacidad de baile magnífica de
Valentin, Peppy persuade a Zimmer de dejarlos hacer un musical juntos.
El sonido finalmente llega cuando la película comienza
a rodar una escena de baile con Peppy y George. Una vez que la coreografía se
ha completado, los dos bailarines se oyen jadeando, y el único momento en el
sonido de la película se escucha que proviene de Peppy, que de otra manera no
dice nada. El director de las convocatorias musicales fuera de audible,
"Corte" a la que Zimmer añade: "Perfecto. Hermoso ¿Me podrían
dar una más?" Valentin, en su única línea dice "Con mucho
gusto", revelando su fuerte acento francés. La cámara se aleja de los
equipos de sonido de la película, mientras se preparan para rodar otra toma.
FIN
Elenco
Jean Dujardin como George Valentin.
Bérénice Bejo como Peppy Miller.
Uggie como Jack (el perro).
John Goodman como Al Zimmer.
James Cromwell como Clifton.
Penelope Ann Miller como Doris.
Missi Pyle como Constance.
Ben Kurland como un asistente de casting.
Bitsie Tulloch como Norma.
Producción
El realizador francés Michel Hazanavicius llevaba
tiempo fantaseando con la idea de hacer una película muda, tanto por el hecho
de que muchos directores que él admiraba surgieron en la época del cine mudo,
como debido al estilo natural de la imagen de esa época. En un primer momento,
ese deseo de Hazanavicius de realizar una película muda no fue tomado en serio,
pero después de que sus películas sobre espionaje 0SS 117: Cairo, Nest of Spies
y OSS 117: Lost in Rio tuvieran un inesperado éxito financiero, los productores
comenzaron a mostrar interés por su idea. La preproducción de la película
comenzó con el requerimiento de Michel Hazanavicius de volver a trabajar con
los actores Jean Dujardin y Bérénice Bejo, su esposa, ambos protagonistas de la
serie de filmes de OSS. Para la historia, eligió la forma del melodrama, sobre
todo porque pensó que muchas de las mejores películas de la época del cine mudo
que han existido habían sido melodramas. Además, realizó una extensa
investigación sobre los años 20 en Hollywood, y estudió muchas películas de la
época intentando encontrar las maneras adecuadas -tanto técnicas como
narrativas- de hacer que la historia se volviera lo más comprensible posible
sin necesidad de usar demasiados subtítulos.
Hazanavicius terminó de realizar el guion de la
película en cuatro meses. La película está integrada en su totalidad por un
reparto francés y norteamericano y se filmó por un período de siete semanas en
la ciudad de Los Ángeles.
Música
Original Motion Picture Soundtrack – The
Artist
Banda sonora de Ludovic Bource
Publicación 10
de octubre de 2011
Grabación 2011
Género(s) Música
clásica
Duración 77:39
Discográfica Sony
Classical Records
La música de la película fue compuesta por Ludovic
Bource, y producida en Bélgica. Fue grabada por la Filarmónica de
Bruselas, y conducida por Ernst Van Tiel. La grabación tuvo lugar durante seis
días en abril de 2011 en Bruselas, en el Flagey's Studio 4 de la ciudad.
La banda sonora fue publicada el 21 de octubre de 2011
por Sony Classical Records.17 Sólo una canción con letra es utilizada en la
banda sonora. El tema se llama "Pennies from Heaven", y está
interpretado por Rose Murphy, quien no aparece acreditada. La canción fue
escrita en 1936, aunque la trama del filme transcurre entre 1927 y 1932. La
escena anterior a la final, una de las más dramáticas de la película, utiliza
la melodía "Love Scene", compuesta por Bernard Herrmann para la
película de 1958, Vertigo de Alfred Hitchcock.
Análisis
Michel Hazanavicius cita varias fuentes de inspiración
para su realización en Amanecer y City Girl de F.W. Murnau, Cuatro hijos de
John Ford, Y el mundo marcha de King Vidor y Garras humanas de Tod Browning.
Pero las películas de los años 1940 y 1950, como
Sunset Boulevard de Billy Wilder y Cantando bajo la lluvia por Stanley Donen y
Gene Kelly, también han influido en su evocación de la transición del mudo al
sonoro y su tragicómica representación de un Hollywood desaparecido.
La historia, que evoca el destino de una estrella
femenina en ascenso, y actor conocido en decadencia, es una aparente referencia
a la película de Ha nacido una estrella de William A. Wellman. Antes las
posibles fuentes de influencia, los críticos han señalado también la verdadera
historia de John Gilbert, que tiene similitudes con el escenario de El artista.
