El club
de los cinefalos programa 9
-Estrenos:
Hojas de Hierba
Hojas de Hierba
Comedia dramática con ecos de los hermanos Coen y un
gran Edward Norton. Y tres años de retraso, ya que nos ponemos. De esas
películas que se pierden en un cajón y no llegan nunca a España o parecen que
no van a llegar nunca. En el caso de la última película como director del
también actor Tim Blake Nelson, autor por ejemplo de la muy interesante La Zona Gris , su estreno se
ha estado retrasando y por fin podemos verla y disfrutarla. Porque su propuesta
es más que interesante y divertida, dramática a ratos, sorprendente en otros
momentos… El resultado es descompensado pero muy interesante. Una película muy
agradable de ver, que se pasa en un suspiro y que tiene a un Edward Norton
magnífico en un reparto que no deja nada que desear.
Dos hermanos gemelos, interpretados los dos por
Norton, que son como la noche y el día. Uno es un profesor y escritor
filosófico de la universidad, respetado por todo el mundo, que se mudó de su
Oklahoma natal para escapar de su vida anterior. El otro es un pequeño
traficante de marihuana despreocupado pero con muchos problemas, que sigue a su
hermano y se preocupa por su madre y su novia embarazada. Una idea alocada del
traficante hace al filósofo regresar a Oklahoma y enfrentarse con los fantasmas
del pasado, además de verse envuelto en una de las historias más rocambolescas
que el crimen pueda presentar… Sólo con saber de qué va la película ya se
intuye que algo de los hermanos Coen tiene, que algo de humor absurdo dentro de
una historia mucho más seria, hay.
Mucho recae sobre el reparto, sobre todo ese Norton
dando vida a dos personajes físicamente iguales pero completamente opuestos,
desde el acento al carácter. Pero no está mal tener de apoyo al propio Tim Blake
Nelson (se reserva un personaje pequeño pero muy interesante el director, no es
bobo), Susan Sarandon, Pruitt Taylor Vince, Melanie Lynskey, Keri Russell o
Richard Dreyfuss, todos ellos magníficos en su papel, sobre todo a la hora de
levantar las partes menos interesantes de la película. Que las tiene. Cuando se
centra en la comedia no es todo lo divertida o surrealista que podría, y eso se
nota en la película, que al mezclar tantos géneros (crimen, drama, comedia)
termina dando bandazos. Lo cual en su tramo final es un plus, porque sorprende
y choca al espectador el camino que toma.
Y esa sorpresa se agradece cuando la película podía
haberse adocenado en el terreno común y más trillado del drama o la comedia
familiar, y en lugar de eso pega un volantazo sangriento, violento y oscuro que
sienta de maravilla a los personajes y a la historia. Un buen giro, un buen
cambio que, mientras en entre el drama y la comedia no está tan bien ajustado,
en el camino de la violencia es algo que funciona perfectamente. Y sí, recuerda
a cosas como Fargo, pero sin su nivel. Sólo intenta entretener, hacer pasar un
rato interesante al público con sus peculiares personajes. También recuerda
películas como Escondidos en Brujas o Ajuste de Cuentas. Buen cine aunque
llegue tarde.
Don Jon
Don Jon, elocuente pero fallida sátira sobre la
desorientación sexual del personal en estos tiempos de cibersexo.
Joseph Gordon-Levitt debuta como director de
largometraje con esta sátira sobre el sexo en los tiempos de internet y el
onanismo frenético de quienes finalmente han decidido que la vida real les
viene muy grande y prefieren las fantasías cibernéticas, que al parecer les
resultan visualmente más estimulantes y además más cómodas. Crónica de cómo
varias generaciones de jóvenes le están dando la espalda a la realidad para
entregarse a la ficción mientras se dejan devorar por sus juguetes
tecnológicos.
Ese planteamiento que comienza bien, con varios
momentos hilarantes, como las peculiares farsas de coyunda que interpretan el
protagonista con su novia rubia y espectacular, un papel para que Scarlett
Johansson luzca tan seductora y descerebrada como una choni poligonera con
aspiraciones a Barbie pija que me ha recordado mucho a la Spice Girl Victoria
Beckham. O los momentos dominicales de confesión. O ese paisaje familiar de
parientes semilobotomizados, con la hermana autista que habla poco pero cuando
habla hace que suba el pan…
Esos momentos y la voz en off del protagonista, que no
llega a hacerse tan cargante como en otros ejercicios similares, consiguen
darle a la película una primera mitad bastante curiosa y entretenida por la vía
de la comedia gamberra.
