Radio Resaca: junio 2014

El Club de los Cinefalos

Estrenos

Título: Amanece en Edimburgo

Título Original: Sunshine on Leith

Género: Comedia, Drama, Musical, Romance

Nacionalidad: Reino Unido

Año: 2013

Director: Dexter Fletcher

Guión: Stephen Greenhorn

Reparto: George MacKay, Antonia Thomas, Jason Flemyng, Peter Mullan, Jane Horrocks, Freya Mavor, Kevin Guthrie, Paul Brannigan, Daniela Nardini, Emma Hartley-Miller, Sara Vickers, Robert Yates, Elaine M. Ellis, Michael Keat, Paul McCole

Sinopsis:

Amanece en Edimburgo es la historia de dos buenos amigos: Davy (George Mackay) y Ally (Kevin Guthrie) quienes vuelven a sus vidas en Edimburgo tras cumplir el servicio en la guerra de Afganistán. Ambos continúan sus relaciones de pareja: Ally con Liz (Freya Mavor) y Davy con Yvonne (Antonia Thomas). Mientras tanto, los padres de Davy, Rab (Peter Mullan) y Jean (Jane Horrocks) están ocupados planeando sus bodas de plata. Todo va bien hasta que una revelación del pasado de Rab amenaza con destruir a la familia y separar a las tres parejas.

Título: El cielo es real

Título Original: Heaven Is for Real

Género: Drama

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Randall Wallace

Guión: Chris Parker, Randall Wallace

Reparto: Greg Kinnear, Kelly Reilly, Thomas Haden Church, Connor Corum, Lane Styles, Margo Martindale, Jacob Vargas, Thanya Romero, Danso Gordon, Rob Moran, Nancy Sorel, Darcy Fehr, Vivian Winther, Pete Hudson, Ursula Clark

Sinopsis:

Colton Burpo tenía cuatro años cuando fue operado de urgencias de apendicitis. Meses más tarde, comenzó a hablar de aquellas breves horas en que se encontró entre la vida y la muerte. En 2003, durante un viaje familiar, Colton empezó a explicar que unos ángeles lo habían visitado en el quirófano. Todd no podía dar crédito a lo que oía, pero lo animó a seguir. El pequeño afirmó entonces que mientras lo operaban vio a sus padres aguardando desconsolados en la sala de espera. Esto no era más que el principio. Durante los años siguientes les fue dando detalles de su breve estancia en el cielo y de las personas que allí conoció, como su bisabuelo Pop, muerto desde hacía más de treinta años, o su hermana, a la que su madre perdió en el segundo mes de embarazo. En la actualidad Colton tiene once años, pero todavía recuerda aquel cielo en el que abundan los colores, las personas y los animales. Su historia nos ofrece un mensaje esperanzador que ha conmovido a millones de lectores en todo el mundo.

Título: La jaula dorada

Título Original: La cage dorée

Género: Comedia

Nacionalidad: Francia

Año: 2013

Director: Rubén Alves

Guión: Rubén Alves

Reparto: Rita Blanco, Joaquim de Almeida, Roland Giraud, Chantal Lauby, Barbara Cabrita, Lannick Gautry, Maria Vieira, Jacqueline Corado, Jean-Pierre Martins, Alex Alves Pereira, Sergio Da Silva, Nicole Croisille, Bertrand Combe, Ludivine de Chasteney, Alexandre Ruscher

Sinopsis:

María y José Ribeiro llevan casi trienta años viviendo en un buen barrio de París, en la planta baja de un elegante edificio. Esta pareja de inmigrantes cae bien a todo el mundo en el barrio: María, una excelente portera y José un encargado de obra sin parangón, se han convertido con el tiempo en personas indispensables en la vida cotidiana de todos los que les rodean. Tan apreciados y tan integrados que el día en que finalmente se les presenta la ocasión de cumplir el deseo con el que durante tanto tiempo han soñado –volver a Portugal en las mejores condiciones– nadie quiere dejar que se vayan. ¿Hasta dónde serán capaces de llegar para retenerlos? Lo que es más: ¿tienen María y José, de verdad, ganas de marcharse de Francia?¿De abandonar su preciosa jaula dorada?

Título: Perdona si te llamo amor

Título Original: Perdona si te llamo amor

Género: Romance

Nacionalidad: España

Año: 2014

Director: Joaquín Llamas

Guión: Fran Araujo, Manuel Burque

Reparto: Jan Cornet, Cristina Brondo, Daniele Liotti, Irene Montalà, Paloma Bloyd, Joel Bosqued, Jordi Rico, Andrea Duro, Àlex Maruny, Pablo Chiapella, Patricia Vico, Oriol Vila, Adrià Collado, Pep Munné, Raquel Dalmases

Sinopsis:

Álex, 37 años, ejecutivo publicitario de éxito, atractivo, inteligente y brillante. Ansía conseguir por fin la estabilidad emocional. Sin embargo, es rechazado por su novia cuando le propone matrimonio. Incapaz de asumir el golpe, parece que su idílica vida comienza a desmoronarse. Precisamente en ese momento irrumpe en su camino sin previo aviso y como un vendaval Niki, estudiante de 17 años, que no sólo consigue seducir y enamorar a Álex, sino dar un giro total a su vida.

Título: Sapos y culebras

Título Original: Sapos y culebras

Género: Drama

Nacionalidad: España

Año: 2013

Director: Francisco Avizanda

Guión: Francisco Avizanda

Reparto: Ariadna Cabrol, Juanma Díez, Itxaso González, Alfonso Torregrosa, Mikel Losada, Jon Ariño, Julio Vélez, Mikel Martinez, Marta Juániz, Leire Olarán, Pablo Ribero, Pako Revueltas, Mikel Martín, Iratxe Hernández, Txema Perez

Sinopsis:

La vida de la joven Rebeca estalla por la ruina paterna. Un botín oculto y unas grabaciones comprometedoras pueden permitirle volver a ser la que fue.

Título: Transcendence

Título Original: Transcendence

Género: Drama, Ciencia-Ficción

Nacionalidad: USA

Año: 2014

Director: Wally Pfister

Guión: Jack Paglen, Alex Paraskevas, Jordan Goldberg

Reparto: Johnny Depp, Morgan Freeman, Kate Mara, Rebecca Hall, Paul Bettany, Cillian Murphy, Clifton Collins Jr.

Sinopsis:

El Dr. Will Caster (Johnny Depp) es el investigador más importante en el campo de la Inteligencia Artificial, trabajando en la creación de una máquina sensitiva que combine la inteligencia colectiva de todo lo conocido con el rango completo de emociones humanas. Sus experimentos altamente controvertidos le han hecho famoso, pero al mismo tiempo le han convertido en el principal objetivo de extremistas anti-tecnológicos que, en su intento de destruir a Will, se convertirán inadvertidamente en los catalizadores de su éxito haciéndole partícipe de su propia trascendencia. Para su mujer Evelyn (Rebecca Hall) y su mejor amigo Max Waters (Paul Bettany), ambos compañeros de investigación, la cuestión no es si pueden hacerlo… sino si deben hacerlo.

Los peores miedos de Evelyn y Max se hacen realidad cuando la sed de conocimiento de Will evoluciona en una omnipresente búsqueda de poder de consecuencias desconocidas. Lo único que se vuelve terroríficamente incuestionable es que puede no haber modo de detenerle.

Título: Yo, Frankenstein

Título Original: I, Frankenstein

Género: Terror, Thriller

Nacionalidad: USA, Australia

Año: 2014

Director: Stuart Beattie

Guión: Stuart Beattie

Reparto: Aaron Eckhart, Bill Nighy, Miranda Otto, Yvonne Strahovski, Jai Courtney, Caitlin Stasey, Aden Young, Kevin Grevioux, Socratis Otto, Deniz Akdeniz, Chris Pang, Virginie Le Brun, Goran D. Kleut, Diezel Ramos, Steve Mouzakis

Sinopsis:

200 años después de su creación, la criatura del Dr. Frankenstein, Adam, sigue vivo. Cuando se encuentra en el centro de una guerra por el destino de la humanidad, Adam descubre que tiene la clave que puede destruir a la raza humana.

Título: Corrupción en el poder

Título Original: Casino Jack

Género: Biopic, Comedia, Drama, Crimen

Nacionalidad: Canadá

Año: 2010

Director: George Hickenlooper

Guión: Norman Snider

Reparto: Kevin Spacey, Ruth Marshall, Graham Greene, Hannah Endicott-Douglas, Barry Pepper, John Robinson, Jason Weinberg, Spencer Garrett, Yok Come Ho, Anna Hardwick, John David Whalen, Matt Gordon, Jeffrey R. Smith, Christian Campbell, Eric Schweig

Sinopsis:

Comedia centrada en el mundo de la política y los lobbies de Washington, inspirada en hechos reales, en la que el ganador de dos Oscar Kevin Spacey da vida a Jack Abramoff, un poderoso y corrupto lobbista republicano que se enriqueció mediante múltiples fraudes y numerosos sobornos que realizó aprovechándose de las tribus de indios a quienes representaba en el Congreso. La película examina un sistema defectuoso y fácilmente corrompido, y muestra que cuando nuestros políticos están a la venta, nuestra democracia es frágil y casi inexistente, y como los intereses de las grandes corporaciones y grupos influyentes tienen prioridad sobre los intereses del pueblo. Sigue siendo el mayor escándalo que ha sacudido Washington, D.C. desde el Watergate.

Título: Mademoiselle C

Título Original: Mademoiselle C

Género: Documental

Nacionalidad: Francia

Año: 2013

Director: Fabien Constant

Guión: Fabien Constant

Reparto: Carine Roitfeld, Anna Wintour, Marion Cotillard, James Franco, Kirsten Dunst, Linda Evangelista, Liv Tyler, Jean Paul Gaultier, Heidi Klum, Beyoncé Knowles, Karl Lagerfeld, Sophia Loren, Jean-Baptiste Mondino, Tom Ford, Mario Sorrenti

Sinopsis:

Un documental único, en Mademoiselle C encontramos grandes nombres del mundo de la moda y el showbusiness Karl Lagerfeld, Kanye West, Riccardo Tisci, Albert Elbaz, Jean-Paul Gaultier, Puff Daddy, Alicia Keys, Cassie, Cate Blanchett, Diane Von Furstenberg, Mario Sorrenti, Natalia Vodianova, Proenza Schouler, Alexander Wang, Anna Wintour, Donatella Versace, Mario Testino, Matthew Avedon, Nick Knight o Tom Ford, por nombrar sólo a algunos.