En la década de los 1920, la estrella estadounidense John Gilbert vivió la
difícil transición del cine mudo al sonoro. Estaba en un conflicto abierto con
el productor Louis B. Mayer, que trató de romper su carrera. Sin embargo,
recibió una segunda oportunidad gracias a Greta Garbo, una superestrella sueca
que logró la transición a las películas sonoras. Recomendó a Gilbert, quien
había estado muy cerca, y lo impuso en la Metro-Goldwyn -Meyer
como protagonista para la película La reina Cristina de Suecia, en 1933.
La película también abunda con referencias a las
películas de Hollywood —sobre todo a la edad de oro del cine clásico. La
secuencia de harina entre George Valentin y su esposa, donde el aburrimiento es
cada vez más embarazoso, se refieren al proceso similar al usado por Orson Welles
en Ciudadano Kane. En El artista, el afiche de la película El ángel de la
guarda, en la que Miller interpreta a Peppy, sugiere un trabajo de 1928: El
ángel de la calle de Frank Borzage. En cuanto a la escena de la camisa prestada
por los Peppy en el vestuario de George Valentin, recordó un gesto similar de
Janet Gaynor en otra película de Borzage: El séptimo cielo.
La escena final del baile de claqué, coreografiado por
Fabien Ruiz, es una cita explícita de los musicales de 1932, en un estilo
diferente al que va a crear Fred Astaire, en 1933.
Recepción
Estreno
La película se estrenó el 15 de mayo en competición en
el Festival de Cannes 2011. Fue inicialmente anunciado estar fuera de la
competencia, pero fue movido a la competición una semana antes que el festival
abra. El estreno regular en Francia fue el 12 de octubre de 2011 a través de Warner
Bros. Francia. The Weinstein Company compró los derechos distribución para los
Estados Unidos y Australia, y Entertainment Film Distributors compró la
distribución en Reino Unido. La película fue estrenada en los Estados Unidos el
23 de noviembre de 2011.
Seguido a sus premios en los Premios Globo de Oro de
2011, Warner Bros. reestrenó la película en Francia en 362 cines el 25 de enero
de 2012. También fue reestrenado en Bélgica el 22 de febrero de 2012.
Taquilla
Hasta el 4 de abril de 2012, El artista recaudó
$43,634,885 en América del Norte, junto a $77,151,064 en otros territorios para
un total mundial de $120,785,949.
Critica
El artista fue ampliamente elogiada a nivel mundial.
Rotten Tomatoes reportó que 98% de los críticos entregaron a El artista una
reseña positiva basada en 198 reseñas, con una calificación promedia del 8 de
agosto de 2010, convirtiendo a la película en un "Certified Fresh" en
el sistema de calificación del sitio web. En Metacritic, que asigna una media
ponderada sobre 100 para las reseñas de los críticos de corriente principal, la
película recibió una calificación de 89, basada en 41 reseñas, que indica
«aclamación universal».
Mark Adams de Screen Daily llamó la película «un
deleite real» e «impulsando una progresión elegante de las interpretaciones
exquisitas de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, es la más improbable de las
películas de buen sentimiento». Sin embargo, él añadió: "La película se
siente un poco lenta a través del final del primer tercio cuando la música es
un poco repetitiva y los intertítulos son poco frecuentes, pero Hazanavicius
maneja para entregar a la película una sensación real de encanto y calidez, y
los aficionados de la película competirían para indicar referencias visuales y
musicales». Peter Bradshaw, del diario británico The Guardian, expresó: «El
artista tiene algo que el público anhela tanto en los festivales como en los
multicines: una historia realmente buena».
Geoffrey McNab en The Independent llamó a la película
«una ovación segura y un pieza magnífica de cinematografía» en su reseña con 5
estrellas entregadas del Festival de Cannes. Rick Groen de The Globe and Mail
evaluó El artista con elogios, notando que la película «usa tecnología vieja
para efectos increíbles e ilustrar la conquista insistente de una nueva
tecnología». Sukanya Verma de Rediff.com sintió que El artista es una película
extremadamente rebuscada y es un clásico instantáneo. David Thomson de The New
Republic llamó a El artista un «entretenimiento ingenioso y consumado», y llegó
a escribir: «Si Hazanavicius puede hacer más cosas tan elegantes y
conmovedoras, sin el truco de silencio, aún sin verse (y oído). Mientras tanto,
hay que felicitar por motivos de único placer. Quizás haga mucho más en el
camino de la recompensa». Roger Ebert de Chicago Sun-Times le entregó la
calificación más alta, 4 estrellas, diciendo: «Esta es una de las películas más
entretenidas en muchas lunas, una película que encanta por su historia, sus
actuaciones y por la forma astuta que juega con su silencio y blanco y negro».