El problema surge cuando Joseph Gordon-Levitt empieza a tomarse
demasiado en serio el asunto, se pone algo pesado con la moralina, se saca de
la chistera una redención para su gamberro impresentable, un auténtico
espécimen de ligón poligonero que no merece redimirse en modo alguno, y además
ni siquiera debería plantearse redención alguna, y decide desperdiciar lo mejor
de la película, que es la opción de renovar el relato en el momento justo en
que empieza a estancarse con la aparición del personaje de Julianne Moore en
plan heroína neurótica de comedia de Woody Allen. Llevada por el camino de la
comedia disparatada, esa relación del personaje de Gordón-Levitt con el de
Moore podría haberle dado el empujón final a una de las comedias más ácidas de
este año. Lamentablemente a Gordon-Levitt le da por convertir su película a
partir de ese momento en todo aquello que ha estado criticando durante toda la
primera mitad de la misma, lo cual que le sale el tiro por la culata y esa
renuncia le pasa factura, especialmente con un desenlace que incluso desde el
punto de vista estético parece sacado de un anuncio de preservativos para
mujeres en el invierno de su descontento, que diría Ricardo III tirando de
William Shakespeare. El romance de la fémina otoñal y el niñato poligonero es
uno de los ejemplos de conformismo más molestos que me he encontrado en el cine
últimamente.
De manera que te ríes, pero como la película se
traiciona a sí misma, no te ríes tanto como te podrías haber reído. Y aunque en
su primera parte Don Jon cumple bien su papel como comentario ácido de la
realidad cotidiana que nos rodea y nos está cambiando la vida sibilinamente
merced a la cortina de humo de las nuevas tecnologías, tirando del humor en
lugar de ponerse trágica, al final se pone tan melosa que casi me resbalo al
salir de la sala con tanta baba.
De manera que aplaudo a Joseph Gordon-Levitt por su
primera hora y le daría una colleja por bajarse los pantalones en la última
media hora, y no precisamente para satisfacer los instintos de que presume su
personaje.
Y no cuela lo de que ese final de comedia romántica es
coña limonera que parodia la falta de personalidad del protagonista.
Thor: El Mundo Oscuro
Thor, el mundo oscuro. Mejor que Thor, me gusta más
que Iron Man 3 y es más cercana a Los Vengadores.
Esta segunda película sobre Thor tiene las cosas más
claras sobre su identidad como producto Marvel que la primera. Dicho de otro
modo: es más cercana a los comics en que se basa en todos sus aspectos. Y
conste que la película dirigida por Kenneth Branagh siempre me ha parecido
buena, aunque personalmente me divirtiera más viendo la película de El Capitán
América. Además Thor el mundo oscuro tiene gran habilidad para administrar el
protagonismo de sus distintos personajes en diferentes fases del relato, lo que
fue sin duda uno de los mayores aciertos de Los Vengadores y es una
característica que define los comics de superhéroes de la editorial Marvel. En
éstos los superhéroes propiamente dichos son sin duda los principales
protagonistas, pero nunca son los únicos protagonistas. Por eso la película nos
propone primero el reencuentro con Loki, antes de saltar a un momento que deja
claro que Thor el mundo oscuro es mucho más cercana a las viñetas de la Marvel que la película
anterior: la batalla en Vannaheim. Ahí es donde empieza a hacerse patente que
Sif va a tener mayor peso en la trama, lo mismo que los compañeros guerreros del
protagonista. Esa apertura de carácter épico marca la pauta del resto de la
película, que mezcla con habilidad elementos de las historias de Espada y
Brujería y el género de aventuras con la ciencia ficción. Además deja claro que
estamos ante una visión del universo Marvel en el cine perfectamente conjuntada
con las estrategias narrativas y de explotación cinematográfica de los cómics
de esa editorial aplicadas en Los Vengadores. Continuidad total que se extiende
tanto a una broma visual entre Thor y Loki a mitad de la película en clave de
cameo de otro personaje como al primer fragmento post-créditos en el que se
deja bastante claro cuál será el tema y el villano de Los Vengadores 2. La
continuidad que toma como epicentro del universo Marvel en el cine Los
Vengadores es probablemente lo que buscaba la productora cuando cambió al autor
de la música de la película propuesto por el director por el compositor de Iron
Man 3, Brian Tyler. Otro elemento de continuidad de las claves que propiciaron
el éxito de Los Vengadores lo encontramos en el uso del sentido del humor. Tras
el comienzo en Asgard con los “dioses”, entra en el relato la Tierra y los humanos
aportando la parte más humorística al argumento, antes de convertir a Jane
Foster (Natalie Portman) nuevamente en el puente entreel mundo de Thor y
nuestro planeta y al mismo tiempo en una especie de variante de Alicia en el
país de las maravillas que pasa al otro lado del espejo.