A modo exclusivo este largometraje ofrece una visión inédita y privilegiada del mundo personal y profesional de un enigmático icono de la moda. La intención del cineasta no es ser demasiado “cool” sino siempre interesante y divertido a la hora de cubrir lo que en el negocio llaman “el anti-número de septiembre”, es decir, “la edición de lanzamiento”, única y exclusiva y sólo para unos poco afortunados, con todo lo que ello representa. Moda, drama, poder y maniquíes, todos ellos se mueven alrededor de la más icónica de las editoras de moda: la más parisina, una Torre Eiffel con tacones de 12 centímetros: la irreverente Mademoiselle C.

Título: New World

Título Original: Sin-se-gae

Género: Crimen, Thriller

Nacionalidad: Corea del Sur

Año: 2013

Director: Park Hoon-Jung

Guión: Park Hoon-Jung

Reparto: Jung-Jae Lee, Min-sik Choi, Jeong-min Hwang, Seong-Woong Park, Ji-hyo Song, Il-hwa Choi, Gwang Jang, Ham Jin-Sung, Jin-Mo Joo, Young-ki Jung, Woo Jung-Kook, Byeong-ok Kim, In-seo Kim, Lee Kyoung-Young, Kyeong-yeong Lee

Sinopsis:

Tras la muerte del jefe del sindicato del crimen más poderoso del país, se desencadena una despiadada guerra por su sucesor, donde los asesinatos y las venganzas sacan a relucir un mundo violento y descarnado. En medio de todo ello se encuentra un detective de policía infiltrado en la organización, que tendrá que agudizar su instinto si quiere sobrevivir al caos que se ha impuesto.

La Pelicula de la Semana

2001: A Space Odyssey (en Hispanoamérica, 2001: Odisea del espacio; en España, 2001: Una odisea del espacio) es una película de culto del género Ciencia Ficción dirigida por Stanley Kubrick y estrenada en 1968 que marcó un hito por su estilo de comunicación visual, sus revolucionarios efectos especiales, su realismo científico y sus proyecciones vanguardistas.

Fue producida por Kubrick para la Metro-Goldwyn-Mayer y contó con Victor Lyndon como productor asociado. El guion fue escrito por el propio Kubrick y por el novelista Arthur C. Clarke, basándose en una novela corta de este último titulada El centinela, escrita en 1948 y publicada originalmente en la revista 10 Historias de Fantasía, en 1951.

Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales acústicas emitidas por un extraño monolito hallado en la Luna y que parece ser obra de una civilización extraterrestre. El reparto está integrado por Keir Dullea como Dave Bowman, Gary Lockwood como Frank Poole, Douglas Rain como la voz de HAL 9000 y William Sylvester como el Dr. Heywood Floyd.

Es una película de ciencia ficción transversal, que aborda temas como la evolución humana, la tecnología, la inteligencia artificial y la vida extraterrestre. Se caracteriza por un notable realismo científico, por sus revolucionarios efectos especiales, sus ambiguas y surrealistas imágenes, el uso del sonido en lugar de las tradicionales técnicas narrativas y el mínimo uso del diálogo. La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss hijo y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, y supervisados por Wally Veevers.

Fue estrenada el 6 de abril de 1968 en el Cinerama Theatre Broadway de la ciudad de Nueva York. En un inicio recibió críticas polarizadas, destacándose sobre todo sus efectos visuales y su abstracción de la trama, lo que los críticos tomaron como uno de los puntos débiles de la película. Pero en la actualidad es una de las películas más aclamadas de la cinematografía norteamericana y mundial, sus avanzados efectos especiales lo hicieron acreedor de un premio Óscar en dicha categoría. En 1991 fue anexada en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos debido a su "significancia cultural o histórica" en la vida norteamericana.

Argumento

La secuencia inicial del filme se inicia con la imagen de la Tierra ascendiendo sobre la Luna, mientras que el Sol asciende a su vez sobre la Tierra, todos en alineación. En este momento comienza a escucharse la composición musical "Así habló Zarathustra" de Richard Strauss, la misma que acompaña, en su mayoría, la primera parte de la película titulada El Amanecer del Hombre.

El amanecer del hombre

Presenta la vida cotidiana de un grupo de primates en una árida sabana donde se les observa ramoneando en busca de alimento y conviviendo aparentemente de forma pacífica. Después uno de los miembros de esta manada es atacado y muerto por un leopardo. Se muestra su disputa con otros grupos de primates por poder beber el agua de una charca y por el espacio vital, pero sin llegar al contacto físico. Se muestra cómo estos primates temen a la oscuridad nocturna y a sus depredadores por lo que descansan con sueño nervioso en el fondo de una pequeña cueva.

En un amanecer, uno de los primates se despierta y encuentra enfrente del refugio un monolito negro, un bloque ortoédrico perfecto de varios metros de altura que provoca la alarma en el grupo y un primer momento de confusión y miedo. Al poco tiempo, se acercan y, confiando prudentemente, llegan incluso a acariciarlo. A la postre, uno de los simios se da cuenta de cómo utilizar un hueso como herramienta y arma al tiempo que se observan flashbacks mentales del monolito, sugiriéndose que este ha motivado ciertos cambios en la conducta de los primates y les ha dado cierto grado de conciencia sobre los recursos disponibles para sobrevivir debido a que ahora los monos son capaces de matar animales y comer carne. A la mañana siguiente le arrebatan el control de la charca a la otra manada, matando en el proceso al líder de la manada rival. Exultante con su triunfo, el primate vencedor lanza su hueso al aire, produciéndose una enorme elipsis temporal en la narración: el hueso que asciende en el aire, pasa a convertirse en un ingenio espacial que surca el espacio entre la Tierra y la Luna en el año 1999 de nuestra era; se lo ha denominado la "elipsis más larga de la historia del cine" de 4 millones de años.

TMA-1 (Anomalía Magnética de Tycho no. 1)

En 1999 el Dr. Heywood Floyd viaja de la Tierra a la Luna, primero en un avión-cohete que lo eleva hasta una estación espacial en órbita. La maniobra de aproximación es una coreografía espacial con la música de "El Danubio Azul" de Johann Strauss (hijo). En la estación espacial la vida se hace en los anillos exteriores circulares, que poseen gravedad debido a la fuerza centrífuga de la rotación del conjunto, mientras que en la parte central, donde está el hangar para las naves, esta rotación no provoca gravedad. Durante su estancia el Dr. Floyd realiza una videoconferencia con su hija en la Tierra y tiene un encuentro con científicos de otros países (incluida la URSS), en el que le preguntan sobre la extraña incomunicación con la base estadounidense de Clavius, y si son ciertos los rumores que apuntan a una epidemia en ella.

Después el Dr. Floyd continúa el viaje a la Luna y, de nuevo, el alunizaje se convierte en una coreografía acompañada de El Danubio Azul.

El cráter Tycho.

Allí, se revela el misterio: el Dr. Floyd ha viajado para hacerse cargo de la investigación del descubrimiento de un monolito negro de perfecta forma ortoédrica (la misma clase de monolito que apareció en la escena inicial) y superficie lisa, que se hallaba enterrado en el Cráter Tycho y que se descubrió durante un análisis magnético de la superficie lunar, por lo que fue bautizado TMA-1 (Tycho Magnetic Anomaly #1 o Anomalía magnética de Tycho número 1). Hasta el momento el monolito se había resistido a cualquier tipo de análisis de su estructura o de sus características y tampoco había demostrado ningún tipo de actividad. Lo que quedaba claro es que se trataba de algo fabricado por una civilización extraterrestre avanzada, que había sido enterrado intencionadamente y que era la primera prueba real de la existencia de vida extraterrestre, por lo que se debía mantener en secreto de momento.

Así, viajan hasta la excavación y bajan a pie hasta el nivel del monolito, maravillándose al ver y tocar algo tan perfecto, plano e insondable. En ese momento está amaneciendo en esa parte de la Luna y el monolito, al recibir el primer rayo de sol desde que fue enterrado, emite una potente señal acústica que deja aturdidos a los presentes.

Misión a Júpiter

En el año 2001 la nave espacial Discovery 1 viaja hacia Júpiter con cinco tripulantes, tres en hibernación, dos despiertos, David Bowman y Frank Poole, y un supercomputador de última generación llamado HAL 9000 que gobierna la nave utilizando inteligencia artificial, lo que le permite comunicarse con los humanos mediante el habla. La vida a bordo es monótona: los tripulantes comen, duermen, hacen algo de ejercicio, juegan al ajedrez con HAL, comunican regularmente como se desenvuelve la misión, mantienen triviales conversaciones personales con sus conocidos de la Tierra (con el retardo de 7 minutos debido a la distancia) y poco más. Nada se dice acerca de la misión, más allá de una exploración del entorno de Júpiter, y no hay ninguna conversación que mencione a TMA-1 o algo relacionado.

Poco antes de llegar al punto de destino HAL 9000 pregunta a David Bowman si no tiene dudas sobre la misión y su secretismo, pero al responder éste negativamente, HAL se autointerrumpe para anunciar un fallo en una unidad de comunicaciones que podría dar lugar a la pérdida de la conexión con la Tierra. David Bowman sale del Discovery en una de las pequeñas naves esféricas con brazos de manipulación y sale de ella en un paseo espacial para reemplazar la unidad teóricamente averiada. Cuando regresa al interior todos los análisis de la unidad son correctos y desde el control de la misión, con un computador gemelo a HAL, tampoco encuentran ningún fallo, lo que pone en entredicho la fiabilidad de HAL 9000.

Bowman y Poole toman precauciones para que HAL no les oiga hablar sobre la posibilidad de desconectar sus funciones superiores, pero HAL consigue enterarse leyendo los labios de los astronautas. HAL vuelve a diagnosticar el fallo futuro de la unidad reemplazada, tomándose la decisión de volver a dejar la original para comprobar si acaba fallando o no, pero a la vez confirmando los problemas de fiabilidad de HAL. En este caso, es Poole el que sale a realizar la sustitución, pero cuando ha salido de la pequeña nave esférica, HAL toma el control de esta y la lanza sobre el astronauta, provocando la despresurización de su traje espacial y enviándolo lejos del Discovery.