Peter Travers, de Rolling Stone, la calificó con un
puntaje de 3,5 sobre 4, y, nombrándola una de las mejores películas del año, comentó:
«Encapsula todo lo que nos hace ir a ver las películas: acción, risas,
lágrimas, y una oportunidad de perderse en otro mundo». Richard Corliss, de
Time, también la consideró una de las mejores películas del año diciendo: «Ésta
es una película tan seductora, que hará que te quedes... mudo».
Negativamente, Jaime N. Christley de Slant Magazine
entregó a la película 1.5 sobre 4 estrellas, explicando que Michael
Hazanavicius ignora «todo lo que es fascinante y memorable sobre la era,
enfocándose en remiendos de conocimiento general, tan erosionados de hechos
inconvenientes que, incluso, no califican una novela en clave». America
Magazine discutió que mientras Jean Dujardin lleva la película, la actuación de
Bejo fue decepcionante.
Controversia de Kim Novak
El 9 de enero de 2012, la actriz Kim Novak declaró que
la «violación» ha sido cometido en respuesta a la banda sonora de Ludovic
Bource, que incorpora una porción de la banda sonora de Bernard Herrmann de la
película Vértigo (1958) de Alfred Hitchcock —en donde Novak ha protagonizado.
En el artículo publicado por Variety, ella declarado que «Me sentí como si mi
cuerpo —o, al menos, mi cuerpo de trabajo— fuese violado en la película». «Esta
película debería haber sido capaz de sostenerse por sí mismo, sin depender en
la banda sonora de Bernard Herrmann de Vertigo de Alfred Hitchcock para
proporcionar más drama», ella continuó. «Está moralmente mal para la habilidad
artística de nuestra industria usar y abusar piezas famosas de trabajo para
llamar la atención y el aplauso de más que lo que estaban destinados». Y
finalizó: «Me avergüenzan».
En respuesta, el director Hazanavicius lanzó una
declaración:
«El artista fue hecha como un carta de amor al cine, y
creció fuera de mi —y de todos los de mi elenco y la tripulación— admiración y
respeto para las películas de la historia. Estuvo inspirada en trabajos de
Hitchcock, Lang, Ford, Lubitsch, Murnau y Wilder. Me encanta Bernard Herrmann,
y su música fue usada en muchas películas diferentes y estoy muy contento de tenerla
en el mío. Respeto mucho a Kim Novak, y lamento mucho si ella no está de
acuerdo».
Hazanavicius también hablo con CNN: «Use música de
otra película, pero no es ilegal. Pagué por eso, consultamos por eso y tenemos
el permiso para hacerlo. Para mí, no hay una real controversia... Me siento
lástima por ella, pero hay un montó de película con música de otras películas,
directores hacen eso todo el tiempo y no estoy seguro de que es un gran
problema».
En mayo de 2011, cuando la película fue mostrada por
primera vez en el Festival de Cannes, Todd McCarthy de The Hollywood Reporter
mencionó el uso de la música de Herrmann: «Hazanavicius y Bource eligieron
atrevidamente emplear explícitamente la canción de amor de Bernard Herrman de
Vértigo, que es dramáticamente efectiva en su propio estado, pero es tan bien
conocida que te tira fuera de una película y te ubica en el modo de pensar de
otra. Sin duda, una especie de equivalente reelaborado habría sido una mejor
idea».