Thor, el mundo oscuro desarrolla un papel más
interesante para Loki, y con un conflicto que da más juego que el tradicional
encuentro entre protagonista y antagonista.
En esta película, Loki se confirma como el gran villano o antagonista de
las producciones de superhéroes producidas por Marvel. Además los elfos oscuros
son más sólidos y tienen más personalidad que los gigantes del hielo de la
primera entrega. Frente a la primera entrega, ésta cuenta con más secuencias de
acción (la batalla de Vannaheim, las mazmorras, el ataque a Asgard en plan
batalla de Inglaterra, el enfrentamiento final …), saca el máximo partido a la
misión imposible de Thor y sus compañeros en la línea de explotación del grupo
de personajes, cada cual con su momento de protagonismo. Además la película
exhibe una gran capacidad para aportar información con un solo plano a modo de
viñeta de cómic (por ejemplo el plano de Thor, Odin, Frigga y Jane Foster
después del ataque de los elfos a Asgard). Y para completar el trabajo cierra
su trama con una batalla espectacular y con un final de cliffhanger imposible
de superar que además encaja perfectamente con la personalidad del relato y los
personajes del comic en el que se basa la película. El guión se mueve con más
libertad y ritmo que en la primera entrega una vez que presentara en aquella a
los personajes, los actores están más cómodos en sus papeles, Hiddleston tiene
totalmente dominado su papel como Loki y sus secuencias con Hemsworth
interpretando a Thor son mejores que las de la primera entrega. Todos los
actores del reparto sacan partido del mejor aprovechamiento de sus personajes
en el guión, empezando por Stellan Skarsgaard y su breve pero hilarante papel
como contrapunto cómico o Idris Elba dando vida a la clave más épica de su
papel como Heimdall, el guardián del puente, o Kat Dennings ejerciendo como la
chispeante becaria/amiga de la protagonista.
Aviso: es preciso quedarse hasta el final de todos los
títulos de crédito para conocer el verdadero desenlace de este relato. Además
del guiño de anticipo para próximos proyectos Marvel, esta es la primera película
de los superhéroes de la compañía que termina el arco dramático de su argumento
después de los créditos finales. Sospecho que más de un impaciente se va a
quedar sin ver el verdadero desenlace de la película.
En cuanto a verla o no en 3D, opino que ésta es una de
esas ocasiones en las que merece pagar el sobreprecio por la carga de acción
constante que nos propone el argumento. Thor el mundo oscuro tiene más acción y
de forma más continuada que cualquier otra película producida por la Marvel , excepto Los
Vengadores. Y realmente en las escenas de batalla saca buen partido a la
aplicación del 3D.
Hitchcok “Estrenada en 2012”
biográfica comedia-drama película dirigida por Sacha
Gervasi y en base a Stephen Rebello 's libro de no ficción Alfred Hitchcock y
el Making of Psycho . La película fue lanzada en ciudades seleccionadas el 23
de noviembre de 2012, [ 3 ] con un lanzamiento mundial el 14 de diciembre de
2012.
Hitchcock se centra en la relación entre el director
Alfred Hitchcock ( Anthony Hopkins ) y su esposa Alma Reville ( Helen Mirren )
durante el rodaje de Psicosis , una controvertida película de terror que se
convirtió en uno de los trabajos más aclamados e influyentes en la carrera del
cineasta.
En 1959, Alfred Hitchcock abre su última película,Con
la muerte en los talones , de gran éxito, pero está preocupado por la
insinuación de un periodista que ha llegado el momento de retirarse. Tratando
de recuperar la audacia artística de su juventud, Alfred rechaza las propuestas
de cine como la adaptación de Casino Royale en favor de una novela de terror
llamada Psycho por Robert Bloch , que se basa en los crímenes del asesino en
serie Ed Gein . Características Gein en las secuencias de toda la película en
la que parece sugerir la imaginación de Hitchcock sobre la psico historia, o
actuar como una función de la mente inconsciente de Hitchcock (por ejemplo,
llamando la atención de Hitchcock de arena en el suelo de su cuarto de baño, la
cantidad de lo que revela la cantidad de tiempo a su esposa Alma ha estado
pasando en la casa de playa con Whitfield Cook).