Bowman no tiene claro qué ha pasado, HAL parece no saberlo tampoco y Frank no responde, por lo que monta en otra de las pequeñas naves y sale a rescatar a su compañero. Con Bowman fuera, HAL provoca la muerte de los tripulantes hibernados. Bowman consigue llegar hasta Poole, pero ya está muerto, así que lo recoge y regresa al Discovery, pero HAL no le abre el hangar, imposibilitándole entrar y haciéndole notar que sin el casco de su traje espacial la excursión podría ser mortal para él. Decide intentar una maniobra arriesgada que HAL no cree que pueda conseguir: abandona a Frank Poole en el espacio, abre con los brazos articulados de la pequeña nave la puerta exterior de emergencia del Discovery (cuya apertura manual escapa al control de HAL) y coloca la escotilla de su nave orientada hacia ella. Tras ello, activa la voladura de emergencia de su escotilla, siendo lanzado hacia el interior del Discovery, donde consigue presurizar la cámara de acceso.

Ya con casco, para evitar la despresurización provocada por HAL, Bowman va a desconectarlo y durante el recorrido HAL parece querer explicar lo sucedido, disculpándose por todo y pidiendo que no lo desconecte. Consigue entrar en la sala que contiene las funciones principales de HAL y David va extrayendo sus tarjetas de memoria una a una; poco a poco se van desconectando las funciones de HAL, que suplica compasión a David, pero cada vez con más problemas de comunicación hasta que parece retornar a sus funciones primordiales y primeras enseñanzas, tales como una canción (Daisy, Daisy, de Harry Dacre, 1892) y, por fin, se desactiva. Al quedar desconectado HAL, se pone en marcha una grabación que pone al corriente a David Bowman de cual es su verdadera misión: la investigación del origen de la señal emitida por TMA-1 en 1999, en un punto cercano a una de las lunas de Júpiter.

Júpiter y más allá del infinito

Unos meses después, David Bowman llega a los alrededores de Júpiter en el Discovery y sale en una de las naves esféricas a investigar un enorme monolito negro que orbita la luna Ío y que fue el origen de la señal similar a la del TMA-1 en 1999. No parece haber interacción alguna, pero de pronto, al acercarse hacia él considerablemente, David comienza un viaje extraño y alucinante, por unos paisajes psicodélicos de luz y color a gran velocidad, en ocasiones vagamente familiares.

La escena cambia repentinamente y Bowman se encuentra dentro de la pequeña nave pero, a la vez, en el interior de una extraña habitación decorada al estilo Luis XVI. Bowman sale de la nave, intentando entender qué es aquello. Finalmente, en una rápida sucesión, se ve a sí mismo cada vez más viejo hasta acabar moribundo en la cama frente al monolito. Repentinamente, Bowman toma forma de feto dentro de una esfera transparente en la cama de aquella habitación, pasando luego a flotar en el espacio sobre la Tierra en la escena que constituye un apoteósico final que, como al principio, utiliza la música de Así habló Zaratustra de Richard Strauss.

Banda sonora

La banda sonora incluye música de Richard Strauss (la introducción de Así habló Zaratustra), Johann Strauss hijo y György Ligeti que acompañan las imágenes del espacio. Alex North compuso una obra musical para la película, pero Stanley Kubrick no la incluyó, aunque salió a la luz de la mano de Jerry Goldsmith 25 años después. La dirección y diseño de los efectos visuales fueron obra de Kubrick, siendo supervisados por Wally Veevers.

Stanley Kubrick utilizó la música de Ligeti sin solicitar permiso ni abonar derechos de autor, por lo que el compositor debió presentar una denuncia a pesar de la admiración que mostró por la película. Kubrik incluyó en la banda sonora hasta cuatro obras de Ligeti: Réquiem, Lux Aeterna, Atmosphères y Aventures. Es el Réquiem el que acompaña las apariciones del monolito y también es la micropolifonía de Ligeti la que suena durante el abstracto viaje final de David Bowman: con ello Kubrick hace realmente un recorrido por la música del siglo XX que comienza con Zaratustra y culmina con Ligeti, para volver a iniciar el ciclo con los acordes finales de la obra de Strauss.

Significado de 2001: una Odisea del Espacio

La parquedad y concisión de los diálogos ha hecho que muchos espectadores consideren incomprensible y difícil de entender la película de Kubrick. Y sus abundantes elipsis narrativas e incluso visuales producen en ocasiones cierta sensación de incoherencia. Pero esta incomprensibilidad e incoherencia son sólo aparentes. En realidad, toda la película tiene un claro y definido hilo argumental. Así lo demuestran los escritos del propio Arthur C. Clarke o de otros científicos que asesoraron a Kubrick durante la producción de la película, como el astrofísico Carl Sagan.

Aunque la historia narrada en 2001: una Odisea del Espacio se ocupa de diversos temas, la misma se centra sobre todo en dos cuestiones fundamentales: la evolución de la conciencia y el contacto con civilizaciones extraterrestres. Los cuales a su vez se conjugan en un único tema de mayor calado filosófico aún: la especulación sobre hasta qué punto es posible que la evolución de la conciencia humana haya sido un proceso inducido por seres de origen extraterrestre.

Se puede especular que el monolito lunar fue enterrado por viajeros planetarios, con el propósito de indicar a sus constructores cuando los pobladores de la Tierra, muchos millones de años más tarde, han alcanzado un nivel tecnológico que les ha permitido alcanzar su satélite. Por eso cuando es desenterrado, lanza una poderosa señal de radio que los receptores terrestres captan como un pitido insoportable: esta es la señal que se dirige hacia donde está "la puerta de las estrellas", para indicar a quienes dejaron el monolito o "centinela", que un nuevo salto evolutivo se ha producido en esa forma de vida que habita la Tierra.

Cuando el astronauta David Bowman se acerca al punto en cuya dirección fue emitida la señal del monolito lunar, encuentra a otro monolito similar flotando en el espacio, empieza a ponerse de manifiesto el extraño comportamiento del computador HAL 9000, en lo que parece ser una alusión a la posibilidad de que los "centinelas" o monolitos hayan podido afectar incluso a una forma de inteligencia no humana y ni siquiera orgánica. Aquí se plantea de manera embrionaria la problemática ligada al concepto de inteligencia artificial y a la capacidad de esta de desarrollar una conciencia.

Por fin, tras desembarazarse de HAL 9000, David Bowman, el único miembro de la misión que sobrevive, logra, a través de un agujero de gusano que le permite atravesar el espacio a enorme velocidad, entrar en contacto con los "extraterrestres", aunque estos no aparecen representados en la película en ningún momento. Según cuenta Carl Sagan, porque cuando Kubrick preguntó sobre el particular, se le respondió que se desconocía qué forma podría tener un extraterrestre si este existiera; no en vano, Sagan fue uno de los científicos que asesoraron a Kubrick durante el proyecto, como el astrofísico cuenta en su libro La conexión cósmica. Por ello, el único indicio de que se trata de una civilización amigable es que han construido un espacio que creen confortable para un ser humano: un dormitorio de Estilo Luis XVI. Este mismo recurso será empleado por el propio Sagan en su novela Contact, donde los extraterrestres que reciben a los seres humanos adoptan la forma de seres queridos para cada uno de ellos, con la intención de hacerles ese primer contacto interespacial con seres extraterrestres más sencillo.

En el dormitorio de estilo Luis XVI que le ha sido preparado y en presencia de un nuevo monolito, Bowman envejece y muere con aparente rapidez: en realidad, la conciencia del astronauta (de nuevo con el monolito como elemento inductor) sufre otro salto evolutivo: el hombre pasa a un estadio superior de conciencia o inteligencia, se convierte en una nueva especie que supera a la Humanidad, igual que el hombre superó al mono. El nacimiento de esa nueva especie "superhumana" viene representado por el enorme feto que flota en el espacio al lado de la Tierra. De esta manera, la evolución de la conciencia vital ha dado otro paso más, alcanzado unas dimensiones supraterrestres; este nuevo salto evolutivo, este comienzo de otra conciencia superior a la anterior, viene de nuevo indicado por la música de fondo del Así habló Zaratustra de Strauss.

Legado

2001, una Odisea del Espacio inspiró en su momento a miles de personas a seguir carreras científicas afines con la astronaútica, la astronomía y la tecnología de la informática (Inteligencia artificial). Sus efectos especiales y sus vanguardistas elementos tecnológicos fueron un modelo a seguir para las siguientes películas y novelas del género de la ciencia ficción.

Rigor científico

2001 está considerada como una de las películas de ciencia ficción más respetuosas con las leyes de la física jamás rodadas. Escenas como la del acoplamiento de la lanzadera con la estación espacial, la ausencia de sonido en el espacio y otros detalles cuidados, como el diseño de la nave Discovery, marcaron un hito en el género.

Existen sin embargo varios fallos, aunque la mayoría son debidos a las limitaciones técnicas de la época en la elaboración de efectos especiales, así como a carecer de algunos conocimientos de los que se dispondría solo tras la llegada del hombre a la Luna el 20 de julio de 1969, al año siguiente del estreno del film.

El bolígrafo que recoge la azafata durante el tránsito a la estación espacial no gira sobre su centro de gravedad.

La estación espacial cambia el sentido de rotación durante la secuencia del acoplamiento. Este es un error de continuidad más que físico.

El alunizaje de la cápsula en la Luna remueve el polvo, causando turbulencias, lo que no debería ocurrir en un lugar sin atmósfera, a no ser que las causen los gases emitidos por la cápsula durante el frenado.

Cuando el doctor Floyd se dirige de la base Clavius a Tycho a ver el monolito, en la pequeña nave espacial de transporte hay gravedad terrestre. Igualmente, cuando los astronautas caminan por la Luna, la gravedad es terrestre, no lunar.

Asimismo, el relieve de la Luna es exagerado. Pero es necesario recordar que la película se estrenó un año antes de la misión Apolo 11.

Durante la entrevista realizada a medio camino de Júpiter, el entrevistador señala el hecho del retraso de la señal debido a la velocidad de la luz y explica que la entrevista ha sido montada eliminando los tiempos muertos para conveniencia del espectador. Sin embargo, la entrevista abunda en intercambios de breves fórmulas de cortesía que implicarían esperas enormes.