Premios
Óscar (2011) Mejor
película Ganadora
Mejor director Michel
Hazanavicius Ganador
Mejor actor Jean
Dujardin Ganador
Mejor actriz de reparto Bérénice Bejo Candidata
Mejor guion original Michel
Hazanavicius Candidato
Mejor fotografía Guillaume
Schiffman Candidato
Mejor montaje Anne-Sophie
Bion
Michel Hazanavicius Candidatos
Mejor dirección artística Laurence Bennett
Robert Gould Candidatos
Mejor banda sonora Ludovic
Bource Ganador
Mejor diseño de vestuario Mark Bridghes Ganador
Globos de Oro (2011) Mejor
película cómica o musical Ganadora
Mejor director Michel
Hazanavicius Candidato
Mejor actor en comedia o musical Jean Dujardin Ganador
Mejor actriz de reparto Bérénice Bejo Candidata
Mejor guion Michel
Hazanavicius Candidato
Mejor banda sonora Ludovic
Bource Ganador
BAFTA (2011) Mejor
película Ganadora
Mejor director Michel
Hazanavicius Ganador
Mejor actor Jean
Dujardin Ganador
Mejor actriz Bérénice
Bejo Candidata
Mejor guion original Michel
Hazanavicius Ganador
Mejor fotografía Guillaume
Schiffman Ganador
Mejor montaje Anne-Sophie
Bion
Michel Hazanavicius Candidatos
Mejor diseño de producción Laurence Bennett
Robert Gould Candidatos
Mejor música original Ludovic
Bource Ganador
Mejor diseño de vestuario Mark Bridghes Ganador
Mejor maquillaje y peluquería Julie Hewett
Cydney Cornell Candidatos
Mejor sonido Nadine
Muse
Gérard Lamps
Michael Krikorian Candidatos
Sindicato de Actores (2011) Mejor reparto Candidato
Mejor actor Jean
Dujardin Ganador
Mejor actriz de reparto Bérénice Bejo Candidata
Goya (2011) Mejor
película europea Ganadora
El ángel exterminador es una película de Luis Buñuel
producida en México por Gustavo Alatriste e interpretada por Silvia Pinal
(esposa del productor), Enrique Rambal y Claudio Brook, aunque se trata de una
obra coral. Fue realizada tras el éxito internacional de Viridiana, también
producida por Gustavo Alatriste e interpretada por Silvia Pinal.
Sinopsis
Un grupo de burgueses de la ciudad de México es
invitado a una cena en la mansión de los Nóbile después de asistir a la ópera.
Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten deseos de abandonar la mansión
y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden
salir de la habitación por una razón que desconocen, aunque no hay aparentemente
nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida
escasean, los personajes enferman y la basura se acumula. A partir de ese
momento, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo
y los burgueses se comportan como auténticos salvajes.
Comentario
Lo que interesaba a Buñuel de este asunto es la
posibilidad de hacer una película de catástrofe, de naufragio, como el evocado
por La balsa de la Medusa
de Gericault, solo que en un lujoso interior burgués, con el comportamiento
refinado de la aristocracia llevado a sus más humillantes límites de
degradación. Pero también lo inexplicable de la desgracia, la lucha contra un
impedimento desconocido y azaroso.
Se han propuesto explicaciones religiosas o marxistas
de esta película, pero en el caso de Buñuel, nunca crea mediante las figuras de
la alegoría o la metáfora, sino en todo caso parte de la greguería de Ramón
Gómez de la Serna ,
Del ultraísmo o Del surrealismo, los cuales rechazan de plano interpretaciones
alegóricas. Lo que sí que vemos es la degradación del comportamiento humano
ante situaciones límite, incluso en la clase social en que presuntamente las
normas de cortesía son más cultivadas.
Pero hay que tener en cuenta también el humor y el
esperpento. Así, cuando por fin pueden salir tras haber curiosamente conseguido
estar todos y cada uno en la misma exacta postura en que comenzó la trágica
encerrona y tocar la misma sonata de Paradisi que se interpretó en la recepción
primera, van todos exultantes a una misa de Te Deum y, al finalizar el rito, de
nuevo la inexplicable situación de que no pueden salir de la iglesia. Pero
ahora ya no son una decena, sino centenas quienes están atrapados, y como antes
Buñuel les permitió que llegaran corderos que, sacrificados, fueron sabroso
ternasco a su hambruna, ahora, y en el plano final, vemos zigzaguear en su
auxilio a todo un rebaño ovino, mientras que la policía reprime a balazos unas
manifestaciones de protesta que casualmente están sucediendo en el exterior, y
la banda sonora emite campanadas, balazos y esquilas sobre la impresión de la
palabra «fin».
El director usó en esta película sistemáticamente las
repeticiones de secuencias, aunque no idénticas. A pesar de que en muchas
ediciones se han cortado creyendo erróneamente que constituían defectos de
montaje, estas son plenamente conscientes. Nada más comenzar la película vemos
a todos los invitados que vienen de la ópera entrar en la mansión de Nóbile. Y
entran dos veces. Pero con sutiles diferencias. En una secuencia el punto de
vista de la cámara en el plano en que atraviesan la puerta de entrada es en un
acentuado picado y en otra, en claro contrapicado. Del mismo modo vemos a las
criadas, que, a la vez van saliendo de la casa, sin ningún motivo aparente,
salir dos veces y esconderse de nuevo en sendas ocasiones al ver la llegada de
los burgueses a la cena; el brindis es propuesto dos veces por el anfitrión...
más de una decena de estas repeticiones, que dan un ritmo extraño y poético al
film, podrían contarse.