La esposa de Alfred y colaboradora artística, Alma, no
es más entusiasmados con la idea de que sus colegas, sobre todo desde que se
presionó por su amigo escritor, Whitfield cocinero , para mirar a su propio
guión. Sin embargo, se calienta a la propuesta de Alfred, lo que sugiere el
innovador giro parcela de matar a la protagonista femenina a principios de la
película. Los jefes de estudio de Paramount resultan más difíciles de
convencer, forzar Alfred para financiar la película personalmente y utilizar su
Alfred Hitchcock Presenta equipo de televisión para producir la película.
Sin embargo, las presiones de la producción, como se
trata de Geoffrey Shurlock del Picture Motion Código de la Producción y los
hábitos lujuriosos de Hitchcock, por ejemplo, cuando se consultan con la
protagonista, Janet Leigh , molestar Alma. Ella comienza una colaboración
escritura personal con Whitfield en su guión en su casa de la playa sin el
conocimiento de Alfred. Alfred finalmente descubre lo que ella ha estado
haciendo y la sospecha de tener una aventura. Esta preocupación afecta a la
obra de Alfred en Psycho .
Alma se hace cargo de la producción de la película,
cuando Alfred se encuentra temporalmente en cama tras sufrir un colapso por
exceso de trabajo. Alfred finalmente se enfrenta a Alma y le pregunta si ella
está teniendo una aventura. Alma enojada niega. Mientras tanto, Alfred expresa
su decepción a Vera Miles en cómo ella no siguió adelante con su plan para
hacer de ella la próxima estrella más grande después de Grace Kelly , pero
Miles dice que está feliz con su vida familiar.
Corte de Alfred Psycho es mal recibido por los
ejecutivos de los estudios, mientras que Alma descubre Whitfield tener sexo con
una mujer más joven en su casa de playa. Alfred y Alma reconcilian y se
pusieron a trabajar en la mejora de la película. Sus renovadas colaboración
produce resultados, culminando en Alma convencer a Alfred a aceptar la sugerencia
de su compositor para la adición de Bernard Hermann dura puntuación cuerdas 's
de la escena de la ducha.
Después de maniobrar Shurlock a abandonar contenido de
la película en gran parte intacto, Alfred aprende el estudio sólo se va a
exhibir la película en dos salas. Alfred se encarga de las instrucciones de
teatro especiales para despertar el interés del público, tales como la
prohibición de entrada después de que comience la película. En el estreno de la
película, Alfred primero ve a la audiencia de la cabina de proyección, mirando
a través de la pequeña ventana en la audiencia (una escena que recuerda el
espionaje de sus actrices principales desnudarse antes en el cine, mirando a
través de un agujero cortado en el vestidor pared de la sala - que en sí es un
motivo voyeur incluido en la película Psycho ). Alfred entonces espera en el
vestíbulo por la reacción del público, la realización de sus reacciones como
gritan en el momento justo. La película se ve recompensado con una entusiasta
acogida.
Con la proyección de la película que es tan bien
recibida, Alfred agradece públicamente a su esposa después de ayudar a que sea
posible y que afirman su amor. A la conclusión en su casa, Alfred se dirige al
público señalando Psycho resultó ser un punto alto gran parte de su carrera y
en la actualidad se está planteando su próximo proyecto. Un cuervo aterriza en
su hombro como una referencia a los pájaros , antes de volver a reunirse con su
esposa.
Las tarjetas de título finales dicen que Hitchcock
dirigió seis películas más después de Psycho , ninguna de las cuales eclipsar
su éxito comercial y aunque nunca ganó un Oscar, el American Film Institute le
otorgó el Premio a la Vida
en 1979 - el premio afirmó que compartía, como lo había hecho su vida, con su
esposa, Alma.
El Clasico de la semana: “La Ventana Indiscreta
La ventana indiscreta (1954) es una película estadounidense dirigida por Alfred Hitchcock, protagonizada por James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Raymond Burr y Thelma Ritter y basada en el cuento It had to be murder (1942) de William Irish. Fue galardonada con Círculo de críticos de cine de Nueva York y el Premio National Board of Review el mismo año de su estreno por el papel de la futura princesa de Mónaco, y un año más tarde ganó el premio Edgar al Mejor guion de John Michael Hayes. También en 1955 fue candidata a los Oscar por Mejor director, Mejor fotografía en color, Mejor guion y Mejor sonido. Desde 1997 la película se encuentra en el National Film Registry de
Argumento
El fotógrafo L. B. Jefferies (James Stewart) tiene la
pierna enyesada debido a un accidente y empieza a sospechar del comportamiento
de su vecino de enfrente (Raymond Burr), al cual espía mediante unos
binoculares y una cámara de fotos.