En las escenas lunares, el planeta Tierra cambia de fase constantemente en cortos intervalos de tiempo.

En las primeras escenas de los simios, el Sol aparece al fondo y, sin embargo, las sombras de estos aparecen en sentido contrario.

Curiosidades

Carecía de créditos al inicio de la película, algo absolutamente inusual en la época de su estreno (1968).

Inspiró en 1997 a la banda Radiohead para el video de la canción No Suprisses.

En el principio de la película, "El amanecer del hombre", en un principio no eran monos, sino una especie de "Hombre de Pekín", es decir, un antecesor más cercano al Homo sapiens, así pues, Stuart Freeborn (el maquillador de la película) hizo unos diseños impresionantes de hombres semidesnudos. El problema fue que Kubrick quería que se viesen los actores totalmente desnudos, pero la censura de la MGM no lo permitió, con lo que Freeborn hizo unas prótesis de maquillaje para esas partes sexuales, pero no convencieron a Kubrick. Se pensó en ponerles unos taparrabos, pero quedaba fuera de estilo, así que Kubrick le dijo a Freeborn que volviese a hacer todo el maquillaje basándose en simios.

El primer monolito que aparece es mucho más esbelto que los descritos en la novela, donde las proporciones son 1:4:9, los tres primeros cuadrados perfectos.

Cuando HAL está siendo desconectado, canta la canción "Daisy". "Daisy" fue la primera canción interpretada por una computadora no-mecánica.

En la película Zoolander, cuando Derek y Hansel entran a la oficina de Maury y están intentando encender la computadora, se puede escuchar la banda sonora de 2001: A Space Odyssey, incluso, las actuaciones guardan un gran parecido, ya que Hansel toma un hueso rememorando al simio de la película.

En la película Charlie y la fábrica de Chocolate de Tim Burton, cuando Wonka muestra su sistema de transmisión de chocolate por señales de TV, el chocolate aparece reemplazando al monolito de 2001: A Space Odyssey en la escena de "El amanecer del hombre"; de fondo suena Así habló Zarathustra

En la película de Kubrick La naranja mecánica, cuando Alex, el protagonista, está en una tienda de discos, aparece en el mostrador central dentro de la vidriera la carátula de un LP de 2001.

En la película Clueless, protagonizada por Alicia Silverstone, se puede oír la canción principal de 2001 en la escena en la que suena su teléfono. Éste también tiene un gran parecido a los monolitos.

En las series de televisión Futurama y Los Simpson se suele parodiar esta película. En el capítulo 15 de la temporada 5 de Los Simpson, "Deep Space Homer", se puede observar que casi todo el capítulo es parodia de la película. Y en "Treehouse of Horror XII", cuando la familia decide contratar el "Ultrahogar" la computadora tiene el mismo aspecto que HAL 9000, así como su forma de desconectarlo.

En la serie de Dibujos Animados Llegó el Recreo, de la cadena Disney Channel, aparece una computadora llamada "SAL 9000" que es una clara referencia a esta película.

En la serie de televisión South Park se hace una parodia de "El amanecer del hombre" en el episodio "Bebe's Boobs Destroy Society".

En el anime Neon Genesis Evangelion aparecen doce monolitos que representan a los doce miembros de SEELE, una organización que quiere lograr la evolución de la humanidad.

En el anime Monster Rancher aparece recurrentemente una criatura rectangular llamada Monol, claro homenaje a los monolitos de la obra de Artur C. Clark.

El final de la película es parodiado en un episodio de la tercera temporada de Phineas y Ferb.

El vídeo para la canción "Believe", de Lenny Kravitz, está inspirado en la película.

En la introducción de la serie animada [Isla del Drama] el personaje de Beth gira una batuta de fuego y la lanza al cielo, como claro guiño de ''2001: una odisea del espacio'' también en la secuela [Luz, Drama, Acción] el capítulo 23 se titula ''2008: A Space Owen''

El episodio titulado Uhg (SpongeBob B.C.) de la serie animada Bob Esponja, muestra cómo eran los personajes en la Edad de Piedra. Tal vez la similitud más evidente sea la escena en la que, al tener Bob Esponja una idea sobre cómo utilizar el fuego, suena de fondo Así habló Zarathustra.

El videojuego Spore (2008) recoge una parodia del primer mono aporreando con el hueso. Cuando la criatura de este juego pasa de el "Estadio de Criatura" al "Estadio Tribal" aparece la obra Así habló Zarathustra de Richard Strauss, solo que en este caso, tras lanzar la criatura el palo hacia arriba, es golpeado en la cabeza por él al caer. También se usa un monolito similar al de la película para fomentar la inteligencia en planetas sin vida inteligente.

La saga de videojuegos Dead Space contiene temas relacionados con la película, el personaje principal Isaac Clarke es un homenaje al escritor y guionista de la película Arthur C. Clark. La Efigie que se transforma en el objeto central de la serie es una de construcción de origen extraterrestre similar al monolito de la película pero con una forma parecida a las hélices de ADN, ambos objetos tienen funciones similares.

En la canción Perfect Sense del disco Amused to Death de Roger Waters, la voz que se escucha al inicio es la de la computadora HAL al ser desconectada por David Bowman.

En el año 2000 Chasis (discoteca) publicó un disco llamado "2001: una odisea musical" en cuya portada aparecía una representación animada de "El amanecer del hombre"

Existen versiones que sostienen que la palabra HAL fue derivada intencionalmente, mediante un corrimiento hacia atrás en el abecedario, del nombre IBM, sin embargo todo parece indicar que la palabra es un acrónimo en inglés de Heuristically programmed ALgorithmic computer (Computador algorítmico heurísticamente programado).

En la versión alterna del video You Only Live Once, de la banda The Strokes, se puede ver una referencia a esta película.

En el episodio segundo de la Séptima temporada de Doctor Who (Dinosaurios en una nave espacial), los robots guardianes de Solomon cantan la canción "Daisy Bell" al ser desconectados.

La discoteca de la película Saturday Night Fever se llama 2001 Odyssey.

En la película Turner & Hooch - Socios y sabuesos, se puede ver una referencia a la película, particularmente con la mítica escena del hueso en vuelo, en la escena en que el detective Turner interpretado por Tom Hanks es abordado por el perro Hooch y vuela el pastelillo por el aire.

En la película "WALL-E" (2008) hay tributo a 2001: A Space Odyssey, debido al gran parentesco de las naves y personajes, como pueden ser EVE (que tanto el nombre como la apariencia es igual), el piloto AUTO del AXIOM es parecido a HAL 9000, la nave principal y los efectos espaciales usados para mostrar el espacio. También podría tomarse como un tributo la ausencia total de diálogos hasta después de la media hora de película.

La película de animación 3D argentina, Metegol, inicia con una alegoría a la primera parte de 2001: Odisea al espacio: muestra a dos monos peleándose por un cráneo en un juego muy parecido al fútbol; la escena termina con el cráneo lanzado al aire y convirtiéndose en una pelota de fútbol de nuestros tiempos.

En la película Good bye, Lenin (2003), las referencias a la astronomía y los viajes espaciales son recurrentes. Y, en concreto, el personaje Denis sueña con convertise en director de cine siendo '2001' su película favorita. Incluso hay una escena donde le muestra al protagonista una parodia de la misma.

Cómic

2001 la odisea del espacio (8 números, lejos del argumento de la película) Jack Kirby Editorial Bruguera, 1978.

Premios

Óscar

1968 Mejor director Stanley Kubrick Candidato

1968 Mejor guion original Stanley Kubrick

Arthur C. Clarke Candidatos

1968 Mejor dirección artística Anthony Masters

Harry Lange

Ernest Archer Candidatos

1968 Mejores efectos visuales Stanley Kubrick Ganador

Premios BAFTA

Mejor película Candidata

Mejor director Stanley Kubrick Candidato

Mejor fotografía Geoffrey Unsworth Ganador

Mejor sonido Winston Ryder Ganador

Mejor diseño de producción Tony Masters

Harry Lange Ernie Archer Ganadores

Premios Hugo

Premios Hugo: Mejor representación dramática.

Pelicula Freak

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, (en España, ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú; en Hispanoamérica, Dr. Insólito o: Cómo aprendí a dejar de preocuparme y amar la bomba) es una película angloamericana de 1964 del género de comedia, de humor negro, producida y dirigida por Stanley Kubrick.

Con guion, de Terry Southern y Kubrick, está basado en la novela de Peter George, Red Alert, Dr. Strangelove cuenta con la actuación estelar del comediante Peter Sellers, quien interpreta tres papeles distintos.

Como muchas otras cintas de esa época, la película fue filmada en blanco y negro, con abundantes escenas en penumbras, aspecto que enfatiza el característico humor negro de Kubrick.

Argumento

El general de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Jack D. Ripper (Sterling Hayden; nombre que se pronuncia Jack The Ripper, Jack el Destripador), planea dar comienzo a una guerra nuclear con la Unión Soviética con el objetivo de impedir lo que considera una conspiración comunista para fluorizar el agua, contaminando así los "preciosos fluidos corporales" de los estadounidenses. Da la orden, sin la autorización del presidente Merkin Muffley (Peter Sellers), a su escuadra nuclear de combate, de bombardear sus respectivos objetivos dentro de la Unión Soviética, con la esperanza de que el presidente ordene un ataque a gran escala al no encontrar otra opción. El general Ripper desconoce, sin embargo, que los soviéticos cuentan con un "Dispositivo del Fin del Mundo", el cual se activaría automáticamente en caso de detectar un ataque nuclear sobre territorio de la Unión Soviética, destruyendo toda vida sobre la faz de la Tierra por contaminación radiactiva.

El Dr. Strangelove (Peter Sellers), ex científico nazi y asesor del presidente, explica al personal congregado en el salón de guerra del Pentágono cómo el dispositivo es una extensión natural de la estrategia de la Guerra Fría de la destrucción mutua asegurada, que opera como disuasor a un intercambio nuclear real. Es más, la máquina no puede desconectarse, pues esto disminuiría su valor como disuasor.

El plan de ataque enviado por el general Ripper estipula que los aviones de la escuadra no deberán obedecer a ninguna comunicación, a menos que ésta cuente con un código secreto prefijado, conocido únicamente por el general, evitando así que otra autoridad aborte el ataque.