En cuanto a los detalles de los diálogos, ha de
tenerse en cuenta que es una película ideada enteramente por Buñuel, aunque
colaboraba siempre con un guionista «escritor». Por ello, está el film trufado
de bromas privadas y recuerdos de juventud, sueños de la etapa surrealista y
chistes habituales de sus conversaciones. Se permitió incluir uno de los gags
de su etapa de Hollywood, escrito en mayo de 1944 (y registrado por Buñuel en la Screen Writers
Guild con el número 30.454 en fecha de 14 de noviembre de 1945) con destino a
una película de Robert Florey titulada The beast with five fingers (1947).
Premios
Esta película recibió el Premio Fipresci de la crítica
internacional y premio de la
Sociedad de Escritores del Cine en Cannes de 1962.
Curiosidades
Tras el éxito en Cannes de Viridiana, a Buñuel se le
permitió volver a rodar una película con entera libertad, aunque no con todos
los medios económicos que hubiera deseado. Y todo ello porque El ángel
exterminador es un retrato de la alta burguesía, y Buñuel se quejó en sus
memorias de lo parco que hubo de ser en cuanto a diseño de producción en esta
película en particular:
A veces he lamentado haber rodado en México El ángel
exterminador. Lo imaginaba más bien en París o en Londres, con actores europeos
y un cierto lujo en el vestuario y los accesorios. En México, pese a mis
esfuerzos por elegir actores cuyo físico no evocara necesariamente a México,
padecí una cierta pobreza en la mediocre calidad de las servilletas, por
ejemplo: no pude mostrar más que una. Y esa era de la maquilladora, que me la
prestó.Buñuel, Luis (1982). Mi último suspiro. Barcelona: Plaza y Janés.
El título de la película está inspirado en una idea de
José Bergamín. Al principio se iba a titular Los náufragos de la calle
Providencia, pero Bergamín le comentó que quería titular una obra teatral El
ángel exterminador, y Buñuel, entusiasmado, le pidió prestado el título, a lo
que Bergamín respondió que no era suyo, sino de una obra muy antigua, el
Apocalipsis de la Biblia.
Este filme ocupa el lugar decimosexto entre la lista
de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de veinticinco
críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista Somos en
julio de 1994. Además es listada entre las mil mejores películas de todos los
tiempos por el New York Times.
En la película Midnight in Paris (2011) de Woody
Allen, el personaje Gil Pender (Owen Wilson) viaja en el tiempo a la década del
30 y conoce, entre otros, a Luis Buñuel (Adrien de Van). En ese encuentro, Gil
le propone a Buñuel la idea de El ángel exterminador y el propio Buñuel se
muestra sorprendido ante la premisa sin terminar de entenderla.
El Personaje
Joaquin Phoenix (San Juan, Puerto Rico, 28 de octubre
de 1974), anteriormente conocido como Leaf Phoenix, es un actor estadounidense,
nacido en Puerto Rico. Cuenta con tres nominaciones al Óscar, y ha ganado un
Globo de Oro y un Grammy.
Joaquin Rafael Bottom Dunnetz, conocido como Joaquin
Phoenix, nació en San Juan (Puerto Rico) el 28 de octubre de 1974 en una
familia de artistas conocida principalmente por su hermano, River Phoenix.
Es el tercero de cinco hermanos: River (23 de agosto
de 1970 en Metolius, Oregón), Rain (31 de marzo de 1973) y sus hermanas menores
Liberty (5 de julio de 1976 en Caracas, Venezuela) y Summer (10 de diciembre de
1978 en Winter Park, Florida).
Su padre, John Bottom, de origen irlandés-español,
nació el 14 de junio de 1947,y murió el 2 de febrero de 2010 en Fontana,
California, y su madre Arlyn Sharon Dunetz, nacida en el Bronx, Nueva York, el
31 de diciembre de 1944, de familia con tradición estrictamente judía. Se casaron
el 13 de septiembre de 1969, en una ceremonia improvisada, y tiempo después se
unieron al culto de Los Niños de Dios y se convirtieron en misioneros, viajando
a través de Sudamérica.
Joaquin, que nació en Puerto Rico, vivió en la
mencionada isla hasta que tuvo tres años. En 1978 deja el culto y regresa a los
Estados Unidos, donde la familia cambia su apellido por Phoenix. John y Arlyn
decidieron animar a sus hijos para que desarrollaran sus instintos creativos.