Hablar de la importancia estetica y metaforica de la
pelicula.
Aparicion del director en el minuto 25 arreglando un reloj del piso
del compositor.
Legado
Brian De Palma rindió homenajeo a la historia en Body
Double (1984), al cual añade toques de otra película de Hitchcock: Vertigo
(1958).
Como perder la cabeza (2001), protagonizada por
Freddie Prinze Jr., tiene una trama muy similar.
En Disturbia (2007) el protagonista está bajo arresto
domiciliario y el vecino no está casado.
Marcos Bernstein hace una referencia a la película en
Al otro lado de la calle (2004), con una vuelta de tuerca en Brasil.
Varias series de dibujos le rinden tributo: en un capítulo
de Tiny Toon Adventures el Pato Plucky está con la pierna enseyada en un
hospital y cree que Elmer Gruñón planta unas plantas mutantes y Bart cree que
Flanders ha asesinado a su mujer en el capítulo Bart of Darkness de Los
Simpson. Otros
ejemplos son Rocket Power, La vida moderna de Rocko, Home Movies, That 70's
Show, The Venture Bros, Clarissa Explains It Alla y ALF.
En Lo que la verdad esconde (2000), Robert Zemeckis le
rinde tributo a ésta y otras películas de Hitchcock.
En Misterioso asesinato en Manhattan (1993), el
personaje de Woody Allen y su esposa sospechan que su vecino ha asesinado a su
mujer y se ven obligados a investigar por si mismos.
En Mujeres al borde de un ataque de nervios el
personaje de Pepa (Carmen Maura) se sienta en un banco y espía el edificio
donde vive su amante.
En 1998 se estrenó una película para la televisión
titulada Rear window, un remake del film, protagonizado por Cristopher Reeve
(estando paralizado) y Daryl Hannanh
En 2013 la serie de televisión Castle, en su capítulo
100 hace un homenaje a esta película, el personaje principal: Richard Castle se
ha roto la pierna y en su aburrimiento decide espiar al vecino de enfrente que
al parecer ha asesinado a su mujer por serle infiel.
Es en el episodio "Bart of Darkness", primer
episodio de la sexta temporada. En España "Bart en la Oscuridad ". En ese
episodio Bart se fractura una pierna al caer mal sobre una piscina. Eso hace
que se quede en su cuarto sin poder salir y Lisa le presta un telescopio, el
cual Bart usa para espiar a sus vecinos.
Año 1948
Género Suspense
Duración 80
minutos
Distribución Warner
Brothers
Presupuesto $
1.500.000 de dólares
Rope (en México y en España, La soga; en Argentina,
Festín diabólico) es una película estadounidense de 1948 dirigida por Alfred
Hitchcock y con James Stewart en el papel principal.
Es una adaptación de la obra de teatro Rope, escrita
por Patrick Hamilton en 1929, y tiene grandes similitudes con la muerte real,
que tuvo una gran repercusión en su época, de Bobby Franks a manos de Nathan
Freudenthal Leopold, Jr. y de Richard A. Loeb en 1924. Es la primera película
en color dirigida por Alfred Hitchcock.
La película está rodada en una sucesión de
planos-secuencias, cada una hecha de una sola toma sin cortes, que abarca la
totalidad de la duración del rollo de película cinematográfica. Hitchcock
pretendía rodarla en tiempo real en una sola toma, pero las cámaras sólo podían
grabar 10 minutos seguidos y se vio obligado a realizar varios cortes. En cada
fin de rollo de la película se hacía pasar la cámara por detrás de un lugar
oscuro (como las chaquetas de los personajes) para disimular el cambio, aunque
hay dos cortes que se notan a propósito. De este modo el resultado es una
acción continua, de apariencia teatral, donde se evidencia el mérito
interpretativo de los actores.
La cinta causó cierto escándalo en su tiempo, pues
aunque nunca lo mencionan, está claro que los protagonistas son homosexuales.