Como resultado, el gobierno estadounidense coopera con los soviéticos para detectar y derribar sus propios aviones, a menos que pudieran contactar con ellos y regresaran. La base aérea dirigida por el general Ripper es atacada por tropas del Ejército de los Estados Unidos y éste ordena defenderse, disparando personalmente una ametralladora contra los atacantes. Finalmente la base es capturada y el general Ripper se suicida tras la rendición de sus fuerzas.

El plan de Ripper es frustrado por el capitán de la Real Fuerza Aérea (RAF) Lionel Mandrake (Peter Sellers), un funcionario militar que participa en un "programa de intercambio" con la Fuerza Aérea estadounidense, que deduce el código secreto de unos bocetos infantiles escritos por el general Ripper. El código secreto prefijado es enviado a los bombarderos y éstos inician la retirada.

Desgraciadamente, uno de los B-52 ("La Colonia del Leproso") no puede comunicarse por radio, al haberlo dañado un misil soviético, y continúa su misión para dejar caer la bomba nuclear en su blanco. En el momento del bombardeo, la puerta del depósito de las bombas no funciona y queda bloqueada. Al intentar soltarla manualmente, el piloto del B-52, el mayor T.J. "King" Kong (Slim Pickens), logra repararla montado en una de ellas, llevando puesto su sombrero de ala grande. La puerta se abre y el mayor cae, montado sobre la bomba, iniciando así la destrucción global. Coge la bomba con una mano y ondea su sombrero vaquero en el aire, a modo de homenaje a la técnica de rodeo de caballos.

El Dispositivo del Fin del Mundo se activa y en los últimos momentos de la Humanidad, el Dr. Strangelove recomienda al presidente Muffley, que un grupo de humanos se oculte profundamente en un pozo de mina de más de 1.000m, donde la radiactividad nuclear no pueda alcanzarlos y para poder repoblar la Tierra. El general Turgidson comienza a delirar, pensando en superar a los soviéticos en la ampliación de minas, planificando una futura guerra de más de 100 años, cuando la radiación se haya disipado. El Dr. Strangelove se levanta de su silla de ruedas anunciando que tiene un plan, y cuando cae en la cuenta de que puede caminar, grita "¡Mein Führer, puedo caminar!" sólo un segundo antes de que las bombas del juicio final empiecen a detonar, terminando en el fin de la Humanidad.

Reparto

Los roles que desempeñó Peter Sellers:

Capitán Lionel Mandrake

Presidente Merkin Muffley

Dr. Strangelove

George C. Scott interpretó al general 'Buck' Turgidson.

Slim Pickens interpretó al mayor T. J. "King" Kong.

La estrella de la película es Peter Sellers, que interpretó a tres personajes: al capitán de aviación de la Royal Air Force, Lionel Mandrake, al presidente de los Estados Unidos, Merkin Muffley, y al Dr. Strangelove, asesor (ex nazi) del presidente (véase Operación Paperclip).

Sellers sería también quien protagonizaría el papel del piloto del bombardero, el mayor T. J. Kong, pero por un accidente durante la filmación debió abandonar el papel. El mayor Kong fue protagonizado por el actor Slim Pickens.

Otras apariciones importantes fueron la de George C. Scott como el general Buck Turgidson y James Earl Jones debutando en cine como el teniente Lothar Zogg.

Peter Sellers - Capitán Lionel Mandrake, Presidente Merkin Muffley, Dr. Strangelove

George C. Scott - General 'Buck' Turgidson

Sterling Hayden - General Jack D. Ripper

Keenan Wynn - Coronel 'Bat' Guano

Slim Pickens - Mayor T. J. 'King' Kong

Peter Bull - Alexi de Sadesky (Embajador de Rusia)

James Earl Jones - Teniente Lothar Zogg

Tracy Reed - Señorita Scott

Jack Creley - Señor Staines

Frank Berry - Teniente H. R. Dietrich

Robert O´Neil - Funcionario de Gobierno Randolph

Glenn Beck - Teniente W. D. Kivel

Roy Stephens - Frank

Shanne Rimmer - Capitán G. A. 'Ace' Owens

Hal Galili - Miembro del Depto de defensa

Paul Tamarin - Teniente B. Goldberg

Laurence Herder - Miembro del Dpto. de Defensa

Gordon Tanner - General Faceman

John McCarthy - Miembro del Dpto. de Defensa

Premios

Premios Óscar Mejor película Nominada

Mejor director Stanley Kubrick Nominado

Mejor actor Peter Sellers Nominado

Mejor guion adaptado Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George Nominados

Premios BAFTA

Mejor película Ganadora

Mejor película británica Ganadora

UN Award2 Ganadora

Mejor actor Peter Sellers Nominado

Mejor actor de reparto Sterling Hayden Nominado

Mejor guion adaptado Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George Nominados

Mejor diseño de producción - Blanco y negro Ken Adam Ganador

Premios del Sindicato de Directores

Mejor director Stanley Kubrick Nominado

Premios Hugo

Mejor representación dramática Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George Ganadores

Writers Guild of America

Mejor comedia americana Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George Ganadores

New York Film Critics Circle Awards

Mejor película Nominada 2º lugar

Mejor director Stanley Kubrick Ganador

Mejor guion Stanley Kubrick, Terry Southern, Peter George Nominados 2º lugar

National Film Registry Ganadora

Nastro d'argento

Mejor director extranjero Stanley Kubrick Ganador

Premio Bodil

Mejor película europea Ganadora

El Personaje

Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928 – Saint Albans, Hertfordshire, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos como uno de los más influyentes cineastas del siglo XX. Destacó tanto por su precisión técnica como por la gran estilización de sus cintas y su marcado simbolismo. Realizó trece películas, entre las cuales se encuentran varios clásicos del cine, como Paths of Glory, Spartacus, Lolita, Dr. Strangelove, 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shinning o Full Metal Jacket

Biografía

Sus primeros años

Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia judía de clase media-alta. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001: una odisea en el espacio, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en algunas de sus películas, como Atraco Perfecto o 2001: una odisea en el espacio.

Durante su juventud, Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York; también a malas películas que le impulsaron a superarlas con creces. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951, sobre la base de un trabajo fotográfico, hecho por él mismo para Look, acerca del boxeador Walter Cartier; lo financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló. El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería Los marineros (The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine.

Su primer largometraje, y su primer aprendizaje formal con una cámara, fue Miedo y deseo (Fear and Desire) (1953), que financió con 13.000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre, y se exhibió en circuitos de salas de arte, pues era un experimento de calidad. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

La película tuvo escaso éxito, y perdió dinero. Ocurrió otro tanto con su siguiente trabajo, Killer's Kiss (1955), cuyo presupuesto ascendió a 40.000 dólares y pedió la mitad del presupuesto (con el tiempo se lo devolvería a familiares y amigos que le ayudaron); es una notable película de suspenso sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En el film aparece, en el papel de la bailarina hermana de la protagonista, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, y no cobró nada. Hizo de operador, montador, ayudante de montaje, técnico de efectos especiales, además de director, y el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

Primera etapa: 1956-1960

Kubrick y Harris se asociaron en una productora y de su unión surgió Atraco Perfecto (The Killing), de 1956, su primer gran film, con un presupuesto de 320.000 dólares y un reparto de importantes actores de Hollywood, protagonizado por Sterling Hayden. Partiendo de una novela de Lionel White, y sobre un guion de Jim Thompson, Kubrick relató la historia del atraco a un hipódromo. La utilización del tiempo cinematográfico hecha por Kubrick supuso una innovación para la época. En la película se empiezan a sentar las bases del pensamiento del director: la lucha de un antihéroe en su enfrentamiento con el mundo, y su conflictivo final.

Atraco Perfecto atrajo las miradas de algunos personajes de Hollywood como Dore Schary, el jefe de producción de MGM. Entre ellos también se encontraba Kirk Douglas, que firmó con Harris-Kubrick un contrato para cinco películas. La primera de ellas sería Senderos de gloria (Paths of Glory) (1957), basada en una novela de Humphrey Cobb, que interpretaría el propio Douglas haciendo el papel del coronel Dax, encargado de defender a sus soldados, acusados de cobardía ante el enemigo, en el marco de la guerra de trincheras de la Primera Guerra Mundial. Y también sería la primera polémica de Kubrick, aunque no la última. El mensaje antibelicista de la cinta hizo que en Francia, a cuyo ejército pertenecían los protagonistas, estuviera prohibida durante décadas. La película fue rodada en los estudios Geiselgasteig en Múnich, Alemania. En el rodaje de la película conocería a Christiane Susanne Harlan, que en los créditos aparece como Susanne Christian, que se convertiría en su tercera y última mujer.

Tras Senderos de gloria, Kubrick estuvo trabajando junto a Marlon Brando en la preproducción de One-Eyed Jacks (1961), aunque tras varios meses sería despedido por desavenencias con el actor, quien terminó dirigiendo la película.

Consolidación: 1960-1968

En esta situación lo encontró de nuevo Douglas, que buscaba un director para sustituir a Anthony Mann al frente de Spartacus, de 1960. Kubrick aceptó, sabiendo que una película de tan alto presupuesto podía suponer un empujón a su carrera como director. Aunque apenas tuvo oportunidad de intervenir en el guion (como había hecho antes y haría después en todas sus películas), la película supuso el fin de las listas negras (debido al estratégico interés de Douglas de reducir el sueldo del guionista Dalton Trumbo, a cambio de colocar su nombre real en los créditos). La película ganó otros tres premios de la Academia y fue un éxito comercial. La carrera de Kubrick estaba definitivamente lanzada.