Debido a que sus hermanos tenían nombres relativos a la naturaleza como “River”
(Río), “Rain” (Lluvia) o “Liberty Butterfly” (Mariposa de la Libertad ), Joaquin
decide cambiar su nombre a “Leaf” (Hoja).
La familia se trasladó a Los Ángeles desde Puerto
Rico. Su madre comenzó a trabajar como secretaria en la NBC y su padre se
convirtió en arquitecto paisajista. Sus padres contrataron a un agente que,
finalmente, introdujo a los hermanos en el mundo de la interpretación.
Los primeros trabajos de Joaquin como actor fueron en
campañas publicitarias y breves apariciones en dos shows de televisión en los
que se presentó con su hermano River: “Seven Brides for Seven Brothers” en 1982
y “Backwards: The Riddle of Dislexia” en 1984. Hizo su gran debut en la
pantalla grande en la película Space Camp, filmada en 1986, y su primer papel
como protagonista llegó gracias al filme Russkies, en 1987.
Pronto se confirmó como una estrella infantil gracias
a Parenthood en 1989, antes de decidir retirarse del mundo de la actuación
durante un breve espacio de tiempo (dos años) y trasladarse a vivir a México y
Cuba con su padre.
Joaquin regresó a la vida pública bajo trágicas
circunstancias, ya que fue la persona que marcó el 911 cuando su hermano River
Phoenix sufrió una sobredosis de drogas a las afueras de un club nocturno de
Hollywood llamado The Viper Room. Tras aquella tragedia, Joaquin era reacio a
volver al mundo de la interpretación, pero finalmente lo hizo gracias a la
insistencia de sus amigos. Fue entonces cuando de nuevo volvió a cambiar su
nombre “Leaf” por Joaquin. Interpretó a un problemático adolescente en la
película de Gus Van Sant: To Die For, interpretación que le valió excelentes
críticas. Después vendría El secreto de los Abbott en la que conocería a Liv
Tyler y con la que iría a vivir como pareja durante cuatro años.
El año 2000 marcaría un antes y un después en su
carrera. Ese año interpretó al emperador Commodus en Gladiador, papel que le
supuso una nominación al Óscar y al Globo de Oro como mejor actor de reparto.
Después vendrían diversas colaboraciones con el director de Sexto sentido, M.
Night Shyamalan, Joaquin participó en Señales junto a Mel Gibson y El bosque,
donde interpretó al gentil Lucius Hunt.
Participó en la película Hotel Rwanda dónde interpreta
a un cámara que filma el genocidio de Rwanda.
En 2005 llegó su papel de una leyenda del country en
la película En la cuerda floja junto a Reese Witherspoon. Joaquin como Johnny
Cash y June Carter, la esposa de éste. Centrada en la vida de una de las
grandes figuras de la música americana, esta película supuso la consagración
del actor como una de las estrellas más prometedoras del mundo cinematográfico.
Ganó el Globo de Oro al mejor actor, además fue nominado al Óscar al mejor
actor principal.
En el año 2007, participa en dos roles estelares
nuevamente para James Gray en "We own the night", película policial
ambientada en los años ochenta y "Reservation Road" bajo las órdenes
de Terry George. En 2008 participa en el rol estelar del film "Two
Lovers", una vez más dirigido por James Gray, papel que le valió críticas
ampliamente positivas.
El 27 de octubre de 2008, Phoenix da un golpe
mediático anunciando su retirada definitiva del cine para dedicarse a la música
como intérprete. Su aspecto físico cambió notablemente, decisión que fue
ampliamente difundida a raíz de una entrevista que ofreció para "The Late
Show" conducido por David Letterman, donde se mostró parco y distante. Un
año después presentó en el Festival de Venecia, junto a Casey Affleck, un falso
documental dirigido por este último sobre este giro en su vida, titulado
"I'm Still Here" y que generó una fuerte reacción en el público.
Phoenix volvió al programa de Letterman donde explicó que la película era una
exploración de las celebridades en los medios y su consumo masivo, una suerte
de deconstrucción de su alter ego en el afán de buscar nuevas formas
expresivas.
La muerte de su hermano River
La noche del 30 de octubre de 1993, Joaquin Phoenix
acudió al club nocturno The Viper Room, el local de moda de aquel entonces,
parte de él propiedad del actor Johnny Depp, junto con sus hermanos Rain y
River y la novia de éste, la actriz Samantha Mathis. Aquella noche, River
esperaba poder tocar con su banda Aleka's Attic pero su amigo Flea, bajista de
los Red Hot Chili Peppers, le dio la mala noticia de que no podrían hacerlo
porque había demasiada gente sobre el escenario.