Argumento
Una pareja de brillantes universitarios, Brandon (John
Dall) y Phillip (Farley Granger), estrangulan a un amigo de la facultad, David
Kentley (Dick Hogan), con el fin de demostrar su superioridad, estimulados por
las teorías de su profesor favorito, Rupert Cadell (James Stewart). Esconden el
cadáver en un arcón sobre el que más adelante se servirá una cena a la que
están invitados el padre del muchacho asesinado (Sir Cedric Hardwicke); la
madre del muchacho, que no acude y en su lugar asiste su tía, la señora Atwater
(Constance Collier); su novia Janet (Joan Chandler); el mejor amigo de David,
Kenneth (Douglas Dick); y el profesor Rupert Cadell. La fiesta también cuenta
con la asistenta de los dos muchachos (Edith Evanson). Esa fiesta transcurre
normalmente, hasta que el profesor se da cuenta de lo que está sucediendo y
descubre el cadáver, escandalizándose por la brutalidad empleada por sus
alumnos para convertir en verdad sus teorías. Este film tiene varias
referencias a las teorías del filósofo alemán Nietzsche sobre los superhombres
y los mediocres.
La película es una de más experimentales de Hitchcock
y «uno de los experimentos más interesantes que haya intentado un director
importante trabajando con grandes nombres de la taquilla», abandonando la
mayoría de las técnicas normales de rodaje para permitir largas escenas
continuas. Cada escena dura diez minutos sin interrupciones. Fue grabada en un
único escenario, aparte de la escena externa de la calle durante los créditos.
Los movimientos de cámara fueron cuidadosamente planeados y casi no hubo
edición posterior.
Los muros del escenario se movían sobre ruedas y
podían desplazarse silenciosamente fuera de plano, y luego ser reposicionados
cuando estaban dentro de la toma. Un operador designado se encargaba de mover
los muebles y otros accesorios fuera de la trayectoria de la gran cámara
Technicolor, y luego asegurarse de que estuviesen reposicionadas en el lugar
correcto. Un equipo de operadores de sonido y cámara mantenían la cámara y los
micrófonos en constante movimiento, mientras los actores mantenían un conjunto
de señales cuidadosamente coreografiadas.
El extraordinario diorama en el fondo era el más
grande utilizado alguna vez en un escenario de sonido. Incluye modelos de los
edificios del Empire State y el Chrysler. Las numerosos humos de chimenea,
luces provenientes de los edificios, señales de neón, y el amanecer se
desarrollaron cuando la película progresaba. En el minuto cincuenta y tres de
la película, una señal roja de neón cercana a la ventana principal que mostraba
el perfil de Hitchcock promocionando «Reduco» —el producto ficticio para la
pérdida de peso usado durante el cameo en Lifeboat— empieza a parpadear;
mientras los invitados son acompañados a la puerta y los actores Joan Chandler
y Dick Douglas conversan por un momento, la señal aparece y desaparece en el
fondo varias veces, a la derecha entre los visajes o a la derecha bajo los ojos
del espectador. Este es probable uno de los «cameos» más sutiles de Hitchcock.
En el transcurso de la película, las nubes —hechas de fibra de vidrio— cambian
de posición y se forman ocho veces.
La película es una de más experimentales de Hitchcock
y «uno de los experimentos más interesantes que haya intentado un director
importante trabajando con grandes nombres de la taquilla», abandonando la
mayoría de las técnicas normales de rodaje para permitir largas escenas
continuas. Cada escena dura diez minutos sin interrupciones. Fue grabada en un
único escenario, aparte de la escena externa de la calle durante los créditos.
Los movimientos de cámara fueron cuidadosamente planeados y casi no hubo
edición posterior.
Los muros del escenario se movían sobre ruedas y
podían desplazarse silenciosamente fuera de plano, y luego ser reposicionados
cuando estaban dentro de la toma. Un operador designado se encargaba de mover
los muebles y otros accesorios fuera de la trayectoria de la gran cámara
Technicolor, y luego asegurarse de que estuviesen reposicionadas en el lugar
correcto. Un equipo de operadores de sonido y cámara mantenían la cámara y los
micrófonos en constante movimiento, mientras los actores mantenían un conjunto
de señales cuidadosamente coreografiadas.
El extraordinario diorama en el fondo era el más
grande utilizado alguna vez en un escenario de sonido. Incluye modelos de los
edificios del Empire State y el Chrysler. Las numerosos humos de chimenea,
luces provenientes de los edificios, señales de neón, y el amanecer se
desarrollaron cuando la película progresaba. En el minuto cincuenta y tres de
la película, una señal roja de neón cercana a la ventana principal que mostraba
el perfil de Hitchcock promocionando «Reduco» —el producto ficticio para la
pérdida de peso usado durante el cameo en Lifeboat— empieza a parpadear;
mientras los invitados son acompañados a la puerta y los actores Joan Chandler
y Dick Douglas conversan por un momento, la señal aparece y desaparece en el
fondo varias veces, a la derecha entre los visajes o a la derecha bajo los ojos
del espectador. Este es probable uno de los «cameos» más sutiles de Hitchcock.