Kubrick y Harris lograron rescindir el contrato que les unía con Douglas por otras tres películas. Las aspiraciones artísticas y comerciales de Kubrick le llevaron a hacer Lolita (1962): fue su siguiente trabajo. Tras arduas negociaciones, convenció a Vladimir Nabokov no sólo para que aceptase vender los derechos de su novela, sino para que fuese él mismo quien adaptase el guion, aunque posteriormente Kubrick solo conservó una parte de su trabajo. La película estuvo envuelta en escándalo por adaptar una historia tan controvertida para los estándares de la época, ya que narra la historia de la seducción de una menor de edad por parte de un hombre maduro, y de ahí que dirigentes conservadores exhortaran a no ver la película. Esta película cuenta la historia de Humbert Humbert, un soltero de mediana edad interpretado por James Mason que se enamora de Lolita, una púber de catorce años (interpretada por Sue Lyon, de dieciséis, a quién Kubrick vio en The Loretta Young Show), y que para conseguirla está dispuesto a casarse con la madre de la menor. El actor Peter Sellers termina de componer el reparto como el multifacético Clare Quilty. La película no solo se centra en la relación entre Humbert y Lolita sino que posee efectivas dosis de humor, aspecto del film soportado por el oficio de Sellers que fue animado por el director a improvisar. Kubrick nuevamente trabajó a partir de una narración no lineal, cosa que no ocurría en el libro, con el fin de darle más suspenso a la trama. Kubrick sustituyó la simple lujuria y deseo que el profesor sentía por Lolita en la novela de Nabokov, por amor, evitando así la menor injerencia posible de la censura. El presupuesto fue de 2 millones de dólares y logró obtener buenas ganancias. Debido a aspectos financieros y legales, así como por temas de la misma censura, el rodaje se realizó en los estudios ABPC en Inglaterra, donde Kubrick finalmente se estableció definitivamente, en la localidad de Hertfordshire. A pesar de vivir y trabajar en Inglaterra, al inicio por problemas coyunturales, nunca se sintió un expatriado; las circunstancias le retuvieron allí, y volvía varias veces al año a los Estados Unidos, casi siempre en barco.

Tras el éxito de Lolita, se permitió afrontar proyectos más arriesgados. Se separó de su socio y amigo Harris para producir su nueva película en solitario. Así que, en medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick comenzaría a rodar Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb, en 1964. El título en español para esta película fue Dr. Insólito con el que fue conocido en el mundo hispanoparlante excepto en España, donde se dobló con el título de ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú.

Basada en la novela de Peter George, Red Alert, que era un relato no cómico, pero que lo viró Kubrick para conseguir verosimilitud. Aunque en un principio pretendía abordar de manera directa la novela sobre la guerra fría y la posibilidad de un conflicto atómico, a medida que se iba documentando encontraba aspectos cada vez más hilarantes y esperpénticos sobre la estrategia nuclear de ambos bloques, de forma que decidió realizar una comedia de humor negro en función a las parte más ligeras del libro. El actor británico Peter Sellers, sería el encargado de dar vida a tres personajes de la cinta, por presión de Columbia, ya que lo consideraban responsable del éxito de Lolita; completando el reparto Sterling Hayden, George C. Scott y Slim Pickens. El guion de Terry Southern, el propio Peter George y Kubrick está lleno de gags y alusiones sexuales, y narra cómo un acceso de locura del general Ripper, interpretado por Hayden que ordena a varios bombarderos intercontinentales estadounidenses B-52 atacar su objetivos en suelo ruso con armas nucleares, provoca que se haga realidad la tan temida Destrucción mutua asegurada, mientras el jefe Lionel Mandrake (Sellers) busca hacerlo desistir. Por otro lado el presidente Merkin Muffley y el Sr. Strangelove (Sellers en ambos casos) debaten con el mayor Buck Turgidson (Scott) sobre una eventual solución al problema. Dentro de un B-52, el mayor T. J. King Kong (Pickens) aún no sale de su asombro junto con su tripulación por la misión encargada. Kubrick contrató al decorador Ken Adam para llevar a cabo los ambiciosos escenarios, muy adelantados a la época (la sala de guerra, La base militar, y el interior del bombardero) en los estudios ingleses de Shepperton, empleando de manera novedosa la iluminación natural para darle mayor realismo a la puesta en escena. La película encontró a un Kubrick plenamente instalado en la campiña inglesa haciendo gala de su obsesión por el detalle en función a los recursos que tenía a su alcance. Un ejemplo de esto es la escenografía que recrea el interior B-52. La fuerza aérea estadounidense no quiso colaborar con el director y éste tuvo que, en función de una fotografía en una revista especializada, y los controles de un B-29, reconstruir el tablero de instrumentos del avión con enorme realismo enfatizando el ambiente claustrofóbico de la nave. La música original es encargada a Laurie Johnson, pero dos melodías tienen especial relevancia, sentando las bases del uso que después Kubrick le daría a la música en sus cintas: Try a Little Tenderness en versión instrumental en los créditos iniciales acompañando las imágenes de los aviones acoplados para cargar combustible y el tema de Vera Lynn We'll Meet Again, sugerido por Sellers, en la escena final. En ambos casos los temas contrapesan la fuerza de las imágenes.

Obras célebres: 1968 - 1980

En 1968 Kubrick alcanzaría la cumbre de su carrera con 2001: una odisea en el espacio (2001: A Space Odyssey. La película no solo buscó elevar el estatus de un género menor en aquel momento, la ciencia ficción, que se limitaba a alienígenas antropomórficos y platillos volantes, sino además narrar una audaz parábola sobre la evolución del hombre: una elipse de 4 millones de años.

La película se construye sobre la base de un relato corto de Arthur C. Clarke, The Sentinel, que Kubrick leyó en 1964 y en ese año junto con Clarke, empezó a construir el guion inicial de la película que protagonizaron Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester y Douglas Rain como la voz del computador HAL 9000. En 1966 Kubrick ya había filmado todas las escenas con actores en los estudios Shepperton en Inglaterra. En 1968 se concluyeron los efectos especiales. El presupuesto inicial de 5,5 millones de dólares subió hasta los 10 millones. Pero fue en la sala de edición donde Kubrick estableció los mayores cambios entre esta película y sus predecesoras: sólo contiene 40 minutos de diálogo para un metraje de 141 minutos, además de ser la primera película del director sin narración alguna. Con unos efectos especiales sin precedentes (diseñados por el mismo Kubrick y ejecutados y supervisados por Douglas Trumbull), y una confianza ciega en sí mismo, Kubrick realizaría finalmente una de las películas más complejas, vanguardistas y arriesgadas de la historia del cine. La historia empieza con un grupo de homínidos en su lucha por la subsistencia y su encuentro con un monolito, y luego se traslada al futuro, millones de años adelante, donde un hombre, ya evolucionado a homo sapiens, explora el sistema solar en una nave controlada por un computador omnipresente. Kubrick toca diversos temas en la cinta (la inteligencia, la soledad, la muerte, la evolución, la inmortalidad, la auto reflexión, la inteligencia artificial...) que hacen del trabajo un motivo continuo de reflexión, manteniéndola vigente a la postre. Sus efectos especiales y la recreación del viaje espacial siguen siendo apreciados por su fidelidad técnica, estableciendo un antes y un después en la innovación tecnológica de los efectos y del género en sí mismo. Otro aspecto notable es la música, apartado donde Kubrick también ha aportado mucho. Descartó la banda sonora que originalmente había compuesto Alex North, quien se había encargado de la música en Spartacus, usando las composiciones clásicas que empleó en la sala de edición. Entre las partituras utilizadas, además de Richard Strauss o Aram Jachaturián, Kubrick empleó ampliamente la música vanguardista del compositor rumano, György Ligeti, impulsando enormemente su fama a nivel mundial. Con esta película Kubrick ganó su único Óscar a título personal (por el diseño de efectos especiales) y varios Premios BAFTA, entre otros.

La historia de Napoleón, proyecto en la que pensaba recrear la vida y las batallas más importantes libradas por el dirigente francés, fue un sueño largamente ansiado por Kubrick, quien desarrolló una investigación de pre-producción enorme a finales de los años sesenta, que finalmente no se concretó debido a sus descomunales costos: necesitaba 40.000 soldados cercano a una ciudad, para alojar a 50.000 personas, un lugar adecuado como campo de batalla. Sin embargo leyó centenas de libros y preparó los planos minuciosamente. Le atraían tanto su épica como su vida sexual, que fue "digna de Arthur Schnitzler".

Durante aquellos años, Kubrick recibió un obsequió de Terry Southern: la novela A clockwork orange de Anthony Burgess. Kubrick leyó el libro de un tirón y pensó en Malcolm McDowell para interpretar el papel de Alex, a quién el director comparaba con Ricardo III. La historia narra a modo de sátira las correrías de Alex, un joven violento cuyas distracciones son la violación, la ultraviolencia y Beethoven como rezaba la promoción de la película. Los "Droogs", el film retoma el lenguaje empleado en el libro que usó variantes del ruso con el inglés de la calle llamado Nadsat, causan destrozos, actos de violencia y delitos sexuales. Pero las cosas se saldrán de control y se pondrá en práctica el proceso Ludovico para buscar corregir la conducta del joven Alex. El director buscó localizaciones en Inglaterra mediante revistas de arquitectura contemporánea y solo construyó tres sets en los estudios Borehamwood: el bar Korova, la prisión y el baño en la casa del escritor. La naranja mecánica presenta algunas innovaciones en el aspecto técnico como el empleo de lentes más rápidas, cámaras ligeras de mano y los micrófonos Sennheiser Mk. que permitieron no tener que volver a grabar diálogo alguno tomado de la escena en vivo, así como el uso de nuevos equipos de iluminación como los reflectores de cuarzo Lowell de 1000 vatios, que le permitió a Kubrick girar la cámara en cualquier dirección sin preocuparse por capturar algún equipo luminotécnico en la habitación. La escena de la mujer y los gatos es un buen ejemplo.

La música fue nuevamente otro elemento destacable, por su carácter avant garde en el uso de la electrónica para adecuar las melodías a las escenas por parte del músico Wendy Carlos, quién recrea mediante sintetizadores la marcha fúnebre de Henry Purcell en la obertura de la película junto con la imagen de los actores, conformando una escena de carácter hipnótico y atmosférico. También se utiliza la Sinfonía N° 9 (Scherzo) de Ludwig van Beethoven como fondo para la danza de las estatuillas abrazadas de Jesucristo y la Obertura de Guillermo Tell de Gioachino Rossini para la orgía en el cuarto de Alex pero acelerada electrónicamente. Incluso se afirma que Kubrick contactó con la banda de rock progresivo Pink Floyd para utilizar pasajes del tema Atom Heart Mother, pero finalmente no llegaron a un acuerdo.