Aproximadamente a la una de la mañana, River Phoenix
salió del Viper Room, en un estado lamentable. Se desplomó en la vereda de
Sunset Strip y tuvo convulsiones producto de un exceso en la ingesta de alcohol
y estupefacientes. Eran cerca de las 00:45h cuando Joaquin, de 19 años, corrió
a una cabina telefónica a llamar a los servicios médicos de urgencia 911
mientras su hermana Rain trataba de hacerle la reanimación boca a boca. Según
palabras del propio Joaquin, en aquel momento ya no se sabía si respiraba o no.
River fue trasladado en ambulancia acompañado por Flea
(de Red Hot Chili Peppers), llegando al Cedars-Sinai Medical Center sobre las
1:34 con un ataque al corazón. A la 1:51 del 31 de octubre de 1993 River
Phoenix fue declarado muerto.
El 12 de noviembre del mismo año se hacía público el
informe forense, en el que se dejaba al descubierto que River murió víctima de
una sobredosis, después de haber ingerido importantes cantidades de cocaína y
heroína. También se le hallaron restos de marihuana y valium. La noticia causó
una gran conmoción en Hollywood.
Su cuerpo fue incinerado y las cenizas esparcidas en
el rancho de la familia. En su funeral pudo vérsele llevando la camiseta de su
grupo, Aleka's Attic.
Sus padres se divorciaron al poco tiempo del
fallecimiento de River. Su madre Arlyn, al divorciarse, se cambió el nombre a
Heart y se unió a John Robbins, directivo de la NBC , quien renunció a su
fortuna para volverse un promotor de campañas para mejorar el medio ambiente y
promover la paz. Su padre por su parte fue a vivir a Costa Rica y atiende su
propio hotel y restaurante vegetariano. Su hermana menor Summer está casada con
el actor Casey Affleck, hermano de Ben Affleck, vive en Gainesville con su
esposo e hijos. Su hermana Liberty está divorciada y tiene 2 hijos, con los que
vive en Florida. Rain Phoenix, hermana mayor de Joaquin, está divorciada, tiene
un hijo de nombre Jonas y tiene una banda llamada Papercranes.
Activismo social
Al igual que todos sus hermanos, es vegano (filosofía
basada en evitar el sufrimiento y explotación de los animales) y activista por
los derechos de los animales. Fue portavoz de PETA y apoyó causas como la
conservación del ambiente, los derechos de los animales y el veganismo, así
como Amnistía Internacional. También participó como narrador de la cinta
Earthlings o Habitantes de la tierra, un documental que relaciona la
naturaleza, los animales y la humanidad.
En 2005, participó en el documental I'm Still Here
Real, diarios de los jóvenes que sobrevivieron durante el Holocausto. En el año
2007, Joaquin se implicó en la demanda de AFIPA, una asociación francesa para
la protección de los animales demandando al comisario europeo de la materia que
ponga fin a las deplorables condiciones de transporte, comercio y muerte que la
importación y exportación de perros y gatos presenta y ante la cual la Unión Europea no
interviene con ningún tipo de legislación.
Se le ha visto también en labores humanitarias,
protagonizando campañas para Amnistía Internacional, en los últimos tiempos
denunciando la situación en Darfur. Y colaborando en muchos otros proyectos
solidarios: por ejemplo el año pasado participó para el "Aspen filmfest's
summer charity auction" con el fin de recaudar fondos.
Joaquin pertenece desde hace tiempo a la asociación
The Peace Alliance Campaign to Establish, que pide la creación en Estados
Unidos de un departamento de Estado para la Paz. Es miembro de la
junta de directores de El Fondo Lunchbox, organización benéfica que ofrece almuerzos
a niños en edad escolar en África del Sur.
El 21 de enero de 2010 participó en un video con Miley
Cyrus para TWLOHA, una campaña antisuicidio. En abril de 2010 hizo un video
para que las personas tomaran conciencia y no usen accesorios de reptiles. El
video fue transmitido por PETA y YouTube.
Filmografía completa
2013 The Immigrant de Bruno Weiss.
2013 Her de Spike Jonze.
2012 The Master de Paul Thomas Anderson.
Interpretó a: Freddie Quell.
2010 I'm Still Here de Casey Affleck. Falso documental. Se interpretó a sí mismo.
2008 Two Lovers de James Gray. Interpretó a: Leonard Kraditor.
2007 Reservation Road (Un Cruce en el Destino) de
Terry George. Interpretó a: Ethan Learner.