En el transcurso de la película, las nubes —hechas de fibra de vidrio— cambian
de posición y se forman ocho veces Soga”
El Personaje :
Alfred Hitchcock
Nacido el 13 de agosto de 1899 Sir Alfred Joseph Hitchcock fue un director de cine y productor
británico. Fue pionero en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros
cinematográficos del suspense y el thriller psicológico.
Hitchcock dirigió más de cincuenta películas a lo
largo de seis décadas. Reconocido a menudo como el mejor cineasta británico,
apareció el primero de una encuesta realizada entre los críticos de cine en
2007 por el periódico The Daily Telegraph. El diario lo definió así:
«Indudablemente el más grande cineasta nacido en estas islas, Hitchcock hizo
más que cualquier otro director para dar forma al cine moderno, que habría sido
completamente diferente sin él». La revista MovieMaker lo ha descrito como el
director más influyente de todos los tiempos y es ampliamente considerado como
uno de los artistas más importantes del séptimo arte.
En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias
películas de cine mudo en la
Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que,
poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine.
Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en
películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players
Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se
casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas
de su marido.
- Filmografia: 1922 - Number 13 (Número 13), inacabada y
recientemente encontrada
- 1925 - The Pleasure Garden (El
jardín de la alegría)
- 1926 - The Mountain Eagle (El águila de la
montaña)
- 1927 - The Lodger: A Story of the
London Fog (El enemigo de las rubias / El inquilino)
- 1927 - The Ring (El ring)
- 1927 - Downhill
- 1927 - Easy Virtue (Dudosa
virtud)
- 1928 - Champagne
- 1928 - The Farmer's Wife (La esposa del
granjero)
- 1929 - The Manxman
- 1929 - Blackmail (Chantaje
/ La muchacha de Londres)
- 1930 - Elstree
Calling (Elstree llama)
- 1930 - Juno and the Paycock
- 1930 - Murder! (Asesinato)
- 1931 - Mary
- 1931 - Rich and Strange (Ricos y extraños / Lo
mejor es lo malo conocido)
- 1931 - The Skin Game (Juego sucio)
- 1932 - Number Seventeen (Número
diecisiete)
- 1933 - Waltzes from Vienna (Valses
de Viena)
- 1934 - The Man Who Knew
Too Much (El hombre que sabía demasiado), versión británica
de 1934
- 1935 - The
39 Steps (39 escalones)
- 1936 - Sabotage (Sabotaje),
basada en la novela de Joseph Conrad "El agente secreto" (no
confundir con su siguiente película, Secret Agent, ni con la
de 1942 tituladaSaboteur)
- 1936 - Secret
Agent (Agente secreto / El agente secreto), no confundir con
la novela de Conrad "El agente secreto" (filmada por Hitchcock
en 1936 con el título de Sabotage)
- 1937 - Young and Innocent (Inocencia
y juventud)
- 1938 - The Lady Vanishes (Alarma
en el expreso / La dama desaparece)
- 1939 - Jamaica
Inn (La posada de Jamaica / La posada maldita)
- 1940 - Rebecca (Rebeca / Rebeca, una mujer
inolvidable)
- 1940 - Foreign Correspondent (Enviado
especial / Corresponsal extranjero)
- 1941 - Mr. and Mrs. Smith (Matrimonio
original / Su amado enemigo)
- 1941 - Suspicion (Sospecha /La sospecha)
- 1942 - Saboteur (Sabotaje / Saboteador),
no confundir con su película de 1936 titulada Sabotage
- 1943 - Shadow of a Doubt (La sombra de una
duda)
- 1944 - Bon Voyage (Buen viaje),
cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra Mundial
- 1944 - Aventure malgache (Aventura
malgache), cortometraje en francés de propaganda durante la 2ª Guerra
Mundial
- 1944 - Lifeboat (Náufragos
/
- 1945 - Spellbound (Recuerda
/ Cuéntame tu vida)
- 1946 - Notorious (Encadenados
/ Tuyo es mi corazón)
- 1947 - The Paradine Case (El
proceso Paradine / Agonía de amor)
- 1948 - Rope (La soga
/ Festín diabólico)
- 1949 - Under
Capricorn (Bajo el signo de Capricornio, Atormentada)
- 1950 - Stage Fright (Pánico en la
escena)
- 1951 - Strangers on a Train (Extraños
en un tren / Pacto siniestro)
- 1953 - I Confess (Yo
confieso / Mi secreto me condena / Mi pecado me condena)