Estrenada en Estados Unidos en 1971 y en Inglaterra en 1972, la película despertó una controversia nunca antes vista en el Reino Unido para un film, en torno al contenido de la misma y sus repercusiones en los espectadores; dividió a los críticos, generó debates públicos en la prensa escrita, la televisión y la radio como lo analiza Christian Bugge en The Clockwork Orange Controversy. A todo esto se sumó el hecho de que los delitos cometidos, incluso un asesinato, en aquella época, con mucha atención otorgada por parte de la prensa inglesa, por jóvenes que aparentemente replicaban escenas de la película o en algún caso vestían trajes similares a los protagonistas. Esto aumentó la presión en el debate y llevó a Kubrick, quién según diversas fuentes estaba sumamente preocupado, a presionar a Warner Bros., su nueva distribuidora, a cancelar cualquier exhibición pública de la película en 1973 en cualquier sala del Reino Unido. Esto duró hasta el año 2000. La película obtuvo 7 Premios BAFTA incluyendo mejor película, 2 Premios Globo de oro, 4 nominaciones a los Premios Óscar, 2 Director Guild of America, entre otros.

Quizá el logro más importante que obtuvo Kubrick con esta cinta fue asegurar formalmente por parte de Warner Bros., a través de un lucrativo contrato, el control total sobre sus cintas, a nivel técnico y sobre todo artístico, incluso de distribución. El éxito en taquilla del film que sobre una inversión de 2 millones de dólares pudo ganar 40 millones le permitió al director sustentar su contrato. Kubrick recibía además cerca del 40% de los beneficios, para lo cual creó una base de datos de salas donde este tipo de películas de autor tenían mejores opciones comerciales.

El trabajo de preproducción que había hecho para Napoleón le ayudó a establecer las bases de su siguiente producción, Barry Lyndon. Estuvo basada en la novela victoriana de William Makepeace Thackeray publicada en 1884 como The Luck of Barry Lyndon, que narra la historia de la ascensión y caída de un muchacho en la Europa del siglo XVIII, y fue protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson en 1975. Nuevamente el extremo cuidado por el detalle de Kubrick se hace manifiesto en el proceso de la película usando libros de arte y documentos de la época para buscar localizaciones, crear objetos, coches y el vestuario que fue confeccionado usando como modelo ropa de aquel siglo, siguiendo las técnicas de costura que se emplearon originalmente y contratando a 35 sastres que trabajaron durante 6 meses. Ante la insistencia del director, los interiores se rodaron exclusivamente con la luz de las velas, gracias a unos objetivos especiales de la casa Carl Zeiss (apertura máxima de f/0,7) que había comprado a un contacto suyo y cuyo diseño fue inicialmente realizado para la NASA. Según la actriz Marisa Berenson, los actores, en algunas tomas de acercamiento, casi no se podían mover para no salir de foco. Las técnicas de emulsión y revelado actual hicieron obsoleta esta tecnología. La película fue filmada en Irlanda y en Inglaterra. En el primero Kubrick recibió algunas amenazas por parte del grupo terrorista IRA debido a que los extras representaban a soldados ondeando la bandera británica sobre suelo irlandés.

La música que se empleó fue el resultado de la recopilación de todas las grabaciones conteniendo composiciones del siglo XVIII que Kubrick consiguió. Pero al ver que el carácter de la misma era mayormente festiva recurrió también a Franz Schubert y su Piano Trio In E-Flat, compuesto en 1828 y adicionalmente agregó score grabado por Leonard Rosenman para suplir el pedido del director. Precedida de gran expectación debido a sus dos títulos anteriores y su efecto en el público, la película fue recibida con críticas mixtas a mediados de los setentas, y falló en la recaudación de taquilla inicial a pesar de los 4 premios Óscar que obtuvo en 1975. Desde entonces la película ha ganado estatura dentro del legado del director por sus logros técnicos y artísticos.

La novela del escritor multi-ventas de finales de los años setenta Stephen King y un género con buen tirón en aquel momento, el terror, motivaron a Kubrick por su siguiente película. A partir de la novela The Shining del escritor estadounidense reescribió el guion junto a Diane Johnson, y el resultado fue The Shining (1980). La versión de Kubrick es una variación sobre la versión del libro, especialmente en el carácter del protagonista y sus motivaciones. La película, filmada en los estudios Elstree en Borehamwood para los interiores haciendo tomas exteriores del Timberline Lodge, en Portland, Oregón, para recrear el Overlook Hotel, muestra la transformación del personaje de Jack Torrance (interpretado por el oscarizado Jack Nicholson), que cuida el hotel durante los intermedios de temporada, presentándolo como un ser temperamental y con una progresiva perturbación que afecta finalmente la seguridad de su propia familia. Kubrick hizo uso extensivo de una innovación reciente, el Steadicam, un giroscopio estabilizador que permitía a la cámara desplazarse a través del espacio sin vibraciones, lo cual le permite filmar de manera efectiva al hijo de Torrance, interpretado por Danny Lloyd, sobre su triciclo de plástico a través de los corredores del hotel o a Nicholson caminando por el laberinto del jardín. La música nuevamente recae en manos de Walter Carlos, ahora Wendy Carlos, quién modifica nuevamente a través de la electrónica música original; una adaptación del compositor Hector Berlioz, del tema medieval Dies Irae. Otros compositores cuyas piezas son utilizadas son György Ligeti, Béla Bártok, Krzysztof Penderecki y temas de bandas pertenecientes al primer cuarto del siglo XX. La película obtuvo buena respuesta del público y taquilla, pero la crítica volvió a dividirse en torno este trabajo del director estadounidense. A juicio del autor de la novela, Stephen King, quién inicialmente estuvo halagado con la idea de la adaptación por parte de Kubrick, el filme no profundiza en el verdadero tema de la novela que incluso posee tintes autobiográficos. Este primero hace una nueva adaptación para la televisión de su libro, en 1997. La hija de Kubrick, Vivian, realiza un documental sobre la filmación de la película en 1980.

Etapa final: 1987 - 1999

Tienen que transcurrir siete años hasta que aparezca su siguiente película, Full Metal Jacket, en 1987, donde vuelve a tocar el tema bélico, esta vez la Guerra de Vietnam y nuevamente es un adaptación de una novela. En este caso es Gustav Hasford y su libro The Short-Timers. La película tiene dos partes claramente diferenciadas: la preparación de los soldados en la base de Marines de Parris Island en Carolina del Sur, Estados Unidos y la guerra en sí, ubicada en la ciudad vietnamita de Huế. Durante el rodaje Kubrick reescribía el guion sobre la marcha, modificando las escenas originales. La película se rodó entre 1985 y 1986 en Inglaterra, en la base del ejército británico en Bassingbourne, los estudios en Enfield, y el gasífero de Beckton, al este de Londres, cuyo proceso de demolición fue utilizado para recrear la ciudad modernista de Huế, hasta donde se llevaron 66 palmeras. La película es protagonizada por Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, Adam Baldwin y Lee Ermey. La música fue escrita por Abigail Mead, un alias que utilizó Vivian Kubrick, empleando un sintetizador. Para las canciones, Kubrick recurre a las listas de éxitos del periodo 1962 – 1968, incluyendo éxitos de Johnny Wright, The Rolling Stones, Nancy Sinatra, The Trashmen, entre otros. A pesar de que el filme se estrenó poco después del hit Platoon (1986) de Oliver Stone, obtuvo buenas críticas y buena taquilla durante su exhibición.

Tras esta película Kubrick comenzó a evaluar nuevos proyectos. En primer lugar, Inteligencia Artificial, la historia de un niño robot abandonado por su madre. Kubrick siempre había querido adaptar el relato de Brian W. Aldiss, pero no fue hasta que vio Parque Jurásico (1993), del director estadounidense Steven Spielberg, que supo que la tecnología necesaria para filmar la película estaba por fin a su alcance. También estaba interesado en The aryan papers, una película sobre dos refugiados judíos durante la persecución nazi que iba a ser protagonizada por Jodie Foster y Joseph Mazzello, el niño de Parque jurásico. Sin embargo, el mismo Spielberg se adelantaría con el filme La lista de Schindler (1993), debido fundamentalmente a la dificultad que supuso para Kubrick el encaje cinematográfico del Holocausto judío, según su propio criterio. La semejanza de la película de Spielberg con su propio proyecto y problemas de diversa índole le harían desistir.

Finalmente Kubrick realizó Eyes Wide Shut (1999), basada en la novela Traumnovelle (Relato soñado), de Arthur Schnitzler, que había elogiado años antes. La historia original está situada en la Viena del siglo XIX pero la película se ubica en la Nueva York de finales de siglo XX, narrando la vida una pareja de neoyorquinos de clase alta que viven aparentemente una feliz vida en común, pero que los sueños y fantasías sexuales manifestados en un momento de intimidad empiezan a desestabilizar su relación. La película contó con una pareja en la vida real de las estrellas de Hollywood de aquel momento, Tom Cruise y Nicole Kidman, como los Harford, contando con Sydney Pollack y Marie Richardson como roles secundarios.

La película, como en sus anteriores filmes desde Lolita, fue filmada en Inglaterra incluso en las tomas exteriores, con sólo algunas tomas generales hechas en Nueva York. El trabajo final es un despliegue del habitual virtuosismo de Kubrick para filmar y componer, jugando intensamente con los colores y la luz, especialmente la artificial para reforzar ciertas sensaciones, llegando incluso a forzar el revelado de las cintas para darle a la imagen el aura buscada. El score fue muy variado compuesto para la ocasión por Jocelyn Pook incluyendo al mismo trabajos de György Ligeti, Franz Liszt, Chris Isaak o Dmitri Shostakóvich. Después de casi 12 años, Kubrick volvía con una película, generando una fuerte expectación en el público, en parte por los rumores que circularon en la prensa sobre su hábitos de vida, especialmente su misantropía, lo cual fue desmentido por el director en sendas entrevistas durante su vida. La película nuevamente generó una cierta polémica, en torno a la censura que recibió la cinta en la versión para los Estados Unidos donde digitalmente se taparon las zonas genitales a ciertos actores extras durante una orgía, por lo demás bastante pudorosa para ser tal. El film, de gran calidad narrativa, fue recibido con cierta tibieza por parte de un sector de la crítica en un inicio, y con entusiasmo por otros sectores, especialmente la crítica francesa que incluso le dio el premio a la mejor película extranjera del año. El presupuesto del filme ascendió a 65 millones de dólares.