2007 We Own the Night (La Noche es Nuestra) de
James Gray. Interpretó a: Bobby Green.
2005 Walk the line (En la Cuerda Floja ) de James
Mangold. Interpretó
a: Johnny Cash.
2005 Earthlings de Shaun Monson. Documental, es el narrador.
2004 The Village (El Bosque) de M. Night Shyamalan.
Interpretó a: Lucius Hunt.
2004 Ladder 49 (Brigada 49) de Jay Russell. Interpretó a: Jack
Morrison.
2003 Hotel Rwanda (Hotel Ruanda) de Terry
George. Interpretó a: Jack Daglish.
2003 Brother Bear (Hermano Oso) de Aaron
Blaise y Robert Walker. Dobló
el personaje de: Kenai.
2002 It's All About Love (Todo es por Amor) de Thomas
Vinterberg. Interpretó a: John.
2002 Signs (Señales) de M. Night Shyamalan. Interpretó
a: Merrill Hess.
2001 The Yards (La otra Cara del Crimen) de James
Gray. Interpretó a: Willie Gutierrez.
2001 Buffalo soldiers de Gregor Jordan. Interpretó a:
Ray Elwood.
2000 Quills de Philip Kaufman. Interpretó a: el Abbe
du Coulmier.
2000 Gladiator de Ridley Scott. Interpretó a:
Emperador Cómodo.
1998 8mm (Asesinato en 8mm) de Joel Schumacher.
Interpretó a: Max California.
1998 Return to Paradise (Regreso al Paraiso) de Joseph
Ruben. Interpretó a: Lewis McBride.
1998 Clay Pigeons (Demasiado Profundo) de David
Dobkin. Interpretó a: Clay Bidwell.
1997 Inventing the Abbotts (El Secreto de los Abbotts)
de Pat O'Connor. Interpretó a: Doug Holt.
1997 U Turn (Giro al Infierno) de Oliver Stone.
Interpretó a: Toby N. Tucker.
1995 To Die For (Todo por un sueño) de Gus Van Sant.
Interpretó a: Jimmy Emmett.
1989 Parenthood (Dulce Hogar...¡A veces!) de Ron
Howard. Interpretó a: Garry Buckman-Lampkin.
1987 Russkies (Rusos) de Rick Rosenthal. Interpretó a:
Danny.
1986 SpaceCamp (S.O.S.: Equipo Azul) de Harry Winer.
Interpretó a: Max.
Director de Videoclips
"Tired of Being Sorry" para Ringside
"If You Talk Too Much (my head will
explode)" para Peopleinplanes
"Tear You Apart" para She Wants
Revenge
"I'll Stick Around" para Arckid
"In transit" para Albert Hammond Jr.
"Little Lover's So Polite" para
Silversun Pickups. Curiosidad:
uno de los niños que aparece es sobrino del actor.
Productor
Earthlings (2005) Documental (executive
producer)
"4Real" en asociación con la National Geographic y la MTV Canadá
Productores ejecutivos: Joaquin Phoenix, Chris y Laura
Eglefino Lightbown.
4Real City of God (2007)
4Real Ciudad de Dios (2007))
4Real Kenya (2007)
4Real Liberia (2007)
4Real Yawanawa (2007)
4Real Haiti (2007)
We Own the Night (2007) Cine (productor ejecutivo)
Narrador
2010 Documental I'm Still Here: Documental
Experimental acerca de su "vida" donde muestra los excesos y el
desenfreno de "su vida" sin control.
2005 Documental Earthlings sobre el maltrato y
derechos violados a los animales
Premios
Premios oscars
2012 Mejor
actor The Master Candidato
2005 Mejor
actor En la cuerda floja Candidato
2000 Mejor
actor de reparto Gladiator Candidato
Premios Globo de Oro
2013 Mejor
actor - Comedia o musical Her Nominado
2012 Mejor
actor - Drama The Master Candidato
2005 Mejor
actor - Comedia o musical En la
cuerda floja Ganador
2000 Mejor
actor de reparto Gladiator Candidato
Premios BAFTA
2012 Mejor
actor The Master Nominado
2005 Mejor
actor En la cuerda floja Candidato
2000 Mejor
actor de reparto Gladiator Candidato
Premios SAG
2006 Mejor
actor En la cuerda floja Candidato
2000 Mejor
reparto Gladiator Candidato
2000 Mejor
actor de reparto Gladiator Candidato
Premios Satellite
2005 Mejor
actor - Comedia/Musical En la
cuerda floja Candidato
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