- 1954 - Dial M for a Murder (Crimen perfecto
/ Con M de muerte / La llamada fatal / Llamada fatal (crimen perfecto))
- 1954 - Rear
Window (La ventana indiscreta)
- 1955 - To Catch a Thief (Atrapa a un ladrón /
Para atrapar al ladrón)
- 1955 - The Trouble with Harry (Pero... ¿quién mató a Harry? / El tercer tiro)
- 1956 - The Man Who Knew Too
Much (El hombre que sabía demasiado / En manos del
destino), remake en la etapa estadounidense de su película de 1934
- 1956 - The
Wrong Man (Falso culpable / El hombre equivocado)
- 1958 - Vertigo (Vértigo / De entre
los muertos)
- 1959 - North by Northwest (Con la muerte en
los talones / Intriga internacional)
- 1960 - Psycho (Psicosis)
- 1963 - The Birds (Los
pájaros)
- 1964 - Marnie (Marnie
la ladrona / Marnie)
- 1966 - Torn
Curtain (Cortina rasgada)
- 1969 - Topaz
- 1972 - Frenzy (Frenesí)
- 1976 - Family
Plot (La trama / Trama macabra)
Serie: Alfred Hitchcock presenta:
Alfred Hitchcock presenta es bien conocida por su
secuencia del título . Se desvanece la cámara de en una simple línea de dibujo
de la caricatura de perfil rotundo de Hitchcock. Como tema musical del
programa, Charles Gounod 's Funeral March de marionetas , juegos, Hitchcock
aparece en la silueta del borde derecho de la pantalla, y luego camina al centro
de la pantalla para eclipsar la caricatura. A continuación, casi siempre dice
"Buenas noches." (El tema musical para el show fue sugerido por el
colaborador musical de larga data de Hitchcock, Bernard Herrmann)
El dibujo, que Hitchcock creó a sí mismo, y el uso de
la caricatura de Gounod Marcha fúnebre de una marioneta como tema musical se
han convertido indeleblemente asociado con Hitchcock en la cultura popular.
Hitchcock vuelve a aparecer después de la secuencia
del título, y graciosamente presenta la historia de un estudio casi vacío o en
el conjunto del episodio actual, sus monólogos fueron escritas especialmente
para él por James B. Allardice . Por lo menos dos versiones de la apertura
fueron fusilados por cada episodio. Una versión destinada al público
estadounidense a menudo suplantar un reciente comercial popular o se burlan de
el patrocinador, que lleva en el comercial. Una versión alternativa para las audiencias
europeas en lugar de otro incluir bromas a expensas de los estadounidenses en
genera para temporadas posteriores, palabras de apertura fueron rodadas con
Hitchcock hablando en francés y alemán para las presentaciones internacionales
de la serie. Hitchcock cerró el espectáculo de la misma manera que se abrió,
pero sobre todo para atar los cabos sueltos en lugar de broma. Él le dijo a TV
Guide que sus garantías de que el criminal había sido aprehendidos eran
"un gesto necesario para la moral."
Originalmente 25 minutos por episodio, la serie se
amplió a 50 minutos en 1962 y retitulada The Alfred Hitchcock Hour . Hitchcock
dirigió 17 de los 268 episodios filmados de Alfred Hitchcock presenta y uno de
los episodios de 50 minutos, "Vi a los Whole Thing "con John Forsythe
. El último nuevo episodio salió al aire el 26 de junio de 1965, y la serie
sigue siendo popular en la distribución por décadas.
El nuevo Alfred Hitchcock presenta:
El nuevo Alfred Hitchcock presenta (en inglés, The new
Alfred Hitchcock presents) es una serie de televisión estadounidense, que duró
entre 1985 y 1989, y que corresponde a una re-edición por parte de la CBS /NBC de la clásica serie
Alfred Hitchcock presenta (Alfred Hitchcock presents) que se transmitió entre
1955 y 1965.1
Esta serie es un thriller que inicialmente recreaba
episodios antiguos aislados, en color, con nuevos actores y modernizándola para
hacerla más entretenida y más atractiva al gran público, convirtiéndose
posteriormente en una serie compuesta por episodios nuevos y remakes de los
antiguos en color. La apuesta sólo duró una temporada, tras lo cual la CBS /NBC canceló la serie, que
sobrevivió tres temporadas más siendo producida por USA Network.
En total se filmaron 76 episodios, todos en color.
Incluso se colorearon las introducciones originales de Alfred Hitchcock,
fallecido en 1980.
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