Días después de acabar de montar la película, a los 70 años, Stanley Kubrick moría en la cama de su residencia de Hertfordshire, al sureste de Inglaterra, de un ataque al corazón. Su muerte congregó gran interés por parte de la prensa mundial debido a la enorme fama y reputación tanto profesional como el mito personal que ganó durante sus años de vida.

Algunos de sus trabajos fílmicos fueron lanzados en formato VHS, y posteriormente toda su obra ha sido remasterizada en formato digital DVD y Blu-Ray. Existen también sendos trabajos biográficos y de análisis de su obra y álbumes fotográficos, convirtiéndolo en uno de los directores cinematográficos más reseñados en la actualidad.

Legado

La influencia de Kubrick en el cine contemporáneo es enorme y difícil de definir en su real dimensión. No sólo por la gran cantidad de libros dedicados a su persona y a su trabajo, las compilaciones que lo sitúan entre los más importantes de la historia, así como documentales televisivos sobre su vida y ensayos publicados en diversos medios de comunicación, sino también por los logros fílmicos que alcanzó en vida y el aporte que realizó al statu quo de rol del director dentro la industria cinematográfica.

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando ésta se aplicaba mayormente en el campo experimental.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. Él busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa.

Filmografia

Año Película Director Productor Guionista Otros Notas

1951 Day of the Fight Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Él mismo (cameo sin acreditar), director de fotografía, editor (sin acreditar); sonido (sin acreditar).

Flying Padre Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director de fotografía; escritor (sin acreditar).

1953 Fear and Desire Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director de fotografía y editor; sonido (sin acreditar).

The Seafarers Sí Sí Sí Sí Director de fotografía, editor y sonido.

1955 Killer's Kiss Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Historia, director de fotografía y editor.

1956 The Killing Sí Sí Sí Sí Productor (sin acreditar).

1957 Paths of Glory Sí Sí Sí Sí Productor ejecutivo (sin acreditar).

1960 Spartacus Sí Sí

1962 Lolita Sí Sí Sin acreditar como guionista y productor.

1964 Dr. Strangelove Sí Sí Sí Sí Sí Sí

1968 2001: A Space Odyssey Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Director y diseñador de efectos visuales.

1971 A Clockwork Orange Sí Sí Sí Sí Sí Sí Operador adicional de cámara (sin acreditar).

1975 Barry Lyndon Sí Sí Sí Sí Sí Sí

1980 The Shining Sí Sí Sí Sí Sí Sí

1987 Full Metal Jacket Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Sí Murphy (Voz) (cameo sin acreditar).

1999 Eyes Wide Shut Sí Sí Sí Sí Sí Sí Operador adicional de cámara (sin acreditar).

Otras

Stanley Kubrick contribuye como asesor de iluminación en la película The Spy Who Loved Me a petición de Ken Adam, diseñador de producción de la cinta.

En el año 2001, Steven Spielberg dirige Inteligencia Artificial y realiza una dedicatoria a Kubrick, quien fuese su colega y amigo. La película originalmente seria dirigida por Stanley Kubrick, quien además intervino en el desarrollo de la historia, aunque debido a su muerte en 1999 no lo consigue.

Año Película Director Productor Guionista Otros Notas

1977 The Spy Who Loved Me Sí Sí Asesor de Iluminación (sin acreditar). El diseñador de producción Ken Adam solicitó el asesoramiento de Kubrick en la iluminación de 007 Stage. Kubrick aceptó con la condición de que su participación se mantuviera en secreto, lo que se cumplió mientras estuvo vivo (Kubrick muere en 1999)27

2001 Inteligencia Artificial Sí Sí Concepto (sin acreditar) y dedicatoria. Originalmente Kubrick intentó dirigir la película. Después de su muerte el proyecto cobró impulso y fue Steven Spielberg quien la dirigió y escribió el guion basado en una historia de 90 páginas escrita por Ian Watson bajo la supervisión de Kubrick.

Clasificación[editar]

Se pueden apreciar en la obra de Kubrick dos etapas bien diferenciadas, dejando aparte, como él mismo quiso, sus trabajos tempranos (Flying Padre, Day of the Fight, The Seafarers y Fear and Desire).

La Primera Etapa, denominada, según el criterio: "Etapa Clásica", "Período en Blanco y Negro" o "Etapa de Juventud", incluye Killer's Kiss, The Killing, Paths of Glory, Spartacus, Lolita y Dr. Strangelove.

La Segunda Etapa, denominada "Etapa Renovadora", "Período en Color" o "Etapa de madurez", incluye 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, Barry Lyndon, The Shining, Full Metal Jacket y Eyes Wide Shut.

Las etapas se distinguen observando su estructura dramática (más tradicional en su primera etapa y experimental e innovadora en su segunda etapa) o la coloración del metraje (pero, a modo de excepción, Spartacus -de su primera etapa- está en color, aunque no por decisión de Kubrick).

Así, tras el salto temporal de unos cuatro años que separa Dr. Strangelove de 2001, se aprecia un gran cambio en el planteamiento de su obra, si bien permanecen ciertos paralelismos argumentales (la sexualidad en Lolita y Eyes Wide Shut, la dureza de la guerra en Paths of Glory y Full Metal Jacket, la ascensión social con el fracaso final en Spartacus y Barry Lyndon,...)

Recepción y crítica

Película Rotten Tomatoes Metacritic IMDb

Todas Top

Fear and Desire 90%28 35%28 - 5.629

Killer's Kiss 82%30 58%30 - 6.731

The Killing 97%32 90%32 - 8.133

Paths of Glory 93%34 94%34 - 8.535

Spartacus 96%36 79%36 - 8.037

Lolita 98%38 81%38 - 7.739

Dr. Strangelove 100%40 94%40 9641 8.642

2001: A Space Odyssey 96%43 86%43 8644 8.345

A Clockwork Orange 89%46 92%46 7847 8.448

Barry Lyndon 94%49 90%49 - 8.150

The Shining 90%51 91%51 6152 8.553

Full Metal Jacket 97%54 93%54 7855 8.456

Eyes Wide Shut 77%57 66%57 6858 7.259

Media 92% 80% 78 7.8

Premios

Premios Óscar

1987 Óscar al mejor guion adaptado Full Metal Jacket Nominado

1975 Óscar a la mejor película Barry Lyndon Nominado

1975 Óscar al mejor director Barry Lyndon Nominado

1975 Óscar al mejor guion adaptado Barry Lyndon Nominado

1971 Óscar a la mejor película A Clockwork Orange Nominado

1971 Óscar al mejor director A Clockwork Orange Nominado

1971 Óscar al mejor guion adaptado A Clockwork Orange Nominado

1968 Óscar al mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado

1968 Óscar al mejor guion original 2001: A Space Odyssey Nominado

1968 Óscar a los mejores efectos visuales 2001: A Space Odyssey Ganador

1964 Óscar a la mejor película Dr. Strangelove Nominado

1964 Óscar al mejor director Dr. Strangelove Nominado

1964 Óscar al mejor guion adaptado Dr. Strangelove Nominado

Premios Globo de Oro

1975 Mejor película - Drama Barry Lyndon Nominado

1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado

1971 Mejor película - Drama A Clockwork Orange Nominado

1971 Mejor director A Clockwork Orange Nominado

1962 Mejor director Lolita Nominado

1961 Mejor película - Drama Spartacus Ganador

1961 Mejor director Spartacus Nominado

Premios BAFTA

2000 BAFTA Honorífico Ganador

1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado

1975 Mejor director Barry Lyndon Ganador

1971 Mejor película A Clockwork Orange Nominado

1971 Mejor director A Clockwork Orange Nominado

1971 Mejor guion adaptado A Clockwork Orange Nominado

1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado

1964 Mejor película Dr. Strangelove Ganador

1964 Mejor película de cualquier fuente Dr. Strangelove Ganador

1964 Mejor guión británico Dr. Strangelove Nominado

1961 Mejor película de cualquier fuente Spartacus Nominado

1957 Mejor película de cualquier fuente Paths of Glory Nominado

1956 Mejor película de cualquier fuente The Killing Nominado

Premios Saturn

Año Categoría Película Resultado

1980 Mejor director The Shining Nominado

1980 Mejor película de terror The Shining Nominado

Premios Razzie

1980 Peor director The Shining Nominado

Premios César

2000 Mejor película extranjera Eyes Wide Shut Nominado

1977 Mejor película extranjera Barry Lyndon Nominado

Premio Bodil

2000 Mejor película norteamericana Eyes Wide Shut Nominado

1964 Mejor película norteamericana Dr. Strangelove Ganador

Premio David de Donatello

1988 Mejor producción extranjera Full Metal Jacket Ganador

1988 Luchino Visconti Ganador

1988 Mejor película extranjera Full Metal Jacket Nominado

1988 Mejor director extranjero Full Metal Jacket Nominado

1977 Premio David Europeo Barry Lyndon Ganador

1969 Mejor producción extranjera 2001: A Space Odyssey Ganador

Festival Internacional de Cine de Moscú

1968 Mejor película 2001: A Space Odyssey Nominado

1968 Mejor director 2001: A Space Odyssey Nominado

Festival de Venecia

1999 Premio Bastone Bianco Eyes Wide Shut Ganador

1997 León de Oro Honorífico Ganador

1962 León de oro Lolita Nominado

Chicago Film Critics Association

Año Categoría Película Resultado

2000 Mejor película Eyes Wide Shut Nominado

2000 Mejor director Eyes Wide Shut Nominado

2000 Mejor fotografía Eyes Wide Shut Nominado

New York Film Critics Circle

1975 Mejor película Barry Lyndon Nominado

1975 Mejor director Barry Lyndon Nominado

1971 Mejor película A Clockwork Orange Ganador

1971 Mejor director A Clockwork Orange Ganador

1964 Mejor película Dr. Strangelove Nominado

1964 Mejor director Dr. Strangelove Ganador

1964 Mejor guión Dr. Strangelove Nominado

Otros reconocimientos y galardones

Año Categoría Premio Película Resultado

2000 Lifetime Achievement Award Directors Guild of Great Britain Por su trayectoria Ganador

2000 Critics Award French Syndicate of Cinema Critics Por su trayectoria Ganador

1997 D.W. Griffith Lifetime Achievement Award Directors Guild of America Awards Por su trayectoria Ganador

1975 Mejor director National Board of Review Barry Lyndon Ganador

1959 Mejor director Festival Internacional de Cine de Locarno Killer's Kiss Ganador